Art Masterpieces

لوحات عالميـة – 299

2011-10-31T14:02:00.000-07:00

بورتـريه ثلاثـي للكاردينـال ريشيليـو
للفنان الفرنسي فيليـب دو شامبـين، 1662

رسْم صور لزعماء وقادة الدول هو احد التقاليد القديمة في الرسم. ومع مرور الوقت أصبح رسم الوزراء والمسئولين الآخرين، خاصّة في أنظمة الحكم المطلق، من الأمور الشائعة والمألوفة.
هذا البورتريه رسمه فيليب دو شامبين للكاردينال ريشيليو الذي يُعتبر احد أهمّ الشخصيات المتنفّذة التي لعبت دورا مهمّا زمن حكم الملك الفرنسي لويس الثالث عشر. وقد ازدادت حظوظ عائلة الكاردينال وأصبحت في عداد الأسر النبيلة بعد أن تبوّأ عدد من أفرادها مناصب مرموقة في عهود ملوك فرنسا المتعاقبين. وبفضل علاقة ريشيليو الوثيقة بـ ماري دي ميديتشي والدة الملك لويس الثالث عشر، عُيّن الكاردينال وزير دولة للشئون الخارجية في العام 1616م. ثم لم يلبث أن رُقّي إلى منصب رئيس وزراء فرنسا.
في ذلك الوقت، كانت قبضة الملك على مقاليد الحكم في فرنسا قد بدأت تتضعضع وتهتزّ. وأصبح نظام الحكم مهدّدا بالخطر. كانت فرنسا وقتها تعاني من استشراء فساد الساسة وتغوّل النبلاء، بالإضافة إلى عامل ثالث تمثّل في ازدياد نفوذ البروتستانت المتشدّدين المسمّين بـ الايغونيين.
كان لويس بحاجة ماسّة إلى رجل يعينه على تعزيز سلطته وتأكيد حكمه. وقد وجد ضالّته في الكاردينال الذي عمل منذ البداية على تدعيم سلطة الملك من خلال استخدام القوّة المفرطة والعنف السياسي. ولم تمض أربع سنوات حتى كان ريشيليو قد سحق تمرّد البروتستانت وقمع النبلاء بعنف بعد اكتشاف مخطّطهم للتآمر على الملك. ثم بادر إلى استبدال خصوم الملك في الحكومة بأشخاص موالين ووسّع صلاحياته في الأقاليم من خلال تنصيب وكلاء للملك على شئونها.
في اللوحة يظهر الكاردينال بثلاثة وجوه متماثلة، الأوّل، في الوسط، يواجه الناظر مباشرة. وإلى يمين اللوحة ويسارها يظهر الوجهان الآخران متناظرين جانبيا. الهيئة الدينية للكاردينال تتوافق مع أفكاره المتقشّفة وتشير ضمنا إلى موقفه الطهراني من المنصب الرسمي. العباءة التي تتخذ شكل مثلّث من الألوان الأبيض والأزرق والأحمر تغطّي جسمه بالكامل ولا تستثني حتى يديه. الملمح الأهمّ في اللوحة هو وجه الكاردينال الصغير الشاحب. ملامحه تعبّر عن قوّة الإرادة والحزم رغم ما يبدو عليه من علامات التعب والإرهاق بسبب سنوات الخدمة الطويلة.
عندما باشر ريشيليو مهامّ منصبه، أصرّ منذ البداية على أن يطبّق القانون بقسوة كي لا تفلت الأمور عن السيطرة وتفقد الدولة هيبتها. كان في طريقة حكمه يعتمد على مزيج من العقل والإرادة واستخدام السلطة السياسية بفاعلية. ولم يتوانَ عن فرض عقوبات مشدّدة حتى على الجرائم والتجاوزات الصغيرة. كان الكاردينال يؤمن بالحقّ الإلهي للملك الذي يكفل له استخدام ما يراه من وسائل مناسبة من اجل فرض السلام والنظام على سائر أفراد المجتمع. كما كان يؤمن بأن الغاية تبرّر الوسيلة وبأن الدولة تعلو على جميع ما عداها وأن الدين ليس سوى أداة لخدمة السياسة.
الرسّام دو شامبين ولد في بروكسل لعائلة فقيرة تعود أصولها إلى الفلاندرز. وفي عام 1621 ذهب إلى باريس حيث عمل لبعض الوقت مع الرسّام نيكولا بوسان. ثم انتُدب مع آخرين لمهمّة تزيين قصر اللوكسمبور التابع للملكة الأم ماري دي ميديتشي. وفي ما بعد عيّنه الملك لويس الثالث عشر رسّاما للبلاط. وبحكم منصبه الجديد، أصبح على صلة وثيقة أيضا بالكاردينال ريشيليو الذي رسم له هذه اللوحة التي يتذكّره الناس بها إلى اليوم. وقد أرسلت اللوحة إلى النحّات فرانشيسكو موتشي في روما كي يصنع على منوالها تمثالا نصفيا للكاردينال.
كان ريشيليو، رغم حزمه وبطشه، محطّ إعجاب الكثير من المؤرّخين لذكائه وإخلاصه الوطني. فقد نجح في إحداث إصلاحات جذرية في البنية الأساسية للحكم. وأصبحت فرنسا في عهده أقوى بلد في أوربّا. وبالإضافة إلى دعمه للبحرية الفرنسية وتوسيعه للمستعمرات في أفريقيا والكاريبي، عُرف عنه أيضا احتضانه وتشجيعه للآداب والفنون. فأعاد بناء جامعة السوربون ودعم الكتّاب الواعدين وأنشأ الأكاديمية الفرنسية للفنون. بل إن بعض المؤّرخين الفرنسيين يصفونه بأنه مؤسّس الوحدة الفرنسية والرجل الذي خلّص فرنسا من طبيعتها القروسطية. خلفية الكاردينال الاجتماعية دفعته إلى مناصرة الأفكار السياسية للبورجوازيين. غير انه في الوقت نفسه عمد إلى نزع الكثير من امتيازاتهم مقابل تثبيت مركزية الدولة وتعزيز هيبتها.
ترى هل أراد الرسّام بهذه الصورة الثلاثية الإيحاء بأن للكاردينال ثلاث شخصيات قد تبدو للناظر منفصلة عن بعضها، لكنها في الواقع مترابطة وكلّ منها تكمّل الأخرى؟ بناء اللوحة على هذا النحو يذكّر بإحدى نظريات علم النفس التي تتحدّث عن انقسام الأنا، أي الحالة التي يكون فيها الشخص المنعزل والنرجسي منهمكا في حوار داخلي واستكشافي مع الذات.
المعروف أن فكرة البورتريه الثلاثي ظهرت أوّل ما ظهرت خلال عصر النهضة الايطالي. في لوحته بعنوان صورة مجازية للفطنة، يرسم تيشيان وجوها لثلاثة أشخاص في ثلاثة اتجاهات مختلفة. وأسفل منها ثلاثة وجوه لأسد وذئب وكلب. وفي أعلى اللوحة تظهر عبارة تقول: من الماضي يستمدّ الإنسان الحكمة في الحاضر كي يتجنّب أخطاء المستقبل". ربّما يكون هذا شعار ريشيليو نفسه الذي عُرف عنه حرصه على موازنة الاحتمالات وقياس الظروف قبل الإقدام على أيّ خطوة أو قرار. الفنّان انطوني فان دايك رسم، هو الآخر، بورتريها ثلاثيا مشهورا للملك الانجليزي تشارلز الأوّل. كما رسم الفنان الأمريكي غيلبيرت ستيوارت بورتريها ثلاثيا لـ اليزابيث بونابرت.
أسلوب دو شامبين في هذه اللوحة وفي غيرها يعكس واقعية روبنز الفاقعة في تعامله مع الألوان وفي طريقة تمثيل الملابس المنسدلة، ما يذكّر بالتماثيل الرومانية القديمة. وقد عُرف عنه غزارة إنتاجه. لكن أقوى أعماله هي البورتريهات التي رسمها لمعاصريه والتي مزج فيها بين عدّة عناصر فلمنكية وفرنسية وايطالية.
وقد أصبح فيليب دو شامبين في ما بعد عضوا مؤسّسا في الأكاديمية الفرنسية للفنون ثم أستاذا فيها. وتحت تأثّره بالمذهب الكاثوليكي المعروف بـ الجانسينية، استقال من وظيفة البلاط وكرّس كلّ وقته لرسم بورتريهات لرموز هذا المذهب. واستمرّ يفعل ذلك حتى وفاته في باريس عام 1674م.

لوحات عالميـة – 298

2011-10-26T13:57:00.000-07:00

المُـلهِمـات
للفنان الفرنسي موريـس دونيـه، 1893

في نهايات القرن قبل الماضي، ظهرت في فرنسا حركة فنّية جديدة أطلق رموزها على أنفسهم اسم الأنبياء. وقد اختاروا هذا الاسم لأنهم كانوا يطمحون أن يأتوا بأشكال جديدة من الرسم والتعبير. كان موريس دونيه مؤسّس هذه الجماعة. وكان من أعضائها البارزين كلّ من ادوار فويار وبيير بونار.
كانت حركة الأنبياء تدعو إلى ربط الفنّ بالحياة والى المزاوجة المثالية بين الفنون البصرية والموسيقى والشعر والمسرح. وكانوا يولون اهتماما كبيرا بالألوان. كانوا، مثلا، يرون أن أهمّ جزء في اللوحة هو السطح المغطّى بمجموعة منظمّة من الألوان بما تثيره من إيقاع وتعبيرية وانفعال.
وفي مقابل اهتمامهم بالألوان وبساطة الأشكال وتوظيف الطبيعة للتعبير عن الحالات الانفعالية المختلفة، كان رموز هذه الحركة يغفلون المنظور وينكرون واقعية أواخر القرن التاسع عشر ويؤكّدون على ضرورة إلغاء الفوارق الفاصلة بين الرسم والزخرفة. ولهذا السبب ادخلوا الفنون الزخرفية على لوحاتهم ووظّفوا التطريز والأرابيسك وأسلوب الرسم الياباني في أعمالهم.
موريس دونيه كان أشهر رموز هذه الجماعة وأغزرهم إنتاجا وأكثرهم تأثيرا. وأهمية دونيه تتجاوز الرسم. فقد كان أيضا ناقدا ومنظّرا، وترك العديد من الكتابات التي تتناول وظيفة الرسم ودوره في المجتمع وفي الحياة.
كانت الجماعة تؤمن بقوّة الفنّ وقدرته على تغيير العالم. وكانوا يرون أن الفنّ لا يجب أن يكون واقعيا بل أداة ووسيلة للتعبير عن العاطفة والمزاج. كما كانت تكثر في رسوماتهم الرؤى التي تتحدّث عن السلام والهدوء والطمأنينة، كما لو أنها وسيلة للهرب من صخب وتشوّش الحياة المدنية الحديثة.
في هذه اللوحة، يرسم موريس دونيه موضوعا من الأدب الإغريقي، ولكن في سياق معاصر. ومن الملاحظ انه أعطى ملامح زوجته للملهمات الثلاث الرئيسيات اللاتي يظهرن في مقدّمة اللوحة ويرمزن للحبّ والدين والفنّ. وقد حدّد لكلّ منهنّ هيئة تناسب نوع الإلهام الذي يرتبط بها. كما رسم ملهمات أخريات وهنّ واقفات بين الأشجار.
اللوحة تغلب عليها الألوان الحمراء والصفراء والخضراء. وأرضية الحديقة تبدو زخارفها مثل سجّادة فارسية، بينما تكتسي أوراق الأشجار، هي الأخرى، طابعا زخرفيّاً.
كانت زوجة الرسّام، واسمها مارثا مورييه، حبيبته وملهمته. كانت، مثله، امرأة متديّنة. وكان يقول إن الله اختارها كي تهديه وتلهمه في الرسم. وقد ظهرت في العديد من لوحاته ورسمها في حالات وأوضاع مختلفة.
الظهور المتكرّر لـ مارثا في رسومات دونيه هو إعلان من طرفه بحبّه الكبير لها. وقد رسمها دائما بوجه هادئ وملامح وقورة. وهي في فنّه الأميرة والعذراء والمرأة النائمة في غابة سحرية. كان ذوقهما واحدا في الموسيقى والشعر. وهي كانت أيضا عازفة بيانو موهوبة. وكان من أصدقائهما كلّ من الموسيقيّ كلود ديبوسي ومالارميه وبول فاليري واندريه جيد. وقد ذهب دونيه بمعيّة الأخير عام 1895 إلى ايطاليا واطّلع على جمال روما. كما زار توسكاني وتأثّر بألوان وأضواء الريف الايطالي وبُهر بلوحات رافائيل ومايكل انجيلو.
وشكّلت تلك الزيارة بداية النهاية لـ الأنبياء. وأصبح دونيه يتبنّى أسلوبا أكثر كلاسيكية ثم لم يلبث أن فقد معظم جاذبيّته المبكّرة.
في لوحات دونيه صمت يثير التأمّل وحضور يذكّر بأجواء اركاديا، حيث المكان يوفّر للإنسان مهربا من مخاوف العالم الخارجي. كان الرسّام يعتقد أن للون والخط والشكل خصائص موسيقية وأنها يمكن أن توصل إحساسا بالإيقاع والتناغم. وقد استخدم هذه الأفكار في رسم لوحاته.
وهناك في أعماله ميزة أخرى تتمثّل في طابعها الديكوري والهادئ والبسيط. وهذه هي السمات التي كان يراها في لوحات بيير بوفي دو شافان الذي كان معجبا بأعماله وبأسلوبه.
في إحدى لوحاته المشهورة الأخرى، يرسم دونيه أسطورة اورفيوس ويوريديسي كي يصوّر من خلالها القوّة العظيمة للموسيقى والشعر وتأثيرهما على الطبيعة والإنسان. ومن أعماله الأخرى المعروفة أيضا سلسلة من أربع لوحات تتحدّث عن الفصول. لكن يمكن اعتبار اللوحات الأربع دراسة رمزية عن أربع لحظات مهمّة في حياة المرأة.
ولد موريس دونيه في النورماندي عام 1870م لعائلة ثريّة. أي انه يوفّر حالة نقيضة لنموذج الفنّان الفقير أو الجائع مثل فان غوخ أو بيكاسو. وقد تمتّع بدعم عائلته. بل واستطاع من خلال ريع لوحاته أن يعيل زوجته وأطفالهما الخمسة.
في سنّ الثالثة عشرة تلقى الفنّان دروسا في الرسم. كما كان يواظب على زيارة متاحف باريس، وخاصّة اللوفر. كان دونيه منذ صغره إنسانا متديّنا وعلى شيء من التصوّف. وكان من عادته أن يضفي على لوحاته بعدا روحيا. وأعماله المبكّرة تمتلئ بصور لنساء بوجوه بيضاء شاحبة يمشين في الغابات المقدّسة أو يلتقطن الأزهار والفواكه. كان دونيه يعتقد أن مهمّته تقديم الأفكار المثالية عن الله وعن الحبّ والعاطفة وتحويل كلّ شيء في الحياة اليومية إلى أعمال تضجّ بجمال غير عاديّ.
المعروف أن موريس دونيه عاش في فترة مضطربة من تاريخ فرنسا. وعاصر حربين عالميتين. وكان الطلب على لوحاته كبيرا، خاصّة في فترة ما بين الحربين الأولى والثانية.
وقد استمرّ يرسم حتى يوم وفاته في نوفمبر من عام 1943م متأثّرا بجروح أصيب بها إثر تعرّضه لحادث سيّارة في باريس.
وفي العام 1980 تمّ افتتاح متحف يحمل اسمه ويضمّ معظم أعماله.

لوحات عالميـة – 297

2011-10-19T04:49:00.000-07:00

بورتـريه اليزابيـتا مارتيـنوفا (أو سيّدة بفستان ازرق)
للفنان الروسي كونستنـتين سومـوف، 1900

دخلت هذه اللوحة تاريخ الرسم الروسي باسم السيّدة ذات الفستان الأزرق وأصبحت احد أكثر الأعمال الفنّية الروسية نجاحا في نهاية القرن التاسع عشر. وقد رسمها الفنّان كي يجسّد من خلالها نظرته عن كلّ ما هو سامٍ وشاعري في الحياة اليومية.
كونستنتين سوموف يحتلّ مكانة بارزة في الرسم الروسي. وقد ظلّ طوال حياته يعكس عالمه الخاصّ في أعماله. وكان يضع شخصيّات لوحاته في أزمنة وأحياء سانت بطرسبيرغ القديمة.
عاش سوموف وعمل في زمن صعب ومليء بالتناقضات. في ذلك الوقت، كانت كثير من الأفكار الاجتماعية قد أصبحت متقادمة. وكانت هناك أفكار وقيم جديدة في طور التشكّل.
الرسّامون الروس آنذاك كانوا منجذبين إلى فكرة رسم لوحات تصوّر حالات من التأمّل الحزين. وكانت تلك الرسومات تعكس خيبة أمل الفنّانين والمثقّفين وقتها واستياءهم من الحياة البورجوازية وتكالب الأفراد على جمع الثروة بأيّ وسيلة. وكان هناك سبب آخر للحزن، وهو إحساس الفنّان والمثقّف بأن تحقيق السلام على مستوى الفرد والمجتمع أمر لا يمكن تحقيقه أو بلوغه. وإذن، لا حلّ سوى الهرب من العالم المادّي إلى عالم الأحلام والرؤى المثالية.
ومن الواضح أن سوموف، أيضا، لم يكن سعيدا بزمنه. كان من تلك النوعية من المبدعين الذين يفضّلون الانفصال عن واقعهم بسبب عدم رضاهم عنه أو انسجامهم معه، لكنهم لا يتبنّون مواقف ثورية لتغيير الواقع، بل ينصرفون بكليّتهم إلى الطبيعة فيغرقون في عالمها الساحر والأنيق.
ولهذا السبب قرّر سوموف أن يعود مائة سنة إلى الوراء وأن يعبّر عن أفكاره وتصورّاته الطوباوية في لوحات تستمدّ أجواءها وتفاصيلها من الماضي.
ومن اجل هذه الغاية عكف على دراسة الموسيقى والشعر والنثر والفنّ الذي كان سائدا في القرن الثامن عشر. ووجد في موسيقى غلوك وموزارت احد مصادر إلهامه.
والعديد من رسوماته تصوّر شوارع داكنة وسماوات مظلمة وقطع أثاث من الطراز القديم. ومع ذلك يمكن القول أن سوموف هو الأقرب إلينا اليوم من أي رسّام آخر ممّن عاصروه.
في هذه اللوحة يرسم سوموف اليزابيتا مارتينوفا زميلته في كلّية الفنون الجميلة. وقد رسمها وهي ترتدي فستانا ازرق قديما وتمسك بيدها كتابا، قد يكون رواية أو ديوان شعر، بينما تقف عند طرف حديقة غنّاء. ثم قرن الرسّام المشهد بصورة من عالم الموسيقى على هيئة عازفَين، رجل وامرأة، يظهران في الخلفية.
مارتينوفا تبدو وحيدة في هذه الحديقة. عيناها تنطقان بالحزن فيما الأشجار تحجبها عن بقيّة العالم. حركة يدها اليسرى المضمومة إلى صدرها توحي باليأس والضعف. الوقت مساءً كما يوحي بذلك منظر الغيوم الحمراء الخفيفة في السماء والسطح الداكن لماء البحيرة.
جوّ اللوحة يذكّر بمقاطع بعض الأفلام التي تصوّر أشخاصا يجلسون على المقاعد ويعزفون الموسيقى، لا لإثارة البهجة والمرح وإنما لتعميق الإحساس بالوحدة والحزن.
الرجل والمرأة اللذان يعرفان الموسيقى في الخلفية قد يكونان رمزين لروحي الرسّام وموديله اللذين يرتبطان في الأحلام لكنهما غريبان عن بعضهما في عالم الواقع.
لا تتوفّر سوى معلومات قليلة عن حياة هذه المرأة. لكن الثابت أنها ولدت عام 1868 لعائلة كان أفرادها يعملون في الطبّ. كانت عندما رسمها سوموف مريضة بالسلّ. ورغم مرضها، كانت تحبّ الرسم وتحلم بالشهرة والنجاح. وعندما تخرّجت من أكاديمية الفنون أصبحت من النساء الأوائل اللاتي اشتغلن بالرسم.
كانت اليزابيتا مارتينوفا تحلم بمستقبل عظيم. لكنّها توفّيت قبل أن تحقّق أيّا من أحلامها. ويرجّح أنها توفّيت بعد رسم اللوحة بخمس سنوات عن عمر لا يتجاوز الثلاثين عاما.
كلّ شيء تقريبا في هذه اللوحة هو تعبير عن الماضي: الفستان ذو اللون الأزرق الباهت، اللون الأصفر الخفيف الموظّف في اللوحة والمستمدّ من أساليب الرسّامين الكبار القدامى، وأشكال الأوراق الخضراء المأخوذة من الرسومات القديمة.
من الأشياء التي تلفت الانتباه في اللوحة بشكل خاص جمال وتناغم الألوان، والحركة المعبّرة لليدين المرسومتين بطريقة جميلة، والطريقة البارعة التي رسم بها الفنّان طيّات الفستان الثقيلة والمزيّنة بالدانتيل.
كان سوموف يعتقد أن الحياة ليست سوى مجرّد قناع للعدم. وكان يدرك بحزن عمق عزلته عن العالم من حوله. ولا بدّ وأنه كان يقدّر معاناة المرأة ويتعاطف معها. وقد استطاع أن يحوّل شعورها بالوحدة والمرض إلى نوع من الشعر.
ذات يوم، علمت اليزابيتا مارتينوفا أن سوموف يفكّر في بيع صورتها. فأرسلت إليه أن يأتيها. وعندما حضر أخبرته أنها لم تعد تنام بسبب اللوحة وما سبّبته لها من أفكار مشوّشة. ثم عاتبته على عزمه بيع اللوحة وقالت: لا يجب أن تبيع صورتي. لقد وقفت أمامك من أجلك ومن اجل الفنّ، وليس لكي تستكشف الحزن في عيني وفي حياتي. بإمكانك أن ترسمني ثانية، وأعدك بأن أحاول أن أبدو مبتسمة كي اقنع من يراني أنني انظر إلى الحياة بشكل مختلف. لا أريد هذه اللوحة، احتفظ بها لنفسك، احرقها، أو أعطني إيّاها إذا رغبت، أو امنحها للمتحف بلا مقابل".
وقد استجاب سوموف لطلب المرأة وعرض اللوحة على متحف تريتياكوف الذي اشتراها وبقي محتفظا بها إلى اليوم.
ولد كونستنتين سوموف في سانت بطرسبيرغ عام 1869م لعائلة من الرسّامين والموسيقيين. وكان منزل والده مزارا للعديد من الفنّانين والأدباء.
وقد درس الرسم على يد الفنّان الكبير ايليا ريبين. وفي العام 1897، غادر روسيا إلى باريس وقضى فيها عاما عاد بعده إلى سانت بطرسبيرغ. وبعد اندلاع الثورة الروسية، هاجر إلى الولايات المتحدة وأمضى فيها حوالي العام. لكن الاستقبال الفاتر الذي قوبل به هناك دفعه إلى الانتقال مرّة أخرى إلى فرنسا حيث عاش فيها السنوات العشر الأخيرة من حياته.
بعض لوحات سوموف الأخرى يصوّر فيها حفلات تنكّرية يظهر فيها سحرة ومهرّجون ورجال ونساء يرتدون الأقنعة، على نحو يذكّر بلوحات رسّام الروكوكو الفرنسي اونوريه فراغونار.
وإحدى أشهر لوحاته التي أنجزها في باريس كانت البورتريه الذي رسمه للموسيقي الروسي سيرغي رحمانينوف.

لوحات عالميـة – 296

2011-10-11T10:10:00.000-07:00

كَمَـان وشمعـدان
للفنان الفرنسي جـورج بْرَاك، 1910

ترى، لو لم يختر الرسّام عنوانا لهذه اللوحة ذات اللون الأحادي، هل سيكون من السهل بالنسبة للناظر أن يتعرّف على طبيعة الأشياء المرسومة فيها؟
قد يقول قائل انه بشيء من التركيز والتمعّن في تفاصيل اللوحة يمكن رؤية شيء اقرب ما يكون لشكل آلة الكمان في الجزء السفلي الأيسر منها. أما الشمعدان فالأرجح أن لا ترى سوى بعض أجزائه المفكّكة والمتناثرة في منتصف اللوحة.
بعض النقّاد يرى في هذه اللوحة تجسيدا للسمات الديناميكية والحيوية التي طبعت التكعيبية التحليلية. وهي أسلوب فنّي ثوري ابتدعه كلّ من جورج بْرَاك وبابلو بيكاسو لتصوير أشياء ذات بعد ثلاثي على قماش مسطّح، دون استخدام المنظور التقليدي الذي كان معمولا به منذ عصر النهضة.
وهذا الأسلوب في الرسم ينحو باتجاه تكسير الأشياء وتجزئتها وتسطيحها ومن ثمّ إعادة بنائها من نقاط متعدّدة.
كان بْرَاك يرى أن هذا النوع من التجزئة يسهم في تقريب الأشياء أكثر. وهذه اللوحة تختصر هاجس الفنّان بشكل الأشياء، ورغبته في أن يخلق وهما في ذهن الملتقّي كي يتنقّل بحرّية داخل اللوحة.
عندما تنظر إلى هذه اللوحة لأوّل وهلة، قد يُخيّل إليك أنها تتحرّك. بْرَاك كان يرى أن الآلات الموسيقية تحتفظ بأهمية اكبر من حيث أنها تتحرّك وتتفاعل بمجرّد أن يلمسها الإنسان. ومثل الإيقاع والتجانس اللذين يميّزان حياة الآلات الموسيقية، فإن الحركة الديناميكية للمكان هي جوهر غنائية لوحات بْرَاك التكعيبية.
وفي اختياره لموضوع الكمان والشمعدان، يخبرنا بْرَاك انه يرسم وفق تقليد مألوف يستمدّ أصوله من رسوم الحياة الساكنة الهولندية والفرنسية. وبناءً عليه، فإن ما نراه ليس تمثيلا وهميا لكمان وشمعدان، لأنه بالإمكان أن نرى في تفاصيل اللوحة بعض المؤشّرات أو العلامات الدالّة على وجودهما.
وفي تمثيله للآلة الموسيقية على وجه الخصوص، يُلاحظ أن الرسّام استخدم خطوطا تجريدية، لكنها واضحة بما يكفي ودونما حاجة للعنوان، لأن نفهم أنها تشير إلى جانبي جسم آلة الكمان. كأن الرسّام يجرّب إلى أيّ مدى يمكن للخطوط والأشكال التجريدية أن تمثل الأشياء وتقرّبها من ذهن المتلقّي.
ظهرت التكعيبية كأسلوب مميّز ومؤثّر من أساليب الفنون البصرية في باريس في الفترة ما بين عامي 1907 و 1914م. وكان هذا الأسلوب يمثّل ثورة وفي نفس الوقت قطيعة مع أساليب الرسم التقليدية المعروفة.
وهناك اتفاق بين مؤرّخي الفنّ على أن بابلو بيكاسو وجورج بْرَاك هما الأبوان المؤسّسان للتكعيبية. لكن كان هناك رسّامون آخرون دفعوا بالحركة قُدُماً، مثل فيرناند ليجيه وسونيا ديلوناي وخوان غْرِيس ومارسيل دُوشان.
الناقد الفنّي الفرنسي لوي فوسيل كان أوّل من استخدم مصطلح التكعيبية عام 1908 عندما رأى لوحة لـ بْرَاك ووصفها بأنها "مكعّبات غريبة". وسرعان ما انتشر المصطلح على نطاق واسع، رغم انه لم يرق كثيرا لـ بيكاسو وبْرَاك.
وفي ما بعد، وصف مؤرّخ آخر التكعيبية بأنها "المحاولة الأكثر تطرّفا للقضاء على الغموض وفرض قراءة واحدة للصورة".
وقد رفض الرسّامون التكعيبيون التمسّك بالمنظور. كما نحّوا جانبا القاعدة القديمة التي تقول إن الفنّ يجب أن يحاكي الحياة وفضّلوا عليها تمثيل الأشخاص والأشياء بطريقة مجزّأة.
بْرَاك كان دائما معجبا بالشكل والثبات. ولوحاته تختصر هدف التكعيبية الأساسي، وهو تمثيل العالم كما يُرى من وجهات نظر مختلفة ومن زوايا متعدّدة.
ولد جورج بْرَاك في ارجنتويل في مايو من عام 1882. وقد تعرّف منذ صغره على الألوان وأدوات الرسم في متجر والده. وفيما بعد تلقّى بعض الدروس في أكاديمية الفنون.
وعندما انتقل إلى باريس، عمل مع احد رسّامي الديكور واستمرّ في تلقي دروس خاصّة في الرسم. وفي عام 1907 قابل بابلو بيكاسو أثناء عمل الأخير على لوحته المشهورة آنسات أفينيون. ومنذ ذلك الحين ربطت الاثنين صداقة وثيقة. ويقال أنهما ابتكرا التكعيبية في الرسم عندما كانا يلاحظان عن قرب بعض لوحات بول سيزان.
وقد بدأ الاثنان رحلتهما مع التكعيبية باستخدام ألوان محايدة وأنماط هندسية معقّدة. ثم بدأ بْرَاك يوظّف الكولاج في أعماله باستخدام أشياء متنوّعة من الحياة اليومية مثل الصحف والحبال والورق والزجاج والنسيج وخلافه.
خدم جورج بْرَاك كجندي في الجيش الفرنسي أثناء الحرب العالمية الأولى. وعانى وقتها من إصابة بالغة في الرأس تلتها فترة نقاهة طويلة. ثم عاد إلى الرسم مرة أخرى عام 1917م. لكنه لم يلبث أن انفصل عن التكعيبية وأصبح يميل أكثر إلى التجريب في محاولة لاكتشاف أساليب فنّية جديدة.
وقد توفّي الرسّام في باريس في أغسطس من عام 1963 ودُفن في إحدى كنائس النورماندي. وأعماله موجودة اليوم في العديد من المتاحف العالمية المشهورة.

لوحات عالميـة - 295

2011-10-05T05:32:00.000-07:00

مارليـن الفيـروزيـة
للفنان الأمـريكي انـدي وارهــول، 1964

كانت مارلين مونرو "واسمها الأصلي نورما جين بيكر" قد أصبحت اسما مشهورا ومعروفا في عالم هوليوود في خمسينات القرن الماضي. غير أنها سرعان ما تحوّلت إلى أسطورة بعد أن أقدمت على الانتحار في أغسطس من عام 1962م.
الصورة التي كانت منطبعة في أذهان الكثيرين عن مونرو هي صورة امرأة شقراء ومثيرة. لكن بالنسبة لجمهورها ولوسائل الإعلام، بدا أن حياتها كانت سلسلة من المتاعب التي جرّتها عليها شهرتها وجمالها.
وبعد موتها، رسم لها اندي وارهول خمس لوحات اعتمادا على إحدى صورها الفوتوغرافية التي ظهرت بها في ملصق فيلمها المشهور "نياغارا". وفي جميع هذه اللوحات وظّف الرسّام نفس الصورة لكنّه استخدم لكلّ لوحة لوناً مختلفاً. وأطلق على كلّ واحدة اسما يوافق لونها الغالب، مثل مارلين الفضّية، ومارلين الذهبية، ومارلين الزهرية، ومارلين التركوازية أو الفيروزية، ومارلين الليمونية.
كان وارهول يدرك تأثير مارلين مونرو الكبير على هوليوود وعلى الثقافة الشعبية الأمريكية بشكل عام. لذا سعى جاهدا إلى التسامي بمكانتها من نجمة أو ممثّلة إلى أيقونة وإلهة لهوليوود. ومن خلال استنساخه صورة عادية يعرفها الملايين، أراد الرسّام تقويض صورة مونرو كرمز عام وتحويلها إلى منتج ثقافي وصورة تقبل الاستنساخ والتكرار إلى ما لا نهاية.
وجه مارلين مونرو في اللوحة يبدو ببشرة وردية وشفتين حمراوين وشعر أشقر على خلفية من اللون الفيروزي الداكن. لعبة الألوان غريبة هنا. اللون المكثّف في الخلفية يخلق جوّا عن عالم أو فضاء غير واقعي. شفتا المرأة وظلّ العين يبدوان غير متناسقين مع وجهها. الشعر لا يبدو طبيعيا بل اقرب لأن يكون شعرا مستعارا.
هل هذه إشارات ضمنية إلى أن ما نراه ليس هو الواقع أو أن الواقع يختلف عمّا نراه؟! من الواضح انه بسبب لوحات وارهول، ارتفعت مكانة مونرو وسطع نجمها أكثر. وقد كتب احد النقّاد ذات مرّة ملاحظة ذات مغزى عندما قال: ربّما كان وارهول يقدّس مارلين. لكنّه في لوحاته عنها يكشف عن صورتها العامّة باعتبارها ضربا من الوهم المشيّد بعناية".
ولد اندي وارهول في الولايات المتحدة عام 1928 لأبوين مهاجرين من ما يُعرف اليوم بـ سلوفاكيا. ولم يكن يتوفّر على أيّ نوع من التعليم. لكنّه كان فنّانا على طريقته الخاصّة. كانت أمّه تتابعه وتهتمّ به. وقد عاش إلى جوارها معظم حياته وكان يشاطرها حبّها الشديد للقطط.
وفي ما بعد درس في مدرسة الفنون الجميلة التابعة لمعهد كارنيغي. وتخرّج من المعهد وعمره عشرون عاما. ثم ذهب إلى نيويورك حيث عمل رسّاما في مجلات مثل فوغ وهاربرز بازار.
في لوحة مارلين الذهبية، يرسم وارهول الممثّلة على خلفية ذهبية، أي بنفس الطريقة التي كانت تُرسم بها العذراء في الأيقونات الدينية المسيحية. كأن الرسّام أراد أن يوحي بأن مونرو تحوّلت بعد موتها إلى مخلوق معبود ومقدّس. ولا بدّ وأنه كان يلاحظ إقبال النجوم الشباب على تمثّل نموذجها ومحاولة بلوغ نجاحها وملء الفراغ الذي تركته في عالم الفنّ.
في العام 1964، دخلت امرأة إلى محترف وارهول في مانهاتن والمسمّى "المصنع"، وصوّبت مسدّسا إلى رأسه. وأثناء محاولته تفادي الهجوم، طاشت رصاصة المسدّس لتخترق أربع لوحات من مجموعته عن مارلين مونرو كانت مكدّسة على أرضيّة الغرفة. ولم تكن "مارلين الفيروزية" من بين تلك اللوحات الأربع التي أصبحت تُسمّى "اللوحات المصوّبة". وقد تمّ إصلاح الضرر الذي لحق باللوحات وهي الآن بحالة جيّدة في إحدى المجموعات الفنية الخاصّة.
أسلوب اندي وارهول ولوحاته ذات الألوان الثقيلة والجامحة وطبيعة فهمه لوظيفة الفنّ كانت تشكّل تحدّيا للمشهد الفنّي المعاصر في ستّينات القرن الماضي. وقد اشتهر بعبارته المستفزّة التي تقول إن التجارة الجيّدة هي الفنّ الأفضل". وعندما رسم صور مارلين مونرو كان قد أصبح رمزا ثقافيا مهمّا. وقد اشتهر بتعليقاته وآرائه عن المجتمعات المعاصرة، خاصة الإعلام الجماهيري.
في العام 2007، اشترى لوحة "مارلين الفيروزية" جامع التحف الأمريكي ستيف كوهين بمبلغ ثمانين مليون دولار. وكانت لوحة أخرى لـ وارهول بعنوان "سيارة خضراء محترقة" قد بيعت قبل ذلك بمبلغ اثنين وسبعين مليون دولار.
والحقيقة انه ما من رسّام ارتبط اسمه بالفنّ الشعبي أو "البوب آرت" مثل وارهول. وهو أوّل رسّام تمكّن من إزالة الفوارق بين الفنون التشكيلية والفنون التجارية التي تُستخدم في الرسوم التوضيحية للمجلات والكتب الهزلية وألبومات الموسيقى والحملات الإعلانية والدعائية.
كان وارهول يستخفّ بوجهة النظر التقليدية حول ما يمكن أن يُعتبر مواضيع مناسبة في الفنّ. ولعلّ ابلغ ما يلخّص فلسفته الفنّية هو قوله: لو فكّر الإنسان مليّاً، فسيكتشف أن ثمّة أوجه شبه كبيرة بين مراكز التسوّق أو المحلات التجارية الكبيرة والمتاحف". كان وارهول ينتزع الصورة من سياقها ويجرّدها من المعنى، بحيث يسمح للمتلقّي بأن يعيد التفكير في رموزها ودلالاتها.
بعض النقّاد يأخذون على لوحاته طابعها الميكانيكي الذي لا يذكّر بالرسم. وبعضهم يسمّون فنّه "اللا فنّ". ومع ذلك أصبح وارهول أيقونة لعصره. كان شخصا موهوبا ومتعدّد الاهتمامات. فإلى جانب الرسم، عمل الفنّان في صناعة الأفلام والنشر وفي التصوير الفوتوغرافي. كما كان أيضا رجل أعمال ومعلّقا اجتماعيا بارزا.
في مطلع الستّينات أسّس وارهول محترفه الذي اسماه "المصنع"، وكرّسه لإنتاج كمّيات كبيرة من الطبعات والصور والبوسترات التي كان يرسمها. ثم أعلن انه لن يعتمد في الإنتاج على ما يصنعه بيده بل سيترك تلك المهمّة للآلات والمكائن، وبذا فجّر ثورة في الفنّ وأصبح عمله رائجا جدّا ومثيرا للجدل بنفس الوقت.
اللوحات التي رسمها وارهول لـ مارلين مونرو لم تقنع الكثيرين بأن هذه هي صورة النجمة فعلا. وهذا بدوره أفسح المجال للكثير من النظريات النفسية التي تحدّث بعضها عن قلق الخصي السيكولوجي عند الرسّام وفقدانه للقوّة الذكورية.
ومهما يكن من أمر، فإن ممّا لا يمكن نكرانه أن اندي وارهول كان احد الرسّامين الأكثر تميّزا ونفوذا في القرن العشرين. أثناء حياته، كان إنسانا متواضعا وخجولا. وكان مدمنا على العمل ليلا ونهارا على الرغم من مرضه. فقد كان يعاني من متلازمة أعراض سايدمان، وهو مرض يصيب الشخص في طفولته. ومن أعراضه قلّة انتظام الحركة والتعب الجسدي والمعاناة من آلام الروماتيزم المزمنة.
الجانب المظلم من اندي وارهول هو سلسلة لوحاته بعنوان "الموت والكارثة". وقد رسم تلك اللوحات في فترة عانى خلالها من بعض المآسي الشخصية، مثل حادث سيّارة نجا منه بأعجوبة ومحاولته الفاشلة الانتحار.
توفّي اندي وارهول في مدينة نيويورك في فبراير عام 1987م إثر إصابته بأزمة قلبية بعد أن عانى من مضاعفات عملية سبق وأن خضع لها في المثانة. وقد وُضع جثمانه في تابوت مطليّ بالذهب، ودُفن ببدلته الكشمير السوداء ونظّاراته الشمسية وباروكته الفضّية الشهيرة، بالإضافة إلى زجاجة من عطره المفضّل.

لوحات عالميـة - 294

2011-09-28T13:25:00.000-07:00

قيـلـولـة
للفنان الهولندي فنسنـت فــان غــوخ، 1890

رسم فان غوخ هذه اللوحة بعد أن اُدخل إحدى المصحّات النفسية في سان ريمي. وعلى الرغم من جوّ اللوحة الهادئ، إلا أنها تشعّ بذلك التوتّر الذي يطبع أعمال فان غوخ عادةّ.
واللوحة هي واحدة من ثلاثين لوحة اختار الفنّان أن يستنسخها عن رسّامين آخرين. كان فان غوخ وهو في المصحّة يتأمّل ماضيه فلا يجد فيه سوى القليل من السعادة. وكان يحاول جاهدا البحث عن مواضيع للرسم توفّر عليه مشقّة الخروج إلى الطبيعة في ذروة فصل الشتاء القارس.
وقد وجد أخيرا بعض السلوى في أعمال رسّاميه المفضّلين الذين قرّر أن يعيد رسم بعض لوحاتهم. وأكثر اللوحات التي رسمها كانت لـ جان فرانسوا ميليه الذي كان فان غوخ معجبا به ولطالما اعتبره فنّانا حديثا أكثر من مانيه.
في هذه اللوحة ينسج فان غوخ على منوال ميليه في إحدى لوحاته، فيرسم زوجين نائمين في احد الحقول وقت القيلولة. زوج الأحذية المخلوعة والمنجلان الموضوعان جنبا إلى جنب هي تذكير بوقت الراحة بعد يوم حافل بالجهد والتعب. تنظر إلى جوّ اللوحة فتتذكّر بيئة الفلاحين وما يرتبط بها من حرارة الشمس اللاهبة والعمل البدني المضني والإحساس بالإرهاق والتعب.
اللوحة تتضمّن أيضا مجموعة من الثنائيات: الزوجان "أي الرجل والمرأة"، الحذاءان، كومتا القشّ والمنجلان. المنظر هادئ إجمالا ويخلو من أيّ توتّر. والسماء الزرقاء تعمّق الإحساس بهذه الحالة من الصفاء والسكينة.
الرسّام وظّف هنا الألوان الزرقاء والبنفسجية والبرتقالية والصفراء. كما استخدم ضربات فرشاة فضفاضة في المقدّمة كي يكرّس المزاج المسترخي في هذه اللوحة الغنائية.
وعندما تتأمّل التفاصيل الهادئة في الصورة، لا يمكن أن يخطر ببالك أن من رسمها سيقدم على قتل نفسه بعد أشهر قليلة من إتمامها.
جان فرانسوا ميليه كان معروفا برسم مناظر الطبيعة التي تصوّر الريف الفرنسي في سبعينات القرن التاسع عشر. وخلافا لـ فان جوخ، حقّق ميليه نجاحا ملحوظا خلال مسيرته الفنّية. وكان محظوظا بما فيه الكفاية عندما رأى الناس والجمهور يعترفون بموهبته ويقدّرون أعماله وهو ما يزال على قيد الحياة.
خلفية جان فرانسوا ميليه الاجتماعية المتواضعة كان لها تأثير كبير على طبيعة مواضيعه. كان كثيرا ما يقول: لقد ولدت فلاحا وسأموت فلاحا". لكن بعد أن أصاب بعض النجاح تغيّرت أفكاره وأصبح يقدّر مزايا وايجابيات الحياة المرفّهة والمريحة. وقد أودع في لوحاته تعاطفه الكبير مع الفلاحين عندما صوّرهم وهم يجهدون في زراعة الأرض ورعايتها لتأمين لقمة عيشهم.
فان غوخ، هو الآخر، كان يحترم الطبقات الكادحة ويتعاطف معها. لوحاته التي رسمها في هولندا كانت تصوّر فلاحين ونسّاجين وغيرهم من فئات المجتمع البسيطة. وكان يبدو في أحسن حالاته عندما يشاركهم حياتهم وتجاربهم. كان، مثل ميليه، يراهم أناسا نبلاء حقّاً وعَكَس هذا الانطباع في رسوماته.
الجدير بالذكر أن فان جوخ درس أعمال ميليه في وقت مبكّر. وقد ساعدته دراسته تلك على معرفة أساليب التعامل مع الطلاء والألوان. ولا أدلّ على افتتانه بـ ميليه من قوله في إحدى رسائله إلى شقيقه ثيو: ميليه هو الأب والمرشد لجميع الرسّامين الشباب". غير أن تأثير ميليه عليه بدأ يتناقص عندما أصبح فان غوخ يخالط رموز مجتمع الفنّ الحديث في باريس مثل غوغان وبيسارو وتولوز لوتريك وغيرهم. لكن انجذابه للريف لم يتلاشَ تماما. فلوحاته عن المحاصيل والحقول المشمسة في آرل تبدو دافئة وذات حضور كبير.
اللوحات التي استنسخها فان غوخ لآخرين حرص فيها على أن لا يتمسّك بالتفاصيل، بل غيّر فيها وبدّل في محاولة لأن يترجمها من منظوره هو من خلال التكنيك والألوان.
وقد فعل نفس الشيء تقريبا وهو يرسم هذه اللوحة، على الرغم من انه بقي وفيّا للتوليف الأصلي وحافظ على تفاصيل الحياة الساكنة في المقدّمة.
في احدى رسائله، يخبر شقيقه عن أمر هذه الصور التي استنسخها قائلا: لقد بدأت في رسمها عن غير قصد. وأنا الآن ارتجل الألوان وأعيد تشكيل ما أراه. الشخص الذي يعزف موسيقى بيتهوفن يضيف إليها رؤيته وتفسيره وإحساسه الشخصي. وهذا ما افعله. لقد تعلّمت من هذه التجربة أشياء. كما أنها تمنحني بعض الراحة والسلوان. الفرشاة تتحرّك الآن بين أصابعي مثلما تتحرّك الريشة على آلة الكمان. وهذا مبعث سرور عظيم لي".
عمل فان غوخ في مستهلّ حياته واعظا بأحد الأديرة. ولما اتضحت موهبته في الرسم بدأ برسم الفقراء الذين كانوا يأتون إلى الدير لسماع خطبه.
وعلى الرغم من انه لم يبدأ الرسم إلا في آخر عشر سنوات من حياته، إلا أنه كان غزير الإنتاج وترك ما لا يقلّ عن سبعمائة لوحة، عدا عن مئات الرسومات والاسكتشات.
كان فان غوخ إنسانا يائسا وذا مزاج متقلّب وعنيف دفعه في النهاية لأن يقدم على الانتحار. ورغم انه توفّي وعمره لا يتجاوز السابعة والثلاثين، إلا انه أصبح بعد وفاته احد النجوم الكبار في سماء الفنّ الحديث.

لوحات عالميـة - 293

2011-09-24T01:01:00.000-07:00

بورتـريه ماريّـا لوبـوكينـا
للفنان الروسي فلاديميـر بوروفيكـوفسكـي، 1797

أثناء حكم القيصر بطرس الأكبر، عاش الفنّ الروسي مرحلة تغيير كبيرة. فقد انتقل الاهتمام من رسم اللوحات الدينية حصراً إلى رسم مواضيع وأشياء من العالم المنظور.
وكان الاهتمام برسم البورتريه احد اكبر انجازات الرسم الروسي في تلك الفترة، أي حوالي منتصف القرن الثامن عشر.
ومن أهمّ الرسّامين الذين ظهروا آنذاك كلّ من ديميتري ليفيتسكي وفيودور روكوتوف وايليا ريبين وكارل بريولوف وفالانتين سيروف وميخائيل فروبيل وفلاديمير بوروفيكوفسكي.
وكلّ هؤلاء، وغيرهم، ساهموا في ابتكار أساليب وتقنيات جديدة في الرسم لم يسبقهم إليها احد. وتميّزت أعمالهم عموما بالمزاج الشاعري وبالتركيز على إبراز جمال الملامح الإنسانية وتصوير الانفعالات والمشاعر العميقة.
فلاديمير بوروفيكوفسكي كان احد الرسّامين الأكثر تميّزا في تلك المرحلة. وقد ترك تراثا عظيما من الأعمال الفنّية. لكن هذا البورتريه لوحده كان كافيا لأن يخلّد اسمه في تاريخ الرسم الروسي إلى الأبد.
والبورتريه ليس فقط أشهر أعماله وإنما إحدى العلامات المهمّة في تاريخ الفنّ في روسيا.
كانت ماريّا لوبوكينا، واسمها الأصلي ماريّا ايفانوفنا تولستايا، احد أفراد عائلة تولستوي النبيلة التي ينحدر منها الروائي الكبير ليو تولستوي. ماريّا كانت الابنة الكبرى للكونت ايان تولستوي. وقد أنجب غيرها ابنتين وثلاثة أولاد. شقيقها، فيودور تولستوي، أصبح في ما بعد رحّالة مشهورا وطاف حول العالم في قارب. كما كان صديقا مقرّبا من الشاعر الكسندر بوشكين. ورغم ثراء وجاه العائلة، إلا أنها كانت تعيش في ذلك الوقت حياة فقر تقريباً بسبب خلافهم مع السلطة السياسية.
في العام 1797 تزوّجت ماريّا من ستيفان لوبوكينا الذي كان يعمل في بلاط القيصر بولس الأكبر. وقد كلّف زوجها الفنّان فلاديمير بوروفيكوفسكي برسم هذا البورتريه لـ ماريّا بمناسبة زواجهما.
وقد رسمها بفستان ابيض بسيط بينما تقف وسط طبيعة مفتوحة. افتتان الرسّام بالحياة الداخلية لشخصيّاته وبالمزاوجة بين الحقيقة والجمال واضح في هذه اللوحة. فالمرأة التي تقف في حالة تأمّل هي جزء من الطبيعة الريفية المثالية التي تتشكّل منها خلفية المنظر. وقرب المرأة من حياة الطبيعة يتناغم مع نعومة ونقاء الألوان وتناسق الخطوط، ما يضفي على المشهد سحرا إضافيا.
ولد فلاديمير بوروفيكوفسكي في اوكرانيا عام 1757م لأب من القوقاز.
واشتغل في بدايات حياته بالعسكرية. لكنه تقاعد منها مبكّرا وكرّس حياته للرسم. وفي البداية عمل رسّاما للأيقونات في الكنائس.
وكان مقدّرا لـ بوروفيكوفسكي أن يكتفي برسم الكنائس في بلدته، لولا أن وقع في حياته حادث مهمّ. فقد كان احد أصدقائه مقرّبا من الإمبراطورة كاثرينا الثانية. واقترح عليه صديقه أن يرسم للملكة لوحة رمزية تجمعها مع زوجها الإمبراطور بطرس الأوّل ملك روسيا. وقد راقت اللوحة للإمبراطورة، لدرجة أنها طلبت منه الانتقال إلى سانت بطرسبيرغ.
وفي السنوات العشر الأولى له في المدينة، عاش في منزل الشاعر والموسيقي الأمير نيكولاي لونوف الذي كان لأفكاره ونظريّاته في الفنّ اثر كبير على الرسّام.
ومثل روبنز، كان بوروفيكوفسكي يعتمد على مساعديه في رسم الأجزاء الأقلّ أهمّية في لوحاته. وخلال حياته، أتمّ رسم أكثر من خمسمائة لوحة بقي اليوم منها حوالي أربعمائة. وكان زبائنه في الغالب من أفراد عائلة الإمبراطور ومحظيّات البلاط والارستقراطيين وشخصيات أخرى مهمّة من أوساط الفنّ والأدب.
كانت ماريّا لوبوكينا عندما رسمها بوروفيكوفسكي في الثامنة عشرة من عمرها. وبعد ستّ سنوات من رسم البورتريه، أي في العام 1803، توفّيت متأثّرة بإصابتها بمرض السلّ.
بوروفيكوفسكي أصبح في ما بعد أستاذا بأكاديمية سانت بطرسبيرغ للفنون. وفي تلك الفترة، رسم إحدى لوحاته الأخرى المشهورة وهي بورتريه اولغا فيليبوفا التي كانت زوجة لأحد أصدقائه.
وفي ابريل 1825 توفّي الرسّام فجأة بأزمة قلبية ودُفن في مقبرة الكسندر نيفسكي في سانت بطرسبيرغ.

لوحات عالميـة - 292

2011-09-19T09:21:00.000-07:00

وليمـة بلشـاسـار
للفنان الهولندي رمبـرانــدت، 1635

"لا تعبدوا الأوثان. ولا تشركوا بالله شيئا". هذا هو الدرس الديني والأخلاقي الذي تقدّمه هذه اللوحة الجميلة والمعبّرة.
القصّة التي ترتكز عليها الصورة مختلَف عليها. فكتب التاريخ لا تكاد تأتي على ذكرها. وكلّ ما هنالك بضع إشارات وردت في سفر دانيال من كتاب العهد القديم.
حدثت هذه القصّة عام 538 قبل الميلاد. وتتحدّث عن الملك البابلي بلشاسار الذي خلف والده نبوخذ نصّر على كرسيّ الحكم.
بعد سنوات من جلوسه على العرش، أقام بلشاسار في إحدى الليالي مأدبة ضخمة في قصره دعا إليها ألفاً من أفراد حاشيته والأمراء والوجهاء بالإضافة إلى زوجاته ومحظيّاته.
مناسبة الوليمة غير معروفة على وجه التحديد. لكن يقال أن بلشاسار كان شخصا متكبّرا ومفتونا بملكه وهيلمانه. وقد اختار أن يقيم الوليمة في الوقت الذي كانت فيه قوّات داريوس ملك الفرس تُحكم حصارها على بابل تمهيدا لاقتحامها واحتلالها. كانت أسوار بابل وقتها محصّنة ومنيعة إلى درجة أن بلشاسار ظنّ انه يستحيل اختراقها.
في تلك الليلة أمر بلشاسار بإحضار كؤوس الذهب والفضّة من معبد أورشليم كي يقدّم فيها النبيذ إلى ضيوفه. هذه الأواني كانت مقدّسة بحسب الرواية. وكان ذلك الفعل كافيا لجلب غضب الربّ وسخطه على الملك المستهتر.
وتمضي القصّة فتقول انه بينما كان الملك وضيوفه منهمكين في الشراب والمجون، رأى الملك فجأة على ضوء مصباح يداً غريبة تخرج من الجدار وتكتب عليه كلمات مرمّزة بأحرف من اللغة الآرامية القديمة.
وهذه هي اللحظة التي اختار رمبراندت أن يرسمها في اللوحة. تأثير الصدمة واضح على وجه بلشاسار وهو يدير رأسه باتجاه اليد التي تكتب على الجدار. رقبته متوتّرة وعيناه مفجوعتان وهو ينظر إلى الكتابة المتوهّجة على الحائط، بينما يرفع يده اليسرى كأنما ليحمي نفسه من خطر داهم ووشيك.
هذه اللوحة تصلح لأن تكون نموذجا في دراسة التأثير السيكولوجي للصدمة. براعة رمبراندت في رسم ملابس الملك الباذخة والموشّاة بالذهب والفضّة وعمامته المثبّت فوقها تاج الحكم يجعل من هذه اللوحة إحدى أروع أعمال الرسّام.
ترتيبات الحياة الساكنة على المائدة من فواكه وأوانٍ تشبه ما كان يستخدمه الهولنديون الأثرياء في منازلهم زمن رمبراندت. كأن الرسّام يدعو الناظر إلى تخيّل فخامة القصر والتمعّن في سحر الكتابة المتوهّجة باللونين الذهبي والفضّي على حائط القصر.
المرأة الجالسة بالقرب من الملك تخفض جسدها اتقاء حركة ذراعه القويّة والمفاجئة. أيضا من التفاصيل اللافتة للانتباه في المشهد تعابير الصدمة والرعب المرتسمة على ملامح الرجل والمرأة الجالسين إلى يسار اللوحة. نظرات الحاضرين تدلّ على أن اليد ظهرت للملك وحده دون غيره. ولهذا السبب خاف وارتعب لأنه أدرك أن ما هو مكتوب يخصّه هو شخصيّا.
ارتبك بلشاسار جدّا وتملّكه الفزع وتغيّرت هيئته ممّا رأى. وسارع في طلب السحرة والمنجّمين كي يفسّروا له ما حدث.
وأشار عليه بعض خلصائه أن يستشير حكيما يُدعى دانيال عُرف ببراعته في تفسير الرؤى. وعندما حضر الحكيم عرض عليه بلشاسار أن يعطيه ما يشاء من مال وجاه إن هو نجح في قراءة وتفسير الكتابة الغامضة.
فقال له دانيال وكان رجلا صالحا وزاهدا في الدنيا: لتكن عطاياك لنفسك ولتمنح هباتك لغيري. أما الكتابة فهي نذير شرّ لك. لقد بالغت في تمجيد الأوثان وإهانة الربّ. لذا سينتهي ملكك سريعا وستُقسّم أراضي المملكة بين ميديا وفارس".
وفي تلك الليلة سقطت بابل دون قتال بخدعة نفّذها الفرس والميديون بتحويلهم مجرى النهر. وفي منتصف الليل فتحوا الأبواب بطريقة لم يتوقعها الحرّاس في الأبراج العالية وعبر الجيش الغازي إلى وسط المدينة وقُتل بلشاسار وعدد من رجاله.
ويبدو أن داريوس عرف بأمر المأدبة الضخمة وبأن الملك ورجاله وجنده غارقون في سكرهم وعربدتهم وأيقن أن تلك فرصته الذهبية لاقتحام المدينة واحتلالها. وكان له ما أراد.

لوحات عالميـة - 291

2011-09-14T10:04:00.000-07:00

بورتريه جيوفانا تورنابوني
للفنان الايطالي دومينـيكو غيرلانـدايو، 1490

يقول احد الكتّاب واصفا هذه اللوحة: لا توجد صورة أخرى على الأرض أجمل من هذه الصورة". قد يكون في هذا الكلام بعض المبالغة. لكن المؤكّد أن هذه اللوحة تُعتبر بشهادة العديد من نقّاد الفن إحدى التحف الفنّية الكبيرة التي أنتجها عصر النهضة الايطالي. كما أنها تعكس، بطريقة جميلة ومحكمة، التصوّرات والأفكار المثالية التي كانت سائدة في ايطاليا في الربع الأخير من القرن الخامس عشر.
واحد أسباب شهرة اللوحة هو أنها تحكي عن قصّة إنسانية مؤثّرة. المرأة اسمها جيوفانا تورنابوني. وهي سليلة عائلة نبيلة من فلورنسا. كان ترتيب جيوفانا الثامنة بين أشقائها. وقد تلقت تعليما يتناسب مع فتاة في مثل مكانتها الاجتماعية. كان أهمّ حادث في حياة جيوفانا تورنابوني هو زواجها من لورنزو تورنابوني الذي كان هو الآخر وريث عائلة متنفّذة تربطها صلة قرابة بأسرة ميتديتشي المشهورة. كان الزوج أيضا مصرفيا بارزا وراعيا للفنون، بالإضافة إلى تبوّئه منصب سفير فلورنسا لدى البلاط البابوي.
كان زواجهما أسطوريا. كان من البذخ والفخامة بحيث ظلّ الناس يتناقلون أخباره طوال المائة سنة التالية.
وبعد مرور عام على الزواج، رُزق الزوجان الشابّان بطفلهما الأوّل. وأثناء حمل الزوجة بطفلهما الثاني مرضت ثمّ توفّيت فجأة قبل أن تكمل عامها التاسع عشر.
وبعد عام على وفاتها، كلّف زوجها الفنّان دومينيكو غيرلاندايو برسم لوحة لها كي تُعلّق في قصر عائلة تورنابوني تخليدا لذكراها.
وقد طلب الزوج من الفنّان رسم صورة استثنائية تُبرز الملامح الجسدية للمرأة وتكشف عن جمالها الداخلي. وعمل الرسّام على اللوحة بتركيز شديد. وحرص على إبراز ثلاثة عناصر رئيسية في شخصية المرأة: جمالها، ودورها كزوجة، بالإضافة إلى ما كانت تتصف به من تديّن وتقوى. وهذه هي الأفكار الثلاث التي تجسّدها اللوحة.
بعد أن أتمّ غيرلاندايو رسم اللوحة، سرعان ما أصبحت صورة للمرأة المثالية. كما أصبحت نساء فلورنسا آنذاك يرين فيها النموذج النهائي لجمال المرأة. في ذلك الوقت، كانت السمات الأساسية للجمال الأنثوي المثالي هي الشعر الأشقر والعنق الطويل والعينان الواسعتان والصدر العريض. وكلّ هذه المواصفات مأخوذة من العصور القديمة. كما أنها متوفّرة في صورة جيوفانا تورنابوني.
غيرلاندايو اختار أن يرسم المرأة جانبيا كي يوفّر مساحة تسمح بإظهار الأشياء التي ترتبط بشخصيتها. كما اتبع الأسلوب الكلاسيكي الذي يصوّر أعضاء الجسد بطريقة مثالية ويُظهِر ملامح الوجه خالية من أيّ تعبيرات أو انفعالات.
في اللوحة تبدو المرأة واقفة بوقار أمام خلفية سوداء بينما تضع يدا فوق الأخرى. القلادة المصنوعة من الجواهر النفيسة والفستان المطرّز بالذهب والحرير يكشفان عن مستوى عال من البذخ. المجوهرات التي ترتديها تشير إلى مناسبة زواجهما. والإطار ذو الشكل المعماري البسيط الذي يقع خلفها هو المكان الذي يضمّ أشياءها ومتعلّقاتها الشخصية. من هذه الأشياء كتاب للصلاة ومسبحة ذات خرز احمر يرمزان إلى تديّنها. وهناك أيضا ورقة مكتوب عليها جزء من قصيدة لشاعر روماني قديم، في إشارة إلى الروح الجميلة للمرأة المتوفّاة.
مما يثير الاهتمام أيضا في هذا البورتريه طريقة الرسّام البارعة في تمثيل الأطراف وخصلات الشعر الذهبية. وهناك أيضا نموذج وجه المرأة الذي يخطف الأنفاس بجماله ودقّة ملامحه. لكنه جمال متحفّظ كما تعبّر عنه طريقة الوقوف الرسمية.
كانت البورتريهات التي تصوّر نساءً لوحدهن شيئا نادرا حتى منتصف القرن الخامس عشر. كانت المرأة تُرسم غالبا مع شريك رجل. وقد جرت العادة أن يُرسم الحكّام والنبلاء مع زوجاتهن في صورة واحدة. لكن هذا العرف سرعان ما تغيّر. وازدادت شعبية البورتريهات التي تصوّر نساء بدون معيّة الرجال.
في بعض الأوقات ثار جدل حول ما إذا كان هذا البورتريه قد رُسم أثناء حياة جيوفانا تورنابوني أو بعد وفاتها. غير أن هناك شبه إجماع على أن ملامح المرأة تتوافق إلى حدّ كبير مع الأوصاف المذكورة في عدد من المصادر من تلك الفترة. وهناك من قال إن الرسّام ركّز على تصوير المظهر الجسماني للشخصية أكثر من تركيزه على فضائلها الداخلية.
وبالإمكان القول أن اللوحة تكشف أيضا عن طبيعة الحياة في فلورنسا كمدينة متطوّرة ومزدهرة وعن علاقاتها الاجتماعية والتجارية والعائلية ومعتقداتها الدينية.
تصوير الأشخاص جانبيا ظهر أوّل ما ظهر في بدايات عصر النهضة. وهو مستمدّ من التقليد الكلاسيكي في رسم الأشخاص على ميداليات ذهبية أو معدنية. هذا التقليد كان يعكس افتتان الناس بالماضي الكلاسيكي عندما كان القياصرة يصورّون أنفسهم على العملات الرومانية القديمة في وضع جانبي. ثم انسحب هذا الأسلوب على النساء المتزوّجات حديثا على اعتبار انه يُتوقع من المرأة أن تحفظ شرف عائلة الزوج بسلوكها الرزين ومظهرها المحتشم. لكن أسلوب التصوير الجانبي اختفى مع نهاية القرن الخامس عشر باستثناء حالات قليلة.
عندما أكمل الفنان رسم هذه اللوحة وُضعت داخل إطار مذهّب ثم نُقلت إلى قصر تورنابوني واختير لها غرفة طُلي سقفها بالذهب قريبا من غرفة الزوج. وما تزال اللوحة بحالة ممتازة على الرغم من مرور أكثر من خمسمائة عام على رسمها.
كان دومينيكو غيرلاندايو معروفا جيّدا في عصره. وكثيرا ما كان يدمج الصور التي يرسمها بمشاهد دينية. ولهذا السبب كان يتمتّع بشعبية كبيرة بين أثرياء فلورنسا الذين كانوا يحرصون على الاستعانة به في رسم صور لهم ولأفراد عائلاتهم. كما كان الفنّان بارعا أيضا في أعمال الديكور. وقد أقام محترفه في توسكاني. لكنه كثيرا ما كان يُستدعى إلى روما ليرسم الديكور الداخلي للكنائس والأديرة. وتضمّ لوحاته الدينية رسومات للعذراء ويوحّنا المعمدان. وتتميّز أعماله بمعمارها المعقّد وبكثرة الأشخاص فيها. وكان من عادته أن يولي أهميّة للعناصر الثانوية في لوحاته. وبعض أعماله موجودة اليوم في عدد من متاحف باريس ومدريد.

لوحات عالميـة - 290

2011-09-07T03:18:00.000-07:00

الساروف ذو الأجنحة الستّة
للفنان الروسي ميخائيـل فروبيـل، 1904

هذه حكاية رسّام ظلّ يرسم الملائكة والشياطين طوال حياته. لكنه كان مفتونا أكثر برسم صور الشيطان. وقد صوّره في حالات وأوضاع مختلفة، جالسا وواقفا ومستلقيا على الأرض.. إلى آخره. وفي النهاية وقع هذا الرسّام ضحيّة هواجسه الشيطانية المؤرّقة.
كان أوّل لقاء لـ ميخائيل فروبيل مع الشيطان في إحدى كنائس مدينة كييف الاوكرانية. كان الفنّان وقتها ما يزال في مقتبل العمر. وقد انتُدب، مع آخرين، لمهمّة تزيين سقف الكنيسة بصور لملائكة وشياطين ممّن ورد ذكرهم في النصوص الدينية.
واستعدّ فروبيل لتلك المهمّة بقراءة الكثير من القصص والروايات الدينية القديمة كي يستنبط منها الأوصاف المناسبة التي تعينه على رسم الموضوع.
فروبيل غير معروف كثيرا خارج روسيا. لكن الروس يحترمونه كثيرا ويعجبون برمزيته ويعتبرونه من آباء الفنّ الحديث في روسيا، بل وأحد رموزهم الثقافية العظيمة.
ولا شكّ في أن اكبر انجازاته هو سلسلة لوحات الشيطان التي بدأ في رسمها وهو في سنّ مبكّرة.
من أشهر لوحات تلك السلسلة هذه اللوحة التي استمدّ الرسّام موضوعها من قصيدة للشاعر الكسندر بوشكين. والقصيدة تحكي عن قصّة شاعر يمشي في الصحراء. وهناك يلتقي ساروفاً "وهو نوع من الملائكة" على هيئة أنثى بستّة أجنحة. ويقوم الملاك بالمسح على عيني الشاعر وأذنيه وفمه كي يفتح له غموض العالم ويُطلعه على كلّ ما هو خافٍ عن أعين البشر. ثم لا يلبث الملاك أن يستلّ قلب الشاعر من مكانه ويستبدله بجمرة محترقة. وبعدها يسمع الشاعر صوت الله الذي يأمره بأن ينطلق في الآفاق ليشعل أرواح البشر بالكلمات.
في اللوحة يرسم فروبيل الملاك بملامح أنثى تمسك بيدها اليمنى سيفا وبالأخرى قنديلا ملوّنا. وعندما تنظر إلى اللوحة لأوّل مرّة، سرعان ما تتخيّل عالما مشيّدا من الحجارة الثمينة الملوّنة أو من قطع الألماس المكسورة وسط هالة من الغموض.
ضربات الفرشاة تخلق خطوطا وأشكالا متكسّرة تعطي انطباعا عن صورة شبحية. النسيج وخطّة الألوان في اللوحة تشيان باهتمام فروبيل بالفنون الشرقية، وخاصّة السجّاد الفارسي. وهو يستخدم أشكالا مألوفة ويخلق منها صورا غير متوقّعة. وفي النهاية يظهر عالم متغيّر ومختلف تماما، بحيث يتحوّل الواقع إلى فانتازيا.
ولد ميخائيل فروبيل عام 1856 في اومسك بـ سيبيريا. في ما بعد، درس القانون في جامعة سانت بيترسبيرغ. وأثناء دراسته، كان يتلقّى دروسا في الرسم. ثم سجّل في أكاديمية الفنون التي قضى فيها أربع سنوات.
في مرحلة تالية، انتقل الرسّام إلى موسكو حيث حظي برعاية احد الأثرياء الذي روّج لاسمه وعرّفه على بعض العائلات النبيلة والموسرة. ثم تزوّج الرسّام من إحدى مغنّيات الأوبرا وعمل معها في مجال تصميم أزياء وديكور المسرحيات.
في لوحة أخرى من لوحات هذه السلسلة بعنوان "الشيطان جالساً"، يرسم فروبيل الشيطان من وحي قصيدة للشاعر ميخائيل ليرمونتوف. القصيدة تصوّر الشيطان كملاك سقط من عليائه. وعندما يهبط إلى الأرض يقع في هوى امرأة جميلة، لكنها مرتبطة برجل آخر. فيقوم الشيطان بقتل غريمه ويتعقّب محبوبته. وعندما يتودّد إليها تموت في أحضانه. ثم تصعد روحها إلى السماء في أحضان ملاك، بينما يُترك الشيطان لوحده على الأرض.
فروبيل رسم شيطان ليرمونتوف جالسا، متأمّلا وحزينا، على تلّة مرتفعة وقت الغروب. الشيطان يبدو هنا وكأنه ملّ من أفعال الشرّ. ومع ذلك، ما يزال الخير شيئا غريبا بالنسبة له. جسده القويّ والمعافى يبدو كبيرا بالنسبة لمساحة اللوحة. وهو يظهر بوجه وسيم وملامح تنطق بالأسى، بينما يشبك يديه ببعضهما.
شياطين فروبيل هي مزيج من المفارقات والمتناقضات: الجمال، القوّة، اليأس والتوق. كما أنها محاطة دائما بعالم رائع وجميل وبارد. وهي قد تكون رمزا لهذا العصر، حيث لا ليل ولا نهار، لا ظلمة ولا نور.
فكرة الشيطان كانت رائجة كثيرا في أدب وفنّ الرمزيين. كانوا ينظرون إلى الشيطان باعتباره قوّة وسيطة بين العالم الطبيعي والميتافيزيقي. وهو عندهم روح عظيمة وقويّة. كما انه ابديّ وخالد وليس له نظير أو شبيه. ومأساة الشيطان هي، بمعنى ما، مأساة الإنسان نفسه الذي يحتجّ على انهيار أوهامه الرومانسية وأحلامه الطوباوية.
ابتداءَ من العام 1906، تدهورت حالة فروبيل الصحّية وبدأ يعاني من بوادر انهيار عقلي حادّ. كان قد أصبح مهجوسا على ما يبدو بشياطينه الخاصّين، فاُدخِل إلى إحدى المصحّات النفسية. لكنه كان ما يزال قادرا على أن يرسم المزيد من اللوحات عن موضوعه المفضّل.
وقبيل وفاته، رسم آخر صوره له عن الشيطان بعنوان "الشيطان مُنهَكاً". في هذه اللوحة لا يظهر من الشيطان سوى رأسه وهو يطلّ من قمّة جبل بشعر أشعث ووجه كالح ونظرات ناريّة. أجنحته متكسّرة وعيناه تحترقان بالثورة وروحه واهنة. ملامح هذا الشيطان مليئة بعذاب لا يوصف ولا يمكن تحمّله. وقد وصف النقاد اللوحة بأنها تعبير عن روح الرسّام المتشكّكة والمتمرّدة وعن تعطّشه للحرّية وللمعرفة.
بعد أن أتم فروبيل رسم لوحته الأخيرة، ازدادت عليه وطأة المرض فكُفّ بصره وضَعُفت صلته بالواقع.
وبعد أشهر قليلة، أي في ابريل من عام 1910م، توفّي عن عمر يناهز الرابعة والخمسين.

لوحات عالميـة - 289

2011-09-02T09:32:00.000-07:00

الكيمـونـو البرتقـالي
للفنّان الايطالي جيوسيـبي دي نيتـيس، 1867

لا يُعرف عن هذا الرسّام الايطالي سوى النزر اليسير. لكنّ الشيء المؤكّد انه كان يحبّ باريس كثيرا. كما كان حريصا على أن لا يصوّر سوى اللحظات السعيدة والعابرة.
كان جيوسيبي دي نيتيس أهم رسّام ايطالي عاش في فرنسا في النصف الثاني من القرن التاسع عشر. كان معاصرا لـ جيوفاني بولديني وصديقا لكلّ من كابييوت ومانيه وديغا.
وقد اشتهر بتصويره لمظاهر الحياة الحديثة في باريس في ذلك الوقت. كما عُرف عنه اهتمامه بالأناقة وبالموضة.
لوحته هنا تذكّر برسومات ديلاكروا عن الشرق من حيث ثراء الألوان ووضوح الخطوط. المرأة في اللوحة تجلس في وضع اتكاء وتعطي ظهرها للناظر وتنظر إلى الوراء كما لو كانت بانتظار شخص ما.
والجزء الأهم في اللوحة هو اللباس الذي ترتديه، وهو عبارة عن كيمونو ياباني بألوان برتقالية ساطعة ونقوش جميلة تثير إحساسا بالدفء وبالأنوثة.
المرأة الظاهرة في الصورة هي ليونتين غروفيل، زوجة الرسّام وملهمته. وقد رسمها في العديد من لوحاته، أحيانا لوحدها وأحيانا بمعيّة ابنهما.
كان دي نيتيس شغوفا بالرسم الياباني. وكان يشاركه هذا الشغف كلّ من مانيه وديغا. والكثير من لوحاته لا تخلو من عنصر من الفنّ الياباني كالمراوح والنقوش والأزهار البيضاء والمطر والثلج وخلافه. وقد نقل هذا الافتتان بالرسم الياباني إلى منزله الذي حرص على تزيينه بنقوش وتصاوير ذات ألوان دافئة مستمدّة من فنون اليابان.
دي نيتيس كان يمزج في أعماله بين الواقعية والانطباعية والرسم الياباني. هذا المزج بين مدارس مختلفة ربّما يشير إلى أنه لم يتمكّن من العثور على أسلوبه الخاصّ في الرسم.
ولد جيوسيبي دي نيتيس في برشلونة عام 1846 لعائلة ثريّة من مُلاك الأراضي. وفي ما بعد درس الرسم في أكاديمية الفنون في نابولي وتعلّم على يد الرسّام جيوفاني كالو.
وفي كلّ أعماله، كان دي نيتيس يسعى إلى تحرير رسم الطبيعة من أيّ ارتباطات تاريخية أو أدبية. كما كان ينفر من التعليم الرسمي، خاصّة بعد أن اكتشف حرية الرسم من الطبيعة مباشرة.
في مرحلة تالية انتقل الفنّان إلى باريس. وفيها ربطته صداقة قويّة مع إدغار ديغا الذي كان معروفا بقربه من الرسّامين الايطاليين الذين كانوا يعيشون في باريس في ذلك الوقت.
وفي ما بعد تعرّف إلى الناقد والكاتب إدمون دو غونكور الذي ارتبط اسمه بالجائزة الأدبية المشهورة. وقد قدّمه غونكور إلى الأميرة ماتيلدا بونابرت وهي امرأة ارستقراطية عُرفت بكونها موسيقية ورسّامة. وفي العام 1883 رسم دي نيتيس ماتيلدا في صالونها بصحبة عدد من ضيوفها. وسجّل في هذه اللوحة بعض سمات الموضة التي كانت شائعة آنذاك.
الحياة الباريسية بحفلاتها وصخبها كانت احد مواضيع الرسّام المفضّلة. ويمكن القول إن الكثير من لوحاته تُعتبر تسجيلا صوريا لتاريخ الموضة واللباس في عصره.
في باريس، أصبح منزل دي نيتيس ملتقى الفنّانين والأدباء ونخبة المجتمع الباريسي، بالإضافة إلى المغتربين الايطاليين في فرنسا.
وقد زار الرسّام لندن مرارا ورسم فيها عدّة لوحات انطباعية تذكّر بطبيعة تيرنر. كما تعرّف هناك على الرسّام جيمس تيسو.
كان دي نيتيس فنّانا حديثا يقدّر الحياة في الحواضر ويحترم الثقافات الأجنبية والغريبة. كما كان أيضا رسّام طبيعة موهوبا. وقد نقل إلى مناظره أضواء بلده ايطاليا وضباب لندن وأجواء باريس النديّة.
صوره المدهشة لضفّتي السين والجسور التي تعلو النهر تشي بحبّه للبحر والسماء الواسعة والأفق الذي لا تحدّه حدود وبمعرفته الواسعة بطبيعة الألوان وأسرارها الكامنة.
في آخر لوحاته التي أنجزها قبيل وفاته، يرسم دي نيتيس زوجته وابنهما الوحيد وهما يتناولان العشاء في حديقة منزلهم في باريس. المشهد الذي تصوّره اللوحة يغمره الضوء ويثير شعورا بالألفة والسكينة. غير أن الفنّان اختار أن يرسم مقعدا ثالثا بجانب المائدة تركه فارغا، كما لو انه تذكير بشخص غائب.
والغريب أن الرسّام توفّي بعد ذلك بأشهر قليلة بعد إصابته بنوبة قلبية مفاجئة عن عمر لا يتجاوز الثامنة والثلاثين.
كان جيوسيبي دي نيتيس فنّانا محبّا للجمال والأناقة والأضواء. كان يرسم برقّة بالغة. ويمكن القول أن في لوحاته شيئا من قوّة تيرنر ورقّة مونيه وجمال كورو ودقّة مانيه.
كان من عادته أن يوزّع وقته بين باريس ونابولي ولندن. لكن ممّا لا شكّ فيه أن باريس هي التي صنعت مجده وشهرته مثل كثير من الفنّانين.

لوحات عالميـة - 288

2011-09-01T00:57:00.000-07:00

الأصدقاء الثلاثة
للفنّان الصيني دون هونـغ واي، 1989

لأوّل وهلة، قد يظنّ الناظر إلى هذه الصورة أنها لوحة مرسومة بالألوان المائية. لكنّها في الواقع صورة فوتوغرافية. وما يجعلها فريدة من نوعها هو الأسلوب التقني المبتكر الذي اتبعه المصوّر في معالجتها.
هذه الصورة وغيرها من صور دون هونغ واي منتشرة على نطاق واسع في الكثير من المواقع على الانترنت لدرجة انه يمكن اعتبارها ظاهرة. ومن الواضح أن المصوّر يحاكي في لقطاته الأسلوب التقليدي الصيني في رسم اللوحات التي تصوّر مناظر طبيعية. كما أنه وظّف فيها بعض الموتيفات التي تظهر عادة في الرسم الكلاسيكي الصيني مثل طيور الماء وأشجار الصنوبر والجسور والأنهار والبحيرات والجبال التي يغطّيها الضباب.
من المعروف أن الرسم الكلاسيكي الصيني يحتفي بالطبيعة وعناصرها إلى درجة التقديس. لذا نرى تلك الرسومات مليئة بصور القوارب والجبال والأنهار والغرانيق والنوارس والنمور والجياد البرّية والنسور وأزهار اللوتس وأشجار الخوخ والصنوبر.
وما يجعل صور واي خاصّة ومتفرّدة هو التكنيك الذي يوظّفه في إخراجها. فهو يستخدم أكثر من صورة سالبة "نيغاتيف" ويعمل على كلّ واحدة على حدة. وفي النهاية يقوم بدمجها معا بطريقة تنتج صورة مونوكروميّة "أي ذات لون واحد"، لكنها جميلة ومعبّرة وتستثير الذكريات والمشاعر.
دون واي سبق له وأن درس على يد المصوّر الصيني الأشهر شِن صن لونغ الذي توفّي في تسعينات القرن الماضي عن عمر ناهز المائة عام. تلك التجربة أفادته كثيرا وفتحت أمامه آفاقا جديدة في معرفة أسرار وخبايا الإبداع في التصوير الضوئي.
في هذه الصورة يلتقط المصوّر مشهدا هادئا من الريف الصيني هو عبارة عن بحيرة يقوم على احد أطرافها جسر خشبي ويسبح في مياهها ثلاثة من طيور الماء تبدو منشغلة في التقاط الأسماك الصغيرة.
منظر التلال التي يغطّيها الضباب في الخلفية، بالإضافة إلى خلوّ هذه الصورة من أيّ حضور للإنسان، يذكّرنا مرّة أخرى باللوحات الصينية القديمة. وبعض تلك اللوحات هي عبارة عن مناظر بانورامية لطبيعة تظهر فيها سهول فسيحة وبحيرات واسعة وغيوم كثيفة وجبال ضبابية تحجب وجود الإنسان أو تختزله إلى مجرّد نقطة شبحية وضائعة وسط الحضور المهيب والطاغي للطبيعة.
في هذه الصورة تمكّن الفنّان من التقاط منظر شاعري عن عالم قائم بذاته، لكن بأقلّ قدر من التفاصيل. والمنظر يوصل إحساسا انطباعيا بالجوّ، كما أنه يوحي بمرور الزمن دون أن يكون عن زمن محدّد بالضرورة.
ولد دونغ هونغ واي في غوانتزو بالصين عام 1929م. كان الابن الأصغر لعائلة فقيرة تضمّ خمسة وعشرين طفلا. وبعد موت والديه، سافر ليعمل في سايغون بـ فيتنام. هناك عمل في احد استديوهات التصوير وتعلّم التقنيات الأساسية للتصوير الفوتوغرافي. ثم درس الفنّ في جامعة فيتنام وأصبح بعد تخرّجه مدرسّا للفنّ فيها.
وأثناء إقامته في سايغون، عمل فترة مع المصوّر الفيتنامي المشهور نك اوت الذي نال جائزة البوليتزر عام 1972 عن لقطته الايقونية التي صوّر فيها أطفالا يهربون من جحيم قنابل النابالم التي استهدفت إحدى القرى الفيتنامية.
في ما بعد، اضطرّ دون واي إلى مغادرة فيتنام مع ظهور بوادر النزاع الذي نشب وقتها بين كلّ من فيتنام والصين. كانت فيتنام قد اتخذت إجراءات مشدّدة للتضييق على الجالية الصينية التي تعيش في البلاد. وقد وجد دون واي نفسه واحدا من ملايين الصينيين الذين أصبحوا يُعرفون بسكّان القوارب ممّن اضطرّوا للهرب من فيتنام في أواخر سبعينات القرن الماضي.
فنّانو الطبيعة الصينيون عُرف عنهم منذ القدم تقديسهم للطبيعة كجزء من التراث والحضارة الصينية. وقد اجتهد الفنانون الصينيون منذ القدم على أن لا تكون أعمالهم مجرّد تسجيل للطبيعة، بل سعوا من خلال تلك الأعمال لأن يتوحّدوا معها ويسبروا أغوارها.
كانت الطاوية مثلا تعتقد أن على الإنسان أن يفهم الطبيعة ويصادقها، لا أن يغزوها ويدنّسها ويبدّد مواردها. وكونفوشيوس كان يرى أن تحقيق التناغم مع العالم مشروط بأن يتعايش الإنسان مع الطبيعة بسلام وانسجام وأن يفهمها وأن يبحث عن المعرفة من خلالها. ومما يُؤثر عنه أيضا قوله أن الإنسان الحكيم يجد متعته في الماء والرجل التقي يجدها في الجبال.
كان الفنّان الصيني القديم يلاحظ سلوك الحيوانات والطيور ويتفاعل مع الأزهار والنباتات ويراقب تغيّر الطبيعة مع تغيّر الفصول. ولم يكن يرسم إلا بعد أن يكون قد تماهى مع كلّ هذه العناصر واستوعبها جيّدا. لذا ليس من المستغرب أن تتضمّن الرسوم الكلاسيكية الصينية بعدا روحيا بالإضافة إلى خصائصها الشعرية والزخرفية.
في هذه الصورة، كما في بقيّة صوره الأخرى، لم ينس دونغ واي أن يضمّنها كتابة بالأحرف الصينية التي تتميّز بجمالياتها الزخرفية. وفي هذا مضاهاة مع احد التقاليد الصينية القديمة في مزج ثلاثة أشكال مختلفة من الفنّ، هي الشعر والخط والرسم، على نفس رقعة الورق. وكان هناك اعتقاد بأن هذا المزج يسمح للفنان أن يعبّر عن نفسه بطريقة أكثر وضوحا وعمقا.
غادر دون واي فيتنام على متن قارب صغير. وانتهى به المطاف في سان فرانسيسكو بالولايات المتحدة التي عاش فيها السنوات العشر الأخيرة من حياته.
وفي أمريكا بدأ اسمه يذيع ويشتهر. وسرعان ما اعتُرف بموهبته ونالت صوره عددا من الجوائز العالمية. كما وجدت طريقها إلى بعض أشهر الغاليريهات والمتاحف والمجموعات الفنّية الخاصّة داخل الولايات المتحدة وخارجها.
دون واي استطاع من خلال صوره الرومانسية الداكنة والأحادية الألوان أن يحتفظ لنفسه بمكانة بارزة في مجتمع التصوير الفوتوغرافي العالمي. وقد ظلّ محافظا على روح الفنّ الصيني في أعماله حتى وفاته عام 2004 في سان فرانسيسكو عن عمر ناهز الرابعة والسبعين بعد جراحة فاشلة في القلب.
وبعد وفاته، تمّ إحراق رفاته ولم تُقم له جنازة تذكارية بناءً على طلبه.

لوحات عالميـة - 287

2011-08-29T19:25:00.001-07:00

تمثـال بـوليـن بونـابـرت
للفنّان الايطالي انتونيو كانوفا، 1808

يُعرف هذا التمثال أحيانا بـ فينوس المنتصرة. وهو يصوّر بولين شقيقة نابليون بونابرت وهي تتمدّد نصف عارية على أريكة. والتمثال هو احد أشهر أعمال انتونيو كانوفا. وهو يجسّد التقاليد الفنّية الرومانية القديمة في تصوير الأشخاص على هيئة آلهة. كما انه يُعتبر نقطة تحوّل في مفهوم الجمال النيوكلاسيكي.
وقد كلّف كانوفا بنحته زوج بولين الأمير الايطالي كاميللو بورغيزي في مستهلّ القرن التاسع عشر. ونُفّذ التمثال في روما واستغرق العمل عليه ثلاث سنوات.
في البداية، خَيّر كانوفا بولين بين أن تأخذ في التمثال هيئة دايانا إلهة الصيد، أو مينيرفا إلهة الذكاء، أو فينوس إلهة الحبّ. فاختارت الأخيرة.
وتظهر في التمثال وهي نصف عارية ومستلقية على أريكة، بينما تمسك في يدها اليسرى بتفّاحة. وفي هذه الجزئية استحضار لصورة افرودايت أو فينوس المنتصرة في أسطورة حكم باريس. والتفّاحة تذكير بأن باريس بطل طروادة الشابّ اختار في النهاية، طبقا للأسطورة، أن يهدي التفّاحة الذهبية إلى فينوس باعتبارها أجمل امرأة على الأرض مفضّلا إيّاها على كلّ من أثينا و هيرا. وقد كأفاته فينوس على اختياره بأن سمحت له بإغراء هيلين أميرة طروادة، مع ما نتج عن ذلك في ما بعد من حرب طويلة ودامية.
لذا ليس من الصعب أن نرى في هذا التمثال تعبيرا قويّا عن ثقة هذه المرأة، أي بولين بونابرت، بجمالها وسطوتها.
كانوفا نفسه كان مفتونا بشخصية فينوس، على الرغم من أن مجموعته الكاملة من الأعمال النحتية تتضمّن تصويرا لعدد من الشخصيات الإغريقية الأسطورية الأخرى.
في ذلك الوقت، كانت التماثيل العارية شيئا غير مألوف. وكان الأشخاص من ذوي المكانة الاجتماعية العالية يفضّلون الظهور في تماثيل مغطّاة بالقماش.
لكن يبدو أن بولين لم تأبه كثيرا بالضرر الذي قد يلحق بسمعتها جرّاء تصويرها نصف عارية. ولا يُعرف على وجه التأكيد ما إذا كانت جلست أمام كانوفا عارية من اجل التمثال. لكن من الواضح أن الرأس تمّ نحته بطريقة واقعية إلى حدّ ما. أما بقيّة الجسد فيُرجّح انه نُحت بحيث يضاهي شكل الأنثى المثالي كما يظهر عادة في الأعمال الكلاسيكية.
بنهاية القرن التاسع عشر، كانت بولين بونابرت تُوصف بأنها أجمل امرأة في أوربّا وإحدى اقلّ النساء عفافا وأكثرهن تحرّرا.
وبفضل مكانة عائلتها وعلاقاتها القوّية، أصبح الفنّانون يتسابقون إلى رسمها ونحت صورها.
تزوّجت بولين بونابرت من الأمير كاميللو بورغيزي في أغسطس من عام 1803م. وكانت قد تعرّفت عليه أثناء زواجها الأوّل. كان شابّا اسمر لا يتجاوز عمره الثلاثين. وكان تعليمه بسيطا. بولين أيضا لم تكن متعلّمة. لذا كان هناك عامل مشترك يجمع بين الاثنين.
عائلة بونابرت تعمّدت الإيحاء بأن الزواج كان فكرة عائلة بورغيزي. ولم يصدّق كاميللو أن حلمه يمكن أن يتحقّق عندما قبلت بولين عرضه بالزواج. والغريب أن نابليون كان الشخص الوحيد الذي وقف في البداية ضدّ زواجهما.
وقد تزوّج الاثنان سرّا دون علم نابليون. وعندما بلغه الخبر غضب غضبا شديدا وأرسل إلى شقيقته من يخبرها بأن تقطع عنه زياراتها وأن تحافظ على حشمتها ووقارها مراعاة لسمعة العائلة.
لكن غضبه لم يدم طويلا. فعلى الرغم ممّا حصل، كانت بولين اقرب شقيقات نابليون الثلاث إلى قلبه. واستمرّ في مراسلتها وحثّها على أن تتصرّف بطريقة ناضجة ومعقولة.
كان كاميللو بورغيزي وقتها أغنى رجل في ايطاليا. وقد تزوّج بولين بعد انقضاء سنة على وفاة زوجها الأوّل الذي ترك لها طفلا.
وبعد أن انتقل الزوجان إلى روما، كلّف بورغيزي كانوفا بأن ينحت لـ بولين تمثالا من الرخام تعبيرا عن حبّه لها وإعجابه بها.
غير أن ولع بولين بالحفلات الليلية الصاخبة لازمها حتى بعد أن انتقلت مع زوجها إلى ايطاليا، الأمر الذي أزعج بورغيزي كثيرا ودفعه إلى إجبارها على ملازمة المنزل.
لكن ذلك لم يكبح جموحها وتوقها إلى حياة التحرّر والانطلاق. وهي لم تكن فقط مغرمة بملاحقة الرجال وإنما أيضا بشراء الملابس والمجوهرات النفيسة التي تبرز أكثر جمالها الاحتفالي.
في روما، لم تسر الأحوال على ما يرام بين الزوجين. بدأت بولين تبدي احتقارها لـ كاميللو وتنعته بالمخصي وتتأسّف على فقدان زوجها الأوّل. ولم تتوقّف عن إقامة الحفلات الماجنة والعلاقات الغرامية إمعانا منها في إذلال زوجها وإهانته.
المفارقة هي انه عندما أتمّ كانوفا نحت التمثال، كان كلّ من بولين وزوجها يعيشان منفصلين عن بعضهما في تورين. كان كاميللو وقتها يشغل وظيفة حاكم المدينة بعد أن عيّنه نابليون في ذلك المنصب.
عند الانتهاء من التمثال، نُقل إلى منزل عائلة الزوج. وبعد موت نابليون، نُقل التمثال إلى روما، وبالتحديد إلى غاليري بورغيزي حيث بقي فيه إلى اليوم.
وقد خُصّصت له غرفة بالغاليري تزيّن سقفها نقوش زيتية رسمها الفنّان دومينيكو دي انغيليس عام 1779 واستوحاها من نقش مشهور في فيللا ميديتشي.
من أهمّ خصائص هذا التمثال أن قاعدته الخشبية تبدو مسجّاة مثل النعش. وفي احد الأوقات كانت القاعدة تضمّ جهازا يجعل التمثال يتحرّك بطريقة دائرية كي يتمكّن الناظر من ملاحظة التفاصيل من جميع الزوايا دون أن يتحرّك من مكانه. القاعدة الدوّارة تمثّل عكسا لطبيعة العلاقة ما بين المتلقّي والعمل الفنّي. فالتمثال في هذه الحالة هو الذي يتحّرك بينما يظلّ المتلقّي أو الناظر ساكناً.
انتونيو كانوفا يعتبر أشهر نحّات ايطالي ظهر في الحقبة النيوكلاسيكية. وقد عمل مع الملوك والباباوات ورجال المصارف والأمراء الروس. لكن ارتباطه بـ نابليون كان اكبر. فقد صوّره مرارا. بل إن نابليون اصطفاه لنفسه في النهاية.
وعندما فرغ من نحت تمثال بولين، كان الناس يأتون للنظر إلى التمثال على ضوء الشموع. كان وهجه مُشعّا، ليس بسبب نوعية الرخام العالي الجودة فقط، وإنما أيضا بسبب أسطحه الناعمة والمصقولة بعناية.
أما فينوس أو بولين بونابرت، فعلى الرغم من كثرة فضائحها، إلا أنها ظلّت وفيّة على الدوام لأخيها نابليون. كانت شاهدة على انتصاراته العديدة، وأحيانا مشاركة فيها. وعندما تغيّرت حظوظه وسقط من عليائه بعد هزيمته في ووترلو، كانت بولين الوحيدة من بين شقيقاته التي لحقت به إلى منفاه في جزيرة سينت ايلينا حيث ظلّت تلازمه هناك إلى أن توفّي.
تمثال فينوس المنتصرة يُعتبر اليوم واسطة العقد بين مجموعة الأعمال الفنّية التي يضمّها غاليري بورغيزي. والغاليري نفسه يُعدّ احد أهمّ المتاحف في العالم بالنظر إلى ما يحتويه من كنوز فنّية عظيمة ونادرة من العالم القديم ومن عصري النهضة والباروك، ومن بينها أعمال لـ رافائيل وتيشيان وكارافاجيو وبيرنيني ودافنشي وروبنز وغيرهم.
ومؤخّّرا، احتفل الغاليري بذكرى مرور قرنين ونصف على مولد انتونيو كانوفا وبمرور مائتي عام على انجازه هذا التمثال. وقد وفّرت المناسبة فرصة للنقّاد للحديث عن هذا التمثال وتناول العلاقة التي كانت تربط النحّات بكلّ من عائلتي بورغيزي وبونابرت.

لوحات عالميـة - 286

2011-08-27T13:28:00.001-07:00

الحـلـم
للفنان الفرنسي جـان باتيـست دوتـاي، 1888

بعض الرسّامين ينجذبون إلى رسم الطبيعة. والبعض الآخر إلى رسم الأشخاص. وهناك فريق ثالث يغريه رسم المعارك والحروب. من هؤلاء جان باتيست دوتاي الذي كرّس جميع لوحاته لرسم مناظر الحروب والصراعات العسكرية.
وهذه اللوحة تُعتبر أشهر أعماله. وقد نال عليها عند عرضها في صالون باريس ميدالية ذهبية. ثم بادرت الدولة إلى شرائها نظرا لقيمتها الوطنية.
اللوحة تنقسم إلى جزأين، احدهما واقعي والآخر فانتازي أو متخيّل.
في الجزء الأيسر نرى مجموعة من الجنود وهم نائمون على الأرض بينما وضعوا أسلحتهم وعتادهم جانبا.
الجزء الأيمن من اللوحة يصوّر أجواء معركة حقيقية، غير أنها في الواقع متخيّلة. في هذا الجانب تشتعل ساحة المعركة بنيران القذائف والمدفعية بينما ينتشر الدخان الكثيف في كلّ مكان. ومن بين سحب الدخان يظهر في الأفق مجموعة من المقاتلين وهم يعتلون ظهور الخيول ويرفعون أعلاما بألوان مختلفة.
من الواضح أن هؤلاء الجنود النائمين يحلمون. وطبيعة الحلم الذي يراودهم هو ما يظهر في الجانب الأيمن وفي أفق اللوحة.
المنظر يتضمّن رسالة سياسية واضحة. فالجنود، من خلال الحلم، إنما يتذكّرون جانبا من تاريخ فرنسا المجيد. وهم يحنّون إلى زمن انتصار الثورة والإمبراطورية في عصر نابليون.
في الوقت الذي رسم فيه دوتاي اللوحة كان اليأس قد تسرّب إلى نفوس الناس نتيجة الإخفاقات السياسية والعسكرية المتتالية التي شهدتها الفترة الأولى من الحكم الجمهوري. وقتها تمّ سَنّ قانون التجنيد الإلزامي الذي يتيح للشباب الانخراط في الخدمة العسكرية.
نجاح هذه اللوحة وشعبيّتها الكبيرة أغرت الرسّام بأن يتخصّص في رسم المناظر الحربية المستمدّة من التاريخ الفرنسي. وقد كان للحرب الفرنسية البروسية تأثير كبير عليه لأنها وفّرت له، ولأوّل مرّة، فرصة رؤية الحرب عيانا. بل لقد شارك دوتاي فعليا في تلك الحرب ورأى بشكل مباشر مناظر القتال وعمليات الالتحام بين الجند. وقد مكّنته هذه التجربة من رسم لوحات متعدّدة ومثيرة عن الحرب.
ولد جان باتيست دوتاي في باريس عام 1847م. ومنذ سنوات صباه الأولى كان محاطا بالمظاهر العسكرية، حيث عمل جدّه في جيش نابليون، كما أن بعض قريباته كنّ متزوّجات من أشخاص يعملون في الجيش.
ومنذ الصغر كان طموحه الوحيد أن يصبح رسّاما وأن يدرس على يد كابانيل. وفي ما بعد واتته الفرصة لتلقّي دروس في الرسم في محترف الرسّام جان ميسونيه الذي كان متخصّصا في رسم مناظر الحرب.
وأوّل لوحة له رسمها وهو في سنّ الثامنة عشرة. وكانت تصوّر معركة من نسج خياله عن الثورة الفرنسية.
كان دوتاي كثير الترحال. وقد أخذته أسفاره إلى العديد من الدول الأوربّية. كما زار تونس والجزائر. وذهب إلى انجلترا التي رسم فيها بورتريها للملك ادوارد مع أمير ويلز آنذاك.
كانت الحروب دائما احد المواضيع المفضّلة في الرسم. بعض الفنّانين صوّروا في أعمالهم الجانب الشرّير والوحشي من الحرب، مثل ليوناردو دافنشي وفرانشيسكو دي غويا وسلفادور دالي وفاسيلي فيرتشاغن واوتو ديكس وفرناندو بوتيرو.
والبعض الآخر رسموا الحرب من منظور تاريخي أو كظاهرة بشرية مثل يوهان لينغلباك وبيرسي موران ولوي لوجون.
والبعض الثالث رسم الحرب من حيث ارتباطها بالمشاعر الوطنية أو القومية، مثل جاك لوي دافيد وفوتجيك كوساك وايمانويل لويتسا.
بعض هؤلاء كانوا مجرّد شهود عيان على الحرب. والبعض الآخر كانوا مشاركين فعليين فيها.
وقبل ظهور التصوير الضوئي، كان من عادة الدول أن ترسل رسّامين يرافقون الجيوش كي يسجّلوا مراحل الحرب وعمليات القتال في الميدان. وكثيرا ما كان يُحتفظ بهذه اللوحات كسجلات صُورية توثّق لتاريخ الجيوش وحروبها.
في جميع لوحاته عن الحرب، كان دوتاي يحرص على إبراز نوعية الملابس والأسلحة في محاولة لإضفاء طابع واقعي على لوحاته.
وجزء كبير من أعماله صوّر فيها حملات نابليون وحروبه الكثيرة بالإضافة إلى حصار باريس. وقد اضطرّ في إحدى المرّات إلى سحب اثنتين من لوحاته من العرض كي لا يثير استياء الألمان.
كان دوتاي يولي في لوحاته أهميّة فائقة للتفاصيل. كما كان يهتمّ كثيرا بدقّة رسوماته وواقعيّتها. وكانت أعماله مثار إعجاب معاصريه لقوّتها التعبيرية ودقّة تفاصيلها. ويقال أن سلفادور دالي كان يعتبره أفضل رسّام فرنسي على الإطلاق. وقد ألّف كتابا عن الجيش الفرنسي ضمّنه مئات من رسوماته التي تحكي عن تاريخ جيش بلاده والحروب التي خاضها.
ومن اللافت أن مارسيل بروست ذكره في إحدى رواياته باسم "راسم الحلم"، في إشارة إلى لوحته هذه.
توفّي جان باتيست دوتاي في شهر ديسمبر عام 1912. وبالإمكان اليوم رؤية بعض أعماله في أشهر المتاحف العالمية مثل الارميتاج الروسي والمتروبوليتان الأمريكي.

لوحات عالميـة - 285

2011-08-20T06:35:00.000-07:00

ثلاث نساء على الشاطئ
للفنان الفرنسي بييـر بوفـي دو شافـان، 1879

ينتمي بيير دو شافان إلى جيل غوستاف مورو وإدوار مانيه. كما كان مرتبطا بالرسّامين الطليعيين. لكنّه كان أيضا منجذبا إلى الأساليب الفنّية الأكثر محافَظةً وتقليدية. وقد عُرف برسوماته التي تتناول المواضيع التاريخية والرمزية والأسطورية. وكان يتّبع غالبا التقاليد الأكاديمية. غير أن بعض أعماله لا تخلو من لمسات تجريدية وحديثة.
بدأ اهتمام دو شافان بالرسم بعد زيارة له إلى ايطاليا التي ذهب إليها لدراسة الهندسة. وفي روما اكتشف جداريات كواتروسينتو وقرّر أن يصبح رسّاما. وخلال ثمانينات وتسعينات القرن التاسع عشر أصبح رسّاما معترفا به وذا شأن في الصالون. ثم لم يلبث أن أصبح احد المحكّمين فيه. وقد عُرف بتعاطفه مع أعمال الرسّامين الأكثر شبابا وتمرّدا. وفي مرحلة تالية قاوم الواقعية الفوتوغرافية الجافّة التي أصبحت تميّز الرسم الأكاديمي في نهاية القرن التاسع عشر.
كان دو شافان موضع إعجاب الكتّاب والفنّانين الرمزيين مثل غوغان وريدون وموريس دونيه. ويقال إن تأثيره في الحركة الرمزية كان اكبر من تأثير زميله غوستاف مورو الذي كثيرا ما يقترن اسمه ببدايات نشوء الحركة الرمزية.
وبعض لوحاته تثير إحساسا بالعظمة والفخامة ومنطق التنظيم، وهي الصفات الأساسية المطلوبة في رسّامي اللوحات الكبيرة. وعادة، لا تعكس أسطح مناظره أيّ ضوء، وإن بدا حريصا على أن يكون لكلّ لوحة إيقاع خاصّ بها.
وقد اشتهر دو شافان، بشكل خاص، بلوحاته التي يصوّر فيها أشخاصا منعزلين وفي حالة تأمّل، بينما تلفّهم هالة من الغموض والطقوسية كما لو أنهم ينتمون إلى عالم خاصّ من الأحلام والرؤى.
في هذه اللوحة، يرسم الفنّان ثلاث نساء بشعور طويلة وملابس متقشّفة على شاطئ صخري لبحر هادئ الأمواج. إحدى النساء، الواقفة، تُرى من الخلف وهي منهمكة بترتيب شعرها. بينما تتّكئ الأخرى على طرف صخرة وتجلس الثالثة في وضع يخفي جانبا من جسدها.
ويُرجّح أن الفنان رسم اللوحة كي تزيّن احد المنازل الفخمة. وقد وضع لها عدّة اسكتشات في البداية. وعندما عرضها في صالون باريس عام 1879 لاقت إعجاب معظم النقّاد. لكن احدهم وصفها بأنها "يرقة بلا لون ولا شكل"، في إشارة إلى نقص وشحوب الألوان فيها. ومن الملاحظ أن الرسّام اكتفى باستخدام ظلال خفيفة من الأبيض والأزرق والبنّي والأخضر والزهري.
ويبدو أن دو شافان استعان بنفس الموديل لرسم النساء الثلاث في اللوحة. غير انه عمد إلى تغيير لون وظلال الشعر قليلا. أي أن أمامنا نفس المرأة ولكنْ في ثلاثة أوضاع مختلفة. كما حرص على أن يكون بناء اللوحة متناغما وأن تتضمّن سمة إيقاعية وموسيقية، وهي خاصّية تميّز معظم لوحاته.
الوضعيات التي تتّخذها الشخصيات الثلاث في اللوحة تذكّر بالتقاليد الكلاسيكية في الرسم. والانطباع العام الذي يثيره المشهد هو مزيج من الهدوء والشاعرية والتأمّل المشوب بشيء من الحزن.
الفنّانون الرمزيون، ومن ضمنهم دو شافان، دشّنوا فنّا جديدا تبدو فيه الطبيعة مفتوحة على مساحات من الضباب والساحات الغامضة التي تعكس الحقائق العميقة في الحياة وفي اللاوعي. وقد أصبحت مثل هذه الأفكار شائعة كثيرا في فنّ وأدب القرن التاسع عشر. ومن الواضح أنهم استفادوا من رسومات ليوناردو دافنشي عن طبيعة لا تنتمي لهذا العالم وعن أماكن شفّافة ومياه بعيدة يثير بعضها أخيلة عن عصور ما قبل التاريخ مع ما يرتبط بذلك من حالات وجدانية وتأمّلية.
ولوحات دو شافان التي تصوّر الأزمنة القديمة كثيرا ما تُفسّر على أنها إشارة إلى ماضي فرنسا المثالي الذي كان يتميّز بالتناغم العرقي والثقافي المستند إلى الثقافة اللاتينية. وهناك أيضا من رأى فيها تمثيلا لمستقبل ما بعد الثورة التي كانت تعد الناس بالخلاص من مظاهر عدم المساواة ومن الفقر والطبقية، ومن ثمّ العيش بحرّية وتناغم في رحاب الطبيعة.
كان دو شافان لغزا في حياته. ولم تكن له صفة معيّنة بحيث يسهل معها ربطه بتيار فنّي محدّد. ومع ذلك فإن بعض مؤرخّي الفنّ يرون فيه نموذجا للروح الفرنسية، لدرجة أن فنّه اجتذب رسّاما فرنسيا جدّا، هو الآخر، هو هنري ماتيس.
مع نهاية الحرب العالمية الأولى بدأ بيير دو شافان يفقد شيئا من وهجه. لكن بعض الفنّانين آنذاك، وعلى رأسهم بيكاسو، كانوا ما يزالون ينقّبون في لوحاته ويكتشفون فيها من الخصائص والأسرار ما لم يكن متوفّرا عند غيره.

لوحات عالميـة - 284

2011-08-18T13:15:00.000-07:00

بورتريه مادا اوجينيا بريمافيشي
للفنان النمساوي غـوستـاف كليـمـت، 1912

كانت مادا اوجينيا بريمافيشي طفلة تملك كلّ شيء. وقد عاشت طفولة تشبه الحكايات الخرافية في فيلا والديها البعيدة في مورافيا. كان أبوها رجل أعمال ومصرفيا مرموقا، بينما كانت أمها ممثّلة.
ولوحة كليمت التي رسم فيها الفتاة، بملابسها الوردية والبيضاء، هي صورة واقعية تعكس بدقّة نوعية الحياة الساحرة التي كانت مادا بريمافيشي تعيش في كنفها.
وقد مهّد الفنّان للبورتريه برسم اسكتشات عديدة بالقلم الرصاص. كما جرّب عدّة أوضاع مع خلفيات بموتيفات مختلفة. وأخيرا اختار تناولا مفتوحا يتوافق مع التصاميم الحديثة في ذلك الوقت. كما وظّف في اللوحة موتيفات زخرفية مرحة تبدو مناسبة تماما لفتاة عمرها تسع سنوات.
كانت مادا الطفلة الأثيرة والمدلّلة عند والدها. لذا لم يكن مستغربا أنه اختارها من بين أشقّائها الأربعة ليرسمها كليمت.
وكان كليمت يفهم الأطفال بطريقة غريزية رغم انه نادرا ما أتيحت له الفرصة لرسمهم.
وقد ظلّت مادا تتذكّره كشخص عطوف ومجامل. وكان يدرك حاجة الطفلة أثناء الرسم للحركة الدائمة، فتركها تتصرّف بعفوية ولم يفرض عليها أن تظلّ ساكنة.
كليمت نفسه كان فيه شيء من طبيعة الأطفال. يقال مثلا انه كان يستمتع بإلقاء القبّعات الورقية من نافذة منزله ويراقبها وهي تهبط بخفّة على رؤوس الغرباء المارّين تحته.
هذه اللوحة يبدو أنها كانت تعتبر احد انجازات كليمت الكبيرة والناجحة.
وقد أتمّ رسمها قبيل عيد ميلاد الفتاة العاشر وقبل وفاته، هو، بحوالي أربع سنوات.
واللوحة تتضمّن عناصر وأنماطا متعدّدة تظهر في الخلفية، من بينها كلب وأوراق وأعشاب وطيور. وكلّ هذه العناصر متخيّلة وليست واقعية على الأرجح. أما الأزهار فقد تكون حقيقية، وربّما تكون جزءا من نمط السجّادة.
تفاصيل اللوحة تكشف عن بشرة مضيئة بطبقات سميكة ومن ألوان كثيرة ومدهشة. والصورة إجمالا تتحدّث بوضوح عن قوّة وجمال الألوان الضاربة إلى الحمرة.
كانت عائلة بريمافيشي معروفة برعايتها للآداب والفنون في النمسا. وكانوا يملكون قصرا في بروكسيل يضمّ بعضا من أشهر لوحات كليمت.
وبعد سنة من إتمام كليمت لهذا البورتريه، دعاه والد مادا ليرسم والدتها هذه المرّة. وقد رسمها وهي ترتدي كيمونو يابانياً ساطع الألوان، وكان في ذلك الوقت موضة سائدة في فيينا.
بعد انهيار الإمبراطورية النمساوية الهنغارية في العام 1918، أصبح أفراد عائلة بريمافيشي مواطنين أجانب في البلد الذي ولدوا فيه، والذي أصبح يقع ضمن حدود ما يُعرف اليوم بجمهورية التشيك.
وقد هاجرت العائلة في البداية إلى النمسا. لكن تبعات وآثار ما بعد الحرب العالمية الثانية لاحقتهم إلى هناك. فاضطرّوا في نهاية خمسينات القرن الماضي إلى الهجرة مجدّدا واختاروا الإقامة الدائمة في كندا.
في عام 1986، وكان معظم أفراد عائلتها قد توفّوا، زارت مادا بريمافيشي نيويورك لرؤية معرض يصوّر الحياة في فيينا في مطلع القرن الماضي. واكتشفت أن اللوحة التي رسمها لها كليمت كانت من ضمن اللوحات المعروضة.
وبعد أن انتقلت اللوحة إلى متحف المتروبوليتان، كانت تداوم على زيارة المتحف لرؤية صورتها.
وقد توفّيت مادا بريمافيشي عام 2000م، أي بعد أن رسمها كليمت بسبعة وثمانين عاما. أي أنها عاشت حياة أطول بكثير من جميع الأشخاص الذين رسمهم.

لوحات عالميـة – 283

2011-06-27T06:30:00.000-07:00

عاريـة تهبـط السلّـم
للفنان الفرنسي مارسيـل دُوشـان، 1912

إذا كنت تتوقّع أن ترى امرأة عارية في هذه اللوحة كما يشي بذلك العنوان فسيخيب ظنّك. وقد يكون معك بعض العذر إن لم تجد في اللوحة ما يثير اهتمامك أو إن وجدتها شاذّة أو غريبة الشكل. ورغم ذلك، كانت هذه اللوحة مشهورة جدّا في زمانها بسبب الجدل الواسع الذي أثارته في حينه. بل إنها اليوم تُعتبر من أشهر الأعمال الفنّية العالمية.
بعض مؤرّخي الفنّ يعتبرون أفكار مارسيل دوشان امتدادا لعقول معاصريه مثل الروائيين جيمس جويس ومارسيل بروست. ومن بين من تأثّروا به في ما بعد كلّ من دي كوننغ، وجاسبر جونز الذي وصف أعماله بأنها جمال تمتزج فيه اللغة بالأفكار والرؤى.
كان دوشان يتبنّى نهجا مضادّا للفكرة التي تقول إن الفنّ يجب أن يروق للعين ويبهج الحواسّ. وكان يدعو لأن يُسخّر الفنّ من اجل خدمة العقل. كما عُرف عنه تركيزه على القيمة المفاهيمية للعمل الفنّي الذي يغذّي الناظر من خلال المفارقة والسخرية، وليس من خلال جاذبيّته التقنية أو الجمالية. وبذا ساعد في صياغة الذائقة الغربية للفنّ في حقبة ما بعد الحرب العالمية الأولى.
عندما أتمّ دُوشان رسم هذه اللوحة قبل حوالي مائة عام، رفض صالون الفنّانين المستقلّين تعليقها. ورغم سماتها التكعيبية الواضحة، إلا انه حتّى التكعيبيين رفضوا عرضها، على أساس أن المرأة العارية لا يجب أن تهبط السلّم بل أن تستلقي على أريكة أو سرير. التكعيبيون، وعلى رأسهم بيكاسو وبْرَاك، كانوا عادة يميلون إلى تثبيت الشخصيات في لوحاتهم بطريقة صارمة. لكنّ الشخصية في هذه اللوحة، التي لا نعرف إن كانت إنسانا أم جمادا، تبدو في حالة حركة أبدية ومستمرّة.
أحسّ دُوشان بالضيق وخيبة الأمل بعد أن لقيت لوحته في باريس كلّ هذا الاستقبال الفاتر. لذا قرّر أن يرسلها إلى نيويورك. وهناك أثارت اللوحة ردود فعل قويّة عند عرضها في العام 1913م. وقد اشتراها في الحال احد الأشخاص بثلاثة آلاف دولار أمريكي.
وجانب من الجدل الذي أثارته اللوحة يتمثّل في تصويرها الميكانيكي لموضوع هو في الأساس حسّي وأصبح محترما مع مرور الوقت.
غير أن غالبية النقّاد نظروا إليها باعتبارها لوحة غامضة ولا يمكن فهمها. وسرعان ما أصبحت مادّة للنكات ورسومات الكاريكاتير الساخرة. إحدى الصحف الأمريكية قالت إن اللوحة تشبه انفجارا في مصنع للخشب. بينما عرضت صحيفة أخرى على قرّائها مكافأة قدرها عشرة دولارات إذا استطاع أيّ منهم رؤية المرأة وسط متاهة الخطوط المتشابكة والمتداخلة في اللوحة.
وعندما علم دُوشان بما حدث للوحة في أمريكا استولى عليه شعور غامر بالسرور والارتياح. وشجّعته الشهرة الكبيرة التي جلبتها له على أن ينتقل إلى نيويورك بعد ذلك بعامين.
الشخصية الميكانيكية واللون المتجانس الواحد كانتا دائما سمتين نموذجيتين للرسم التكعيبي. ومع ذلك فالتصوير المتسلسل للحركة في هذه اللوحة يتجاوز التكعيبية في محاولته رسم الحركة وطاقة الجسم وحركته عبر المكان. الحركة تبدو دائرية وعكس اتجاه عقارب الساعة، أي من أعلى اليسار إلى أسفل اليمين. وأطراف الجسد التي يمكن التعرّف عليها مرسومة من عناصر تجريدية مخروطية واسطوانية متداخلة مع بعضها بطريقة توحي بالحركية والإيقاع. الألوان الساطعة في اللوحة تتراوح بين الأصفر وظلاله. والخطوات التي يُفترض أن نراها مشار إليها بألوان أكثر قتامة.
اهتمام دُوشان بتمثيل المراحل الثابتة للشيء المتحرّك قورن بأعمال المستقبليين الايطاليين الذين كانوا مهجوسين بأفكار السرعة النهائية والحركة.
أمّا استخدام العارية كرمز فقد كان تقليدا بدأه الرسّامون الطليعيون والتكعيبيون. ثم تكرّس مع ظهور السينما وتصوير المستقبليين للحركة واستخدام اللون الواحد في الرسم والتصوير وإعادة تعريف الزمان والمكان من قبل العلماء والفلاسفة.
البعض يصنّف دُوشان على انه احد الفنّانين الطليعيين الأكثر تأثيرا في فنّ القرن العشرين. وفي مطلع حياته كان متأثّرا بـ بسيزان ثم أصبح يميل للرسم الرمزي.
وقد شكّلت أفكاره تحدّيا للمجتمع الفنّي في تعريفه للفنّ وأوجد شكلا جديدا من الفنّ يعتمد على الأشياء الجاهزة. كان الرسّام يرى في الشيء العادي قيمة جمالية تفوق قيمته الوظيفية. كما كان يؤكّد على أن الرسم ليس له قواعد محدّدة ولا يُشترط في الرسّام أن يكون بارعا أو موهوبا.
ولطالما تحدّى دُوشان الأفكار التقليدية عن العملية الفنّية، من خلال أعماله التخريبية العديدة. فقد سخر من لوحة الموناليزا عندما أضاف لها شاربين، تأكيدا على موقفه المهاجم للفنّ الواقعي. كما صمّم منحوتة من البورسيلين على شكل حوض تواليت وقلبه على جنبه ثم وقّع عليه بالأحرف الأولى من اسمه المستعار ووصفه بـ النافورة ، في محاولة لتسفيه فكرة تقدير الفنّ ولاختبار حدود الذوق العامّ. كان دُوشان يدعو إلى تقويض الأفكار المحافظة والتقليدية التي حكمت أوربّا وعجّلت بالواقع المدمّر الذي جلبته الحرب العالمية الأولى. وكان يرى بأن ثمار الحياة الصناعية الحديثة مورد خصب في إنتاج الأعمال الفنية.
في نيويورك، تعرّف مارسيل دُوشان إلى حلقة الرسّامين والشعراء الذين كانوا يشكّلون نواة الحركة الدادية الأمريكية. وبعد ذلك بسنوات توقّف عن الرسم خوفا من تكرار نفسه وأصبح يولي جلّ اهتمامه للعب الشطرنج وتأليف المقطوعات الموسيقية. وبعد زيارة قصيرة لباريس، عاد إلى الولايات المتحدة وقرّر الإقامة فيها نهائيا. وقد تزوّج هناك وعاش إلى أن توفّي. وفي ما بعد منحته الولايات المتحدة جنسيّتها.

لوحات عالميـة – 282

2011-06-24T03:06:00.000-07:00

نمـر في عاصفـة استـوائيـة
للفنان الفرنسي هنـري روسّـو، 1891

عُرف هنري روسو برسوماته التي يصوّر فيها الأدغال. وكانت هذه هي لوحته الأولى عن الموضوع. وفيها يصوّر نمرا يضيئه وميض برق خاطف، بينما يتأهّب للانقضاض على فريسته وسط عاصفة استوائية عاتية.
أكاديمية باريس للرسم امتنعت عن قبول هذه اللوحة في حينه، ما اضطرّ الرسّام إلى عرضها في معرض الفنّانين المستقلّين الذي كان مفتوحا لكافّة الرسّامين ولم يكن به محكّمون. وقد قوبلت اللوحة بردود فعل مختلفة ما بين مستحسن وناقد.
من المعروف أن روسو علّم نفسه بنفسه ولم يتلقّ أيّ دروس نظامية في الرسم. وهذا ما يفسّر سرّ شعبية أعماله وميل بعض النقّاد لاعتبارها تطوّرا غامضا في تاريخ الفنّ.
والحقيقة أنه لم يأت إلى الرسم إلا متأخّرا. فقد ظهرت أولى لوحاته، وكانت عبارة عن منظر طبيعي مع طاحونة، عندما كان في الخامسة والثلاثين.
ولوحاته بشكل عام تتّسم بالتوليف البسيط . وفي زمانه، سخر معظم النقّاد من أعماله ووصفوها بالطفولية والساذجة.
لكن على الرغم من بساطتها الظاهرية، إلا أن لوحات روسو عن الغابات مبنيّة وبدقّة على شكل طبقات يعلو بعضها فوق بعض. كما انه كان يميل إلى استخدام عدد كبير من الظلال الخضراء للامساك بالخصوبة والخضرة الوفيرة التي تتميّز بها الحياة في الغابات.
وقد رسم روسو في بداياته العديد من اللوحات عن المظاهر الحضرية في باريس. لكن تلك اللوحات خالية من الفوضى والضجيج اللذين يميّزان الحياة العصرية في المدن الكبيرة عادة. والمزاج الهادئ في لوحاته الحضرية يتناقض مع صوره عن الغابات التي تبدو مشحونة بالانفعالات والحركة.
ويقال إن الرسام خَبِر الحياة في الغابات الاستوائية في المكسيك. لكن المؤكّد انه لم يغادر فرنسا أبدا، كما اتضح في ما بعد. ويبدو أن مصدر إلهامه أتى من الحدائق النباتية في باريس التي تتضمّن عادة صالات لعرض عيّنات من الحيوانات المحنّطة والغريبة.
غير أن هناك عاملا آخر لا يقلّ أهمية. فقد عاش روسو في زمن الاستعمار الفرنسي للعديد من البلدان في العالم الثالث. وقد وفّر هذا العامل للفرنسيين، ضمن أشياء أخرى، ضروبا جديدة من التسلية والترفية من قبيل المعارض التي كانت تقام في باريس وتنقل قرى بأكملها مع قاطنيها وثقافاتها من أفريقيا واسيا لتضعها أمام أنظار الناس. وفي ذلك الوقت ظهرت مجلات شعبية وأعمال قصصية وروائية كثيرة تمتلئ بقصص المغامرات وصور الحيوانات الغريبة والمتوحّشة ومغامرات المستكشفين ولقاءاتهم مع السكّان الأصليين المتعطّشين للدماء.
وقد كتب احد النقّاد واصفا لوحات الفنّان عن الغابات بقوله إن روسو يرسم الغابات البكر بكل ما تزخر به من مظاهر الجمال والرعب الذي كنّا نحلم به ونحن أطفال". كما وصفها آخر بأنها لحظات من الصراع الدارويني والغرابة السوريالية التي تتجلّى وسط جنّات مخملية من النباتات والأشجار".
الهيئة المتحفّزة للنمر في اللوحة يُرجّح أنها مأخوذة من رسم بالباستيل لـ اوجين ديلاكروا. ومن الملاحظ أن طريدة النمر تقع خارج المشهد. ترى، ما الذي سيحدث؟ هل سيظفر النمر بفريسته؟ أم ستتمكّن من الإفلات منه في نهاية المطاف؟ هذه الاحتمالات متروكة لمخيّلة وتقدير الناظر، مع أن روسو قال في إحدى المرّات أن النمر يوشك في الحقيقة على أن ينقضّ على مجموعة من المستكشفين.
روسو كانت له أيضا طريقته الخاصّة في تصوير المطر المنهمر من خلال رسم طرق فرعية من الطلاء الفضّي عبر لوحة القماش. وهي تقنية مستوحاة من لوحات وليام بوغورو، على ما يبدو.
"نمر في غابة استوائية" اشتراها الناشيونال غاليري في لندن عام 1972 بمساهمة مالية من الملياردير الأمريكي والتر انينبيرغ.

لوحات عالميـة – 281

2011-06-22T14:40:00.000-07:00

منتـزه في الخريـف
للرسّام البيلاروسي ليونيـد افريمـوف، 2009

الخريف ليس مجرّد فصل من فصول السنة، وإنما حدث يتغيّر فيه شكل الأرض ووتيرة الحياة وأمزجة البشر والكائنات.
في هذه اللوحة يصوّر ليونيد افريموف جمال الطبيعة ذات يوم ممطر في منتزه تصطفّ على جانبيه الأشجار التي تجرّدت من أوراقها الحمراء في ذروة فصل الخريف.
وعلى أرضية المنتزه المبلّلة بفعل المطر تظهر انعكاسات أوراق الشجر والناس وقد اصطبغت بألوان بهيّة ورائعة.
الأسلوب وحيوية ونوعية التوليف وقيم الألوان النهائية في اللوحة تذكّر إلى حدّ ما بـ مونيه وألوان الانطباعيين. وقد مزج الرسّام هنا الأسلوب الواقعي بعناصر الضوء والجوّ، على غرار ما يفعله الانطباعيون.
افريموف يُعتَبر رسّاما جديدا نسبيا على المشهد الفنّي. والكثير من لوحاته تتحدّث عن نفسها. مناظره مملوءة بالألوان الساطعة والانعكاسات المائيّة والمضيئة. ومن الواضح انه يعشق الليل، بدليل هذا العدد غير القليل من لوحاته التي تصوّر مشاوير ليلية حميمة في شوارع وطرقات المدن الروسية القديمة.
كما أن لوحاته لا تخلو من صور لأزهار وحيوانات بالإضافة إلى صور الأشخاص والمناظر الحضرية.
وقد جرّب الرسّام تقنيات مختلفة في الرسم. لكنه في النهاية وقع في حبّ الألوان الزيتية.
وكلّ لوحة من لوحاته تثير مزاجا مختلفا. لكنها إجمالا تعكس مشاعر الفنّان وعواطفه وأيضا حبّه للموسيقى وحرصه على إبراز مظاهر الجمال والتناغم في العالم.
ممّا يسترعي الاهتمام أيضا في هذه اللوحة الألوان الناعمة والمشبعة والتعامل البارع مع نسب الضوء والظلّ.
ومن الواضح أن الرسّام لجأ إلى استخدام السكّين أكثر من الفرشاة لوضع الطلاء على رقعة الرسم، وهي براعة يندر أن يتقنها كلّ رسّام.
كما أن مهارته في استخدام عدّة ألوان زيتية متوهّجة أضفى مزيدا من الجمال على المشهد.
ولد ليونيد افريموف في بيلاروسيا عام 1955م. وتخرّج من مدرسة الفنون في فيتسبيك التي شارك في تأسيسها الرسّام مارك شاغال عام 1921م. وإلى نفس تلك المدرسة ينتمي كلّ من كاندينيسكي وماليفيتش.
افريموف يعيش اليوم في فلوريدا بالولايات المتحدة. وبالإمكان التعرّف على أعماله بسهولة. والكثير من النقّاد يعتبرون أسلوبه متفرّدا ولا يمكن تقليده.

لوحات عالميـة – 280

2011-06-19T07:00:00.000-07:00

أنـا والقـريـة
للفنّان الروسي مـارك شاغـال، 1911

يحتلّ مارك شاغال مكانة فريدة في عالم الرسم. وطوال حياته، كان فنّانا مستقلا. ولطالما انتُقد على قلّة الواقعية في فنّه.
كان من عادته أن يملأ لوحاته بصور لملائكة وعشّاق وحيوانات طائرة وعازفي كمان وديَكة وعمّال سيرك. ويمكن القول إن مناظره تعكس إيمانه القويّ بالمعجزات وتعبّر عن جمال الخليقة وعن الحكمة اللانهائية للخالق.
لوحته هنا هي تمثيل حالم للماشية والمراعي والمزارع والبيوت الريفية البسيطة التي لم تبارح ذاكرته منذ كان طفلا. تنظر إلى هذا اللوحة فيساورك إحساس بأنها لعبة صاغها وأبدعها عقل طفل.
رسم شاغال اللوحة بعد عام من وصوله إلى باريس وكان في ذلك الوقت في الخامسة والعشرين من عمره.
وفي اللوحة يستذكر بعضا من تفاصيل مجتمعه الأصلي في فيتبسك التي كانت آنذاك جزءا من أراضي روسيا قبل أن يجري ضمّها في ما بعد إلى أراضي جمهورية بيلاروس أو روسيا البيضاء.
في القرية، كان الفلاحون والحيوانات يعيشون جنبا إلى جنب في اعتماد متبادل. الربيع الذي ترمز له شجرة الحياة أسفل اللوحة هو نوع المكافأة التي يجنيها الفلاحون على شراكتهم.
في المجتمع الذي جاء منه شاغال، كانت الحيوانات تشكّل نوعا من الصلة التي تربط البشر بالكون. والأشكال الدائرية الكبيرة في اللوحة ترمز إلى دوران الشمس، وكذلك إلى شكل القمر والأرض.
وقد استوحى الرسّام معمارية اللوحة من المساحات المتكسّرة للتكعيبية. لكن لوحة شاغال هي نسخة شخصية خاصّة به.
في مقدّمة المنظر نرى رجلا ذا وجه اخضر يلبس صليبا حول عنقه وتعلو رأسه قبّعة، بينما يمسك بيده غصن شجرة ويحدّق مباشرة في رأس ماعز ضخم انطبعت على وجهه صورة ماعز اصغر تحلبه امرأة. وفي الخلفية يظهر عدد من البيوت وكنيسة ومزارع يرتدي ملابس سوداء وامرأة في وضع مقلوب.
عندما كان صبيّا، كان الرسّام شغوفا بالهندسة من خطوط وزوايا ومثلّثات ومربّعات.. إلى آخره. وقد قال في إحدى المرّات إن هذه الأشكال تحمله إلى آفاق بعيدة وساحرة.
في باريس، استخدم شاغال بُنى هندسية كان يوظّفها في لوحاته تعبيرا عن حنينه إلى وطنه الأصلي. وإذا صحّ أن التكعيبية كانت في الأساس فنّا للمجتمع الطليعي الحضري، فإنه يمكن اعتبار "أنا والقرية" حكاية ساحرة تجسّد حنين الإنسان إلى بساطة العيش في الأرياف حيث تختلط الكائنات بعضها ببعض في تناغم وانسجام.
يقول شاغال: بالنسبة للتكعيبيين، فإن اللوحة هي عبارة عن سطح مغطّى بالأشكال في ترتيب معيّن. وبالنسبة لي، اللوحة هي سطح مغطّى بتصاوير للأشياء ولا أهمّية فيها للمنطق".
بعض مؤرّخي الفنّ يشيرون إلى شاغال باعتباره شاعرا وحالما كبيرا. وطوال حياته كان يلعب دور اللا منتمي والفنّان غريب الأطوار. وبفضل خياله الواسع وذاكرته الممتازة، تمكّن من استخدام موتيفات ومواضيع قويّة في لوحاته مثل مَشاهد الريف وحياة الفلاحين.
حياة مارك شاغال وأسلوبه الفنّي رسما له في أذهان الكثيرين صورة مواطن عالمي ما يزال يعيش بداخله طفل. وكثيرا ما يبدو على هيئة شخص غريب وضائع بسبب الأحداث الغريبة والمتناقضة التي كان شاهدا عليها.
وقبل سنوات من وفاته في فرنسا عام 1985، كان شاغال قد شهد تبدّد الآمال العريضة التي كان يعقدها على الثورة الروسية والخيبة الكبيرة التي انتهت إليها تلك الثورة. ووصل إحباطه إلى منتهاه عندما علم بالمصير المشئوم الذي آلت إليه قريته التي نشأ فيها وصوّر أجواءها الساحرة في لوحاته. إذ تسببّت الحرب العالمية الثانية في تدمير القرية تدميرا تامّا وقتل غالبية سكّانها.

لوحات عالميـة – 279

2011-06-18T14:53:00.000-07:00

بورتريه الأميرة ماري دي برويي

للفنّان الفرنسي جـان دومينيك آنغـر، 1853

كان دومينيك آنغر قارئا نهما لكتب الأدب والتاريخ. وقد اطلع على كتب هوميروس ودانتي وفيرجيل في مراحل مبكّرة من حياته. ولم يكن مستغربا أن يختار للعديد من لوحاته مواضيع أدبية. كما كانت تستهويه قراءة سير حياة الرسّامين الذين أتوا قبله.
وكان يروق له، على وجه الخصوص، رسم اللحظات الإنسانية الحميمة، مقابل نفوره من تصوير المعارك ومشاهد العنف في لوحاته. لكنه أيضا رسم عددا من اللوحات التي تصوّر محظيّات، متأثّرا بكتابات الليدي ماري مونتغيو زوجة سفير انجلترا في تركيا آنذاك والتي وصفت بعض مشاهد وقصص الحريم في يوميّاتها ورسائلها. وقد فتنت تلك الكتابات عند نشرها المجتمع الأوربّي بأسره وأسهمت إلى درجة كبيرة في صوغ فكرة الأوربيين عن بلاد الشرق.
في بعض الأحيان، كان دومينيك آنغر يعبّر عن ضيقه من رسم الصور الشخصية. لكنه مع ذلك رسم العديد من الشخصيات البارزة في عصره. هذه اللوحة الرائعة للأميرة ماري دي برويي هي آخر لوحة كُلّف برسمها لامرأة.
بدأ آنغر رسم البورتريه عام 1851 عندما كان عمر المرأة ستّة وعشرين عاما، وكان هو وقتها في الثانية والسبعين.
كانت هذه الأميرة معروفة بسعة ثقافتها وبجمالها العظيم وكذلك برزانتها وتحفّظها. والبورتريه يلتقط هذه الصفات ويبرزها بوضوح.
قدرة آنغر على أن يختزل ببراعة الخصائص المادّية للأشياء واضحة في شكل الساتان والدانتيل الغنيّ الذي يظهر على ثوب المرأة، وعلى المفروشات الحريرية، وعلى وشاح المساء المطرّز بطريقة رائعة والمنسدل على الكرسي.
أيضا من الأشياء الأخرى المرسومة بتفصيل بارع المجوهرات الباذخة التي ترتديها الأميرة، بما في ذلك القلادة الحديثة التي تزيّن عنقها.
وعندما تتأمّل تفاصيل اللوحة عن قرب، ستكتشف أن كلّ خيط في الفستان الحريري الأزرق الخفيف، وكلّ ثنية ونمط في غطاء الكرسي الأصفر مرسومة ومسجّلة بدقّة.
لكن يبدو أن الرسّام كرّس الجانب الأكبر من براعته الفنّية في رسم الرأس، ابتداءً من الشعر الناعم إلى الأنف الارستقراطية وانتهاءً بشكل الفم المحتشم.
واللوحة تناسب معايير آنغر المستمدّة من الفنّ الكلاسيكي الإغريقي والروماني. وبعض النقّاد يعتبرونها أعظم لوحات الفنّان التي رسمها لنساء.
الشاعر بودلير قال مرّة عن دومينيك آنغر: كان يحبّ النساء كثيرا. وكان يرسمهنّ كما يراهن. ويبدو انه عندما كان يحبّ امرأة أكثر من اللازم، كان يعمد إلى تغييرها. آنغر يتعامل مع الجمال بحرص جرّاح، ويتابع تفاصيله الحسّية بإخلاص عاشق".
كان تأثير آنغر على الرسّامين الذين أتوا بعده كبيرا. ومن ابرز من تأثّروا به ديغا الذي درس على يد احد تلاميذ آنغر الكبار. وفي القرن العشرين كان من بين من تأثّروا به كلّ من بيكاسو وبوغورو وكابانيل، بالإضافة إلى بيير ماتيس الذي كان يعتبره أول رسّام استخدم ألوانا نقيّة.
ماري دي برويي لم تكن امرأة جميلة فقط، بل كانت سيّدة عظيمة أيضا. ومن ذرّيتها خرج بعض ابرز النقّاد والكتّاب والعلماء والفنّانين الفرنسيين المعروفين.
وقد توفّيت الأميرة على إثر إصابتها بمرض السلّ عن عمر لا يتجاوز الخامسة والثلاثين تاركة وراءها خمسة أبناء. واحتفظ زوجها بهذا البورتريه وفاءً لذكراها. وظلّت عائلته تتوارثه جيلا عن جيل إلى أن اشتراه قبل سنوات المليونير الأمريكي روبرت ليمان مع إطاره الأصلي المزيّن بزخارف جميلة اختارها آنغر بنفسه.
كان دومينيك آنغر معروفا أيضا بعشقه للعزف على آلة الكمان. وإليه يعود الفضل في إدخال مصطلح "فيولين آنغر" إلى اللغة الفرنسية، وهو تعبير يشير إلى إتقان الشخص مهارة ثانية إضافة إلى مهارته الأصلية التي يعرفه بها الناس.
وقد توفّي آنغر بالالتهاب الرئوي في يناير من عام 1867 ودُفن في إحدى مقابر باريس. وقبيل وفاته، أوصى بأن يؤول محترفه والمئات من لوحاته، بالإضافة إلى آلته للكمان إلى متحف مدينة مونتوبان الذي أصبح اليوم يحمل اسم متحف دومينيك انغر.

لوحات عالميـة – 278

2011-01-19T14:04:00.000-08:00

حفلة فنّية في إسْكيـين
للفنان الدانمركي بيتـر كرويـر، 1899

في السنوات الأخيرة من القرن الثامن عشر، اتخذت جماعة من الفنّانين الاسكندينافيين من بلدة إسْكيين الدانمركية ملتقى صيفيا لهم يجتمعون فيها كلّ عام ويناقشون مواضيع وأفكارا جديدة للرسم.
كان بيتر كروير زعيما للجماعة وكان ألمع وأشهر أعضاء هذه المجموعة التي كانت تتكوّن من رسّامين من الجنسين مع عائلاتهم وأطفالهم.
وقد رسم كروير هذه اللوحة لمجموعة من زملائه في إحدى أمسيات الصيف على الشاطئ الجنوبي للدانمرك. وفيها تبدو زوجته ماريا وطفلتهما اللتان تجلسان إلى يمين اللوحة، بينما تجلس إلى اليسار آنا آنكر إحدى أشهر رسّامات المجموعة. وعلى الطرف المقابل من المائدة يتحلّق عدد من الفنّانين الرجال وهم يتبادلون الأنخاب في ما بينهم في جوّ مفعم بالتلقائية والمرح.
الطريقة البديعة التي رسم بها الفنّان قماش المائدة والملابس والزجاجات والكؤوس تذكّر بأسلوب الانطباعيين الفرنسيين. وجوّ اللوحة العام قريب من جوّ لوحة رينوار المشهورة عشاء في رحلة بالقارب.
تتضمّن اللوحة أيضا مزجا جميلا بين الانطباعية ومهارات الرسم الأكاديمي التي أتقنها كروير عندما كان يدرس الرسم في باريس.
ويمكن اعتبار هذه اللوحة دراسة في الألوان والضوء. وقد رسمها الفنّان بتلقائية وعفوية واضحة. كما بنى تفاصيلها وأجزاءها الكثيرة بعناية واهتمام ورتّب لها جيّدا طوال أربع سنوات هي المدّة التي استغرقها انجاز اللوحة.
الرسّام أجرى أيضا تعديلات كثيرة على اللوحة كما بدّل كثيرا في ملابس وهيئات الرجال إلى أن أخذت شكلها النهائي. ولم ينسَ كروير أن يرسم نفسه هو أيضا في اللوحة، إذ يبدو إلى اليمين واقفا في وضع انحناء بينما يمدّ كأسه.
ولد بيتر كروير في أوسلو عام 1851م. وبعد انفصال أبويه تولّت شقيقته رعايته. وفي ما بعد درس الرسم في معهد كوبنهاغن للفنون ثمّ في الأكاديمية الملكية للفنّ. وفي مرحلة تالية سافر إلى باريس التي طوّر فيها مهاراته الفنّية وتعرّف إلى الانطباعيين الفرنسيين وعلى رأسهم كل من مانيه ورينوار ومونيه.
وفي باريس أيضا التقى كروير ماريا تريبكا، ثمّ لم يلبث أن وقع في حبّها وتزوّجا في العام التالي في بيت والديها في ألمانيا. كانت ماريا هي الأخرى رسّامة موهوبة وارتبطت مثله بمجتمع إسْكيين. وقد رسمها في أكثر من لوحة، منها واحدة تظهر فيها بمعيّته وهما يتمشّيان على شاطئ البحر مع كلبهما، وأخرى تصوّرها برفقة الرسّامة آنا آنكر وهما يسيران بمحاذاة شاطئ إسْكيين.
كان كروير رسّاما عبقريا. وإليه يُعزى الفضل في وضع الرسم الدانمركي على خارطة الفنّ العالمي. وقد كان دائم الترحال واستفاد كثيرا من الرسّامين ومن الثقافات الأجنبية المختلفة.
واستمرّ يرسم ويبدع إلى أن ظهرت عليه فجأة أعراض مرض عقلي انتقل إليه من والدته. وفي سنواته الأخيرة هاجمته نوبات الاكتئاب والهلوسة وواجه أوقاتاً صعبة وعصيبة. فانهارت حياته الاجتماعية وانفصلت عنه زوجته وتلاشى كلّ ما كان له من حضور ووهَج.
وفي سنواته الأخيرة كُفّ بصره تماما ووجد الرعاية في كنف امرأة تُدعى هيني برودرسين كانت تعطف عليه كأمّه ووقفت إلى جانبه وآزرته في مرضه ورافقته حتى وفاته في العام 1909 عن 58 عاما.

لوحات عالميـة – 277

2011-01-11T05:47:00.000-08:00

بدايـة زائفـة
للفنان الأمريكي جاسبـر جونـز، 1959

أهمّية هذه اللوحة تكمن في أنها أغلى لوحة في العالم لرسّام ما يزال على قيد الحياة. ففي العام 2006 اشترى اللوحة كل من آن وكينيث غريفين، وهما صاحبا إحدى المجموعات الفنّية الأمريكية الخاصّة، بمبلغ ثمانين مليون دولار.
وكانت اللوحة قد بيعت قبل خمسين عاما إلى احد جامعي اللوحات الفنّية بمبلغ ثلاثة آلاف دولار فقط. وبعد ذلك بسنوات ابتاعها احد أصحاب الشركات النفطية بمبلغ من ستّة أصفار.
جاسبر جونز يُنظر إليه اليوم كأحد أهمّ الفنّانين الأمريكيين الذين ظهروا في فترة ما بعد الحرب العالمية الثانية. والنقّاد يصنّفون لوحته هذه ضمن الجيل الثاني من مدرسة التعبير التجريدي في الولايات المتحدة. وهي عبارة عن حقل من البقع والممرّات المتشابكة من الأحمر والأصفر والأزرق والبرتقالي والبنّي. ويُلاحظ أن الرسّام حرص على أن تتضمّن اللوحة أسماء الألوان التي استخدمها في رسمها.
وأحد العناصر الغامضة في اللوحة يتعلّق بالاسم الغريب الذي اختاره لها الرسّام. ترى هل كان يقصد انه رسم اللوحة في غير أوانها مثلا؟ أم أن المقصود أنه بدأ رسمها من مكان، في حين انه كان يُفترض أنه بدأها من مكان آخر؟
لكن أيّا كان السبب، فإن ممّا لا شكّ فيه أن هذه اللوحة ذات الألوان المشتعلة أثارت إعجاب الناس منذ ظهورها الأوّل.
وما يميّزها هو هذا التوظيف المبهر لهذا العدد الكبير من الألوان المبهرجة والساطعة فيها.
بعض نقّاد الرسم الحديث اعتبرها عملا ايقونيا. والبعض الآخر رأى فيها مثالا للكمال. ويُعزى الفضل لهذه اللوحة بالذات في أن جاسبر جونز أصبح فنّانا مشهورا وذا شعبية كبيرة. وهناك من يصنّف لوحاته على أنها نوع من الداديّة الجديدة. وكان معروفا بميله إلى استخدام صور من الثقافة الشعبية في معظم أعماله.
ولد جاسبر جونز عام 1930 في جورجيا بالولايات المتحدة. وفي ما بعد درس الفنّ في جامعة ساوث كارولينا ثم عمل في إحدى مكتبات نيويورك. وقد لمع نجمه في بدايات خمسينات القرن الماضي عندما أقام معرضين منفردين لأعماله في كلّ من نيويورك وباريس.
ويقال إن جونز هو الذي وضع الأساس للبوب آرت وما يعرف بـ التقليلية، أي ذلك النوع من الرسم الذي يُعنى بإظهار اقلّ العناصر والتفاصيل. وكان من بين من تعرّف عليهم الرسّام كلّ من مارسيل دُوشان وآندي وارهول وروبرت روشنبيرغ.
كان لـ جاسبر جونز تأثير كبير على الفنّ الأمريكي بشكل عام. ولوحاته تتّسم بالغموض والبساطة والتناقض في نفس الوقت. وكثيرا ما كان يستعير صورا من رسّامين آخرين ليضمّنها لوحاته. والغريب أن هذا لم يؤدّ إلا إلى تأكيد أصالة رؤاه الفنية، بحسب ما يذهب بعض النقّاد. و تكثر في لوحاته صور لأرقام وأعلام وأحرف ومساطر وخرائط. كما دأب على استخدام الورق والقماش والزجاج والخشب وغيرها من الوسائط الأخرى للتعبير عن أفكاره.
ويقال إن جونز تأثّر كثيرا في لوحاته بكتابات الفيلسوف النمساوي لودفيك ويتغنستين التي أعانته في محاولته فهم طبيعة المنطق الذي يربط بين الأشياء. وفي سبعينات القرن الماضي تعرّف إلى الكاتب الايرلندي المشهور سامويل بيكيت ووضع عدّة رسومات لكتاب الأخير بعنوان "إخفاقات". وقد تعامل جونز مع لغة بيكيت المكثّفة برسم سلسلة من الكلمات المتشابكة والغامضة.
وفي أعماله الأخيرة وثّق الرسّام جوانب من سنوات طفولته وصباه من خلال دمج صور لأفراد عائلته في لوحاته، في محاولة لاستعادة ذكريات وتجارب الماضي. وقد نُقل عنه ذات مرّة قوله إن كلّ ما يرسمه له ارتباط ما بسنوات طفولته المبكّرة.
وفي الوقت الذي ترتفع فيه أسعار لوحات جونز إلى أرقام قياسية، فإن معاني صوره ما تزال موضوعا للكثير من الجدل والنقاش. كما أنها كثيرا ما أثارت غضب وثناء النقّاد في آن واحد. وعندما سُئل في إحدى المناسبات عن معاني لوحاته قال: قد لا يكون هناك معنى. والمعنى قد يكون كامنا في عملية الرسم نفسها. وربّما لا يتجاوز المعنى حقيقة أن هناك لوحة".
جاسبر جونز يحتلّ اليوم المرتبة الثلاثين في قائمة الرسّامين الأغلى مبيعاً في العالم. وقبل حوالي عشر سوات، اشترى متحف المتروبوليتان بـ نيويورك لوحته بعنوان العلَم الأبيض مقابل أكثر من عشرين مليون دولار أمريكي.

لوحات عالميـة – 276

2011-01-05T05:44:00.000-08:00

شمـس الصـباح
للفنانة الأمريكية بوليـن بالمـر، 1920

من أهمّ انجازات الحركة الانطباعية هو أنها أفسحت المجال واسعا أمام المرأة كي تشتغل بالرسم. ويحتفظ تاريخ الانطباعية الفرنسية، على وجه الخصوص، بأسماء العديد من النساء اللاتي استطعن منافسة الرجال وأثبتن أنهنّ لسن بأقلّ موهبة واستعدادا من نظرائهن من الفنّانين الرجال.
وقد نجحت الرسّامات الانطباعيات في صياغة أسلوبهن الفنّي الخاصّ وتجاوز الأعراف والسلوكيات القديمة التي كانت تضع العراقيل في وجه اشتغال المرأة بالفنّ. ومن أشهر الأسماء النسائية التي برزت في أوساط المدرسة الانطباعية كلّ من بيرتا موريسو و إيفا غونزاليس وماري براكمون، وهنّ فرنسيات، بالإضافة إلى الأمريكيتين ميري كاسات وبولين بالمر.
كانت بولين بالمر واحدة من ألمع الرسّامات الأمريكيات اللاتي ظهرن في أوائل القرن الماضي. وقد عُرفت بكونها داعمة ومتبنّية بقوّة للمدرسة الانطباعية في الرسم. وحظيت بمؤازرة ودعم من والدها وزوجها اللذين شجّعاها على مواصلة تعليمها وصقل موهبتها.
ولدت بولين بالمر في ولاية الينوي الأمريكية ودرست الرسم في معهد شيكاغو للفنون. وكان من بين أساتذتها الرسّام الأمريكي المشهور وليام تشيس الذي نصحها بالذهاب إلى فرنسا لتنمية موهبتها والاطلاع على التجارب الفنّية الناشئة فيها.
وقد واتتها الفرصة في ما بعد للذهاب إلى باريس حيث درست على يد كل من كولين وكورتوا. كما عرضت لوحاتها في صالون باريس ونالت على بعضها عدّة ميداليات وجوائز.
وكانت بالمر قبل ذلك قد قضت سنوات طويلة في رسم الناس وتصوير مظاهر الحياة في مدينتها شيكاغو. ولوحاتها تتميّز بأناقة وجمال لافتين وتشي بموهبتها الكبيرة وبقدرتها الفائقة على الإمساك بالجمال الجسدي والسيكولوجي للناس وبالأجواء الداخلية للأماكن التي كانت ترسمها.
ولوحاتها تصوّر مواضيع مختلفة كالمناظر الطبيعية والشواطئ والحياة اليومية والبورتريه. وكانت توظّف في لوحاتها الأسلوب الواقعي حينا والانطباعي أحيانا.
وقد ربطتها علاقة صداقة مع عائلات الصيّادين الفقراء. وأصبح أفراد تلك العائلات موضوعا للعديد من لوحاتها.
بورتريهات بالمر تُعتبر أعظم انجازاتها. ومعظمها إما لنساء أو أطفال. وقد ركّزت في تلك البورتريهات على إبراز نقاء وبراءة الشخصية. في هذه اللوحة ترسم الفنانة صورة لامرأة تجلس في أولى ساعات الصباح أمام مرآة وتتفحّص هيئتها، بينما يتسلّل نور الشمس عبر زجاج باب خلفي. الألوان ناعمة ومتناغمة. وتأثيرات الضوء الطبيعي وامتزاجها بانعكاسات الألوان الحمراء والزرقاء والبيضاء والخضراء وتدرّجاتها تمنح انطباعا فنّيا عالي التوتر ومفعماً بالنور والشفافية.
النساء في معظم لوحات الرسّامة، ومنها هذه اللوحة، يظهرن بنظرات وملامح واثقة تعطي شعورا بالاستقلالية والاعتداد بالنفس، وهي فكرة ظلّت غالبا مقتصرة على الرجال دون النساء.
ويبدو أن بالمر، بحكم انتمائها إلى الطبقة الاجتماعية الرفيعة، كانت تستخدم لوحاتها لأغراض تمكين المرأة ودعم مكانتها في المجتمع، وفي الوقت نفسه انتقاد موضوع الجندر والأدوار التقليدية المناطة بكلّ من الجنسين. وهي أفكار كانت رائجة بين النساء وقتها.
على امتداد حوالي ربع قرن، ظلّت بولين بالمر تعرض لوحاتها في معهد شيكاغو للفنّ. وقد فازت بعدد من جوائز المعهد المرموقة. كما انتُخبت كأوّل فنّانة امرأة ترأس جمعية شيكاغو للفنّانين في العام 1918م.
وقبل ثلاث سنوات بيعت إحدى لوحاتها في مزاد في الولايات المتحدة بأكثر من مائة وعشرين ألف دولار. وفي السنوات الأخيرة ظهر كتاب يحمل عنوان "رسائل بولين بالمر" ويتضمّن مكاتبات الفنّانة مع والدتها والتي تشرح فيها بعض جوانب الحياة في شيكاغو في بداية القرن الماضي. كما تحكي في تلك الرسائل عن حياة عائلتها وأسفارهم الكثيرة في أوربّا.
توفيت بولين بالمر عام 1938 بالالتهاب الرئوي بينما كانت في رحلة إلى النرويج.
ولوحاتها تتوزّع اليوم على عدد من المتاحف والمجموعات الفنّية الخاصّة في أمريكا والعالم.

لوحات عالميـة – 275

2010-12-28T06:46:00.000-08:00

فتـيات علـى الجسـر
للفنان النرويجي إدفـارد مونـك، 1902

ما أن يُذكر اسم رسّام ما حتى تقفز إلى الذهن إحدى لوحاته باعتبارها الأشهر والأكثر رواجا. فـ دافنشي غالبا ما يرد اسمه مقرونا بـ الموناليزا. ومانيه بـ اوليمبيا. وكليمت بـ القبلة. وادوارد هوبر بـ صقور الليل. وبول سيزان بـ لاعبي الورق. وويسلر بلوحته عن والدته. وماتيس بـ العارية الزرقاء. وهكذا..
وما يحدث في غالب الأحيان هو أن اللوحة التي تعارف الناس على أنها الأكثر شهرة قد تحجب أعمالا أخرى للرسّام ربّما لا تقلّ عن تلك اللوحة إبداعا وتميّزا.
ادفارد مونك هو الآخر لا يتذكّره الناس إلا من خلال لوحته الأشهر "الصرخة". ومع ذلك، هناك من مؤرّخي الفنّ من يتساءلون عن السبب في أن "الصرخة" أصبحت أشهر لوحة لـ مونك، في حين أن لوحته هنا لا تقلّ عنها، إن لم تتفوّق عليها، من حيث جمالها وقوّتها التعبيرية.
"فتيات على الجسر" هي إحدى أشهر لوحات مونك. وقد رسمها أثناء إحدى اشدّ الفترات معاناة في حياته. غير أن تلك الفترة بالذات شهدت ولادة مجموعة من أكثر لوحاته نضوجا وعمقا. الرمزية القويّة في هذه اللوحة لها علاقة بلوحة مونك الأخرى رقصة الحياة. وهو من خلال هذين العملين كان يحاول استكشاف الأفكار التي تتناول مراحل تطوّر المرأة من النضوج إلى الشيخوخة فالموت.
كان إدفارد مونك يرسم ما يمكن تسميته باللوحات المزاجية أو الانفعالية. وكانت تلك سمة خاصّة بفنّ شمال أوربّا حتى نهاية القرن التاسع عشر. وقد تخلّى مونك عن الرسم في الهواء الطلق الذي كان مهيمنا على لوحات الطبيعة النرويجية، وفضّل أن يرسم الطبيعة وفق رؤية مشحونة انفعاليا وعاطفيا.
في هذه اللوحة اخذ الرسّام منظرا كان قد رآه من قبل في منتجع اوسكوشراند الصيفي يشبه المكان الذي رسم منه "الصرخة". وقد عاد إلى نفس المكان واستخدم القوّة التعبيرية للألوان والخطوط كي يحصل على لوحة أخرى ذات قوّة غنائية وشعرية كبيرة.
كان مونك يعرف المنطقة جيّدا بشاطئها الجميل وأشجار الزيزفون الوارفة فيها وأسوارها البيضاء التي تتوهّج مثل المصابيح في ليالي الصيف.
وقد سبق له وأن قضى عددا من عطلاته هناك، واستطاع أن يغمر نفسه في المكان بحيث تحوّل إلى انعكاس لتأمّلاته الداخلية الخاصّة.
في اللوحة يرسم الفنّان مجموعة من الفتيات يرتدين ملابس خضراء وحمراء وبيضاء وهنّ يقفن على جسر. والسياج الخشبي الذي يستندن إليه يمتدّ إلى خلفية المنظر حيث يقوم بيت صغير تنهض على احد أطرافه شجرة زيزفون ضخمة تظهر انعكاساتها في مياه النهر إلى جوارها على شكل خطوط متماوجة.
ملامح وجوه النساء غير واضحة. وهذا مؤشّر آخر على أن لوحات مونك لا تحكي قصصا بل تثير انفعالات وأمزجة متباينة. وظاهريا اللوحة تتحدث عن الطبيعة. لكنّها في الحقيقة تقود الناظر إلى طبيعة داخلية من المشاعر والانفعالات. وضربات الفرشاة القوّية والطلاء السميك يضيفان غموضا أكثر إلى الجوّ الانفعالي للوحة.
الجسم الدائري الأصفر الصغير الذي وضعه مونك في سماء اللوحة إلى أقصى اليسار ظلّ هو الآخر مثارا للجدل والتكهّنات. البعض قال انه شمس منتصف الليل. والبعض الآخر ذهب إلى انه قمر يوشك على الغروب. وثمّة من تساءل عن سرّ غياب انعكاس ضوء هذا القمر في مياه النهر.
كان مونك يتحدّث كثيرا عن الضوء الغامض للقمر في ليالي شمال أوربّا. وقد رسم الضوء الخافت هنا أيضا، كأنّما يحاول من خلاله أن ينزع عن الأشياء طابعها الفيزيائي ويضفي عليها معاني وسمات روحية. وقد يكون الضوء الغامض كناية عن ذكريات توشك أن تغرب وتتلاشى.
هناك أيضا شيء ما نبيل في طريق اختيار مونك للألوان. حتى الألوان الساطعة عادة كالأصفر والأخضر والأحمر والبرتقالي تبدو هنا مخفّفة وفاتحة، ما يضفي على اللوحة جوّا من الدفء الممزوج بشيء من الحنين.
النقّاد المعاصرون امتدحوا هذه اللوحة باعتبارها أكثر أعمال الفنّان نضجا. وهناك من وصفها بأنها طبيعة للخلاص ورغبة في العودة إلى عالم نظيف وصاف لا يسكنه سوى الأبرياء. كما قوبلت بحماس كبير في برلين عندما عرضها الرسّام هناك لأوّل مرّة.
وبالنظر إلى النجاح الكبير الذي حققته، عاد مونك إلى فكرتها مرارا ورسم منها على امتداد ثلاثين عاما 12 لوحة تحمل جميعها نفس العنوان. الغريب أن الأشجار والسياج والجسر والبيوت التي تظهر في اللوحة ما تزال إلى اليوم على حالها عندما رسمها الفنّان قبل أكثر من مائة عام.

لوحات عالميـة – 274

2010-12-22T02:55:00.000-08:00

الحقـل المحـروث
للفنان الاسباني خـوان مِيـرو، 1924

كان خوان ميرو احد أشهر الرسّامين السورياليين والتجريديين الإسبان في القرن العشرين. وقد عُرف بمشاهده ذات الطبيعة الطفولية والحالمة التي تتفجّر بالألوان والأشكال الجميلة.
وقد اختار أن يرسم هنا منظرا للمزرعة التي كانت تمتلكها عائلته في مقاطعة كاتالونيا. وعنوان اللوحة هو استعارة شعرية أراد ميرو من خلالها أن يعبّر عن نظرته المثالية لوطنه.
الجمال والفانتازيا اللذان يميّزان لوحات ميرو لا ينتميان لعالم الواقع. غير انه كان يجد دائما الإلهام في حبّه العميق لاسبانيا كما يبدو واضحا في بعض لوحاته المهمّة ومنها هذه اللوحة.
الأيقونات في هذا العمل كثيرة ومعقّدة. وقد اعتمد فيها على مصادر شتّى. وهي شهادة على اهتمام الرسّام بميراثه الفنّي الطويل.
الألوان الباردة والمتباينة تذكّر بألوان الجداريات الرومانية.
والحيوانات المتعدّدة الألوان استلهمها من أسلوب التطريز الاسباني في القرون الوسطى والذي وجد طريقه في ما بعد إلى أعمال السيراميك التي كان ميرو يجمعها ويحتفظ ببعضها في محترفه.
وبعض الأشكال الأخرى في الصورة استوحاها من رسومات كهوف ما قبل التاريخ التي رآها في بعض أنحاء اسبانيا.
العين التي تظهر في أعلى الشجرة الكبيرة إلى اليمين لها أصل في الفنّ المسيحي القديم. إذ جرت العادة أن تُرسم أجنحة الملائكة بحيث تتخلّلها عيون صغيرة وكثيرة. هذه العين، مع الأذن الكبيرة المثبّتة بجذع نفس الشجرة، تعكسان إيمان الرسّام بأن كلّ شيء في الطبيعة له روح وحياة خاصّة به.
"الحقل المحروث" تُعتبر أولى محاولات ميرو في الرسم السوريالي. وهي تكشف عن خيال الرسّام المجنّح من خلال محاولته جمع كل هذه الأشكال البشرية والحيوانية والنباتية في مكان واحد.
غير أن للوحة معنى سياسيا أيضا. فقد رسم فيها عَلَمَي فرنسا واسبانيا، وأضاف إليهما علما ثالثا هو علم كاتالونيا التي كانت تسعى في ذلك الوقت للانفصال عن الوطن الأمّ اسبانيا. وقد أراد من وراء تضمينه علَمها في الصورة إعلان مناصرته الواضحة للقضيّة الكاتالونية.
ولد خوان ميرو في برشلونة في نهاية القرن قبل الماضي لأبوين رسّامين. وقد نشأ في كاتالونيا التي كانت تشتهر بجمال طبيعتها وتقاليدها الفنّية العريقة، ومن ثمّ أصبحت بالنسبة له مصدر الهام أساسي لأعماله.
وقد تعلّم الرسم على يد فنّان يُدعى خوسيه باسكو علّمه تطويع الألوان ونمّى في نفسه حبّ النحت.
وفي ما بعد تعلّم في أكاديمية برشلونة. وبعد تخرّجه منها بدأ مزاولة الرسم. وكانت تغلب على أعماله الأولى النزعات الوحشية والتعبيرية. وفي مرحلة تالية أعجب بالسورياليين وبدأ يجرّب أساليبهم.
بعض رسومات ميرو يبدو فيها واضحا عشقه للشعر. وكان من عادته أن يستخدم الكلمات المكتوبة كعنصر لا يتجزّأ من اللوحة.
عندما اندلعت الحرب الأهلية الاسبانية كان الرسّام يعيش في باريس. وقد ظلّ هناك طوال سنوات الحرب مكتفيا بسماع أخبار الوطن عن بعد. ورغم انه لم يكن له ميول سياسية محدّدة، إلا انه كان يعبّر عن قلقه على مصير بلده من خلال الرسم. وقد رسم وقتها عدّة لوحات استخدام فيها ألوانا قاتمة تعكس حزنه وقلقه.
عُرف عن ميرو انه كان إنسانا متواضعا ومنضبطا وقليل الكلام. وعلى عكس الكثير من الرسّامين في عصره، لم يكن هناك في شخصيّته ما يشي بكونه بوهيميّا أو فوضويّاً.
ورغم شهرته العالمية، لم تكن حالته المادّية ميسورة دائما. وبعد أن عاد إلى اسبانيا عام 1940 اختار بالما دي مايوركا مكانا دائما لإقامته وشيّد فيها فيللا خاصّة راعى في تصميمها الطراز المعماري الحديث الذي كان شائعا في الخمسينات.
وقد عاش خوان ميرو إلى أن بلغ التسعين. وتوفّي في ديسمبر من عام 1983م.
وفي ما بعد جرى تحويل منزله إلى متحف يحمل اسمه.

لوحات عالميـة – 273

2010-12-19T03:37:00.000-08:00

أرض الحليـب والعسـل
للفنان الهولندي بيـتر بـريغــل، 1567

في القرون الوسطى، كان الناس في أوربّا يعتاشون بشكل رئيسي على الزراعة وما تنتجه الأرض من محاصيل وثمار. وكان العمل في الأرض مجهدا ويتطلّب الكثير من المشقّة والتعب.
من جهتهم، كان رجال الدين يحثّون الناس على الزهد في الدنيا والتطلّع إلى ما ينتظرهم من نعيم مقيم بعد الموت، بينما يتمتّعون هم بالثروة والسلطة المطلقة وتوزيع صكوك الغفران على الفقراء.
في ذلك الوقت، ظهرت أسطورة تحكي عن مكان خيالي يقال له كوكين أو ارض الحليب والعسل. تقول تلك الأسطورة انه من اجل بلوغ ذلك المكان يلزم الإنسان أن يعبر نهرا عصيّا وقذرا. وكلّ من يجتاز ذلك النهر بنجاح، ينتهي به المطاف في ارض تتدفّق في جنباتها أنهار من الزيت والحليب والنبيذ مكافأة له على صبره وعزيمته. وفي تلك الأرض تتوفّر كلّ سبل الراحة والرفاهية ويجد الإنسان طوع يده كلّ ما يحتاجه من صنوف المتع والخيرات.
وفيها أيضا بإمكان الإنسان أن ينسى قسوة الحياة الزراعية التي ألفها الناس في أوربّا آنذاك. وفي ارض كوكين لا حاجة للإنسان لأن يعمل لكسب كفافه أو لقمة عيشه. فالطعام وفير والسماء تمطر سمْناً ولبَناً. والإوز المشويّ يطير مباشرة إلى فم الإنسان. والسمك المطبوخ يقفز خارج الماء ليحطّ عند قدمي طالِبه. والطقس دائما معتدل والنبيذ يفيض دون حساب.
وفي ارض كوكين لا حاجة لأن يكافح الإنسان ويكدّ. بل إن الإنسان ممنوع من العمل أصلا. ولا توجد قيود اجتماعية من أيّ نوع. وجميع الناس يستمتعون بالشباب الأبدي والحياة السرمدية. والحرّيات الجنسية متوفّرة للجميع. بل إن الراهبات لا يتحرّجن عن الكشف عن مؤخّراتهن على الملأ.
وقد راج الحديث عن ارض كوكين في الكثير من الأشعار والقصائد في ذلك الوقت. وفي ما بعد استلهمها الموسيقيّ البريطاني إدوارد إلغار في احد أعماله الموسيقية. وكانت الفكرة تختصر رغبة الإنسان في تحقيق أحلامه وتعكس تبرّمه من حياة التقشّف وانتظار الموت التي كان ينصح بها رجال الاكليروس.
وكان لتلك الأرض مُعادِل في كلّ الثقافات الأوربية. لكنّها جميعا تؤدّي نفس المعنى تقريبا. كانت كوكين نوعا من الجنّة الموعودة أو اليوتوبيا. كما يمكن تشبيهها بقارة اتلانتيس المفقودة أو آلدورادو الأسطورية.
رَسَم ارض الحليب والعسل الخيالية فنّانون كثر من بينهم فرانشيسكو دي غويا. وهناك من رسمها على هيئة مدينة بُنيت منازلها من الكعك والسكّر بينما رُصفت شوارعها بالمعجّنات. والناس فيها لا شغل لهم، بل هم مضطرّون للكسل والسكون لأنهم يجدون جميع ما يطلبونه دون تعب أو عناء.
بيتر بريغل رسم ارض الحليب والعسل في واحدة من اغرب لوحاته وأكثرها سخرية. فهو هنا يصوّر ثلاثة أشخاص: عالم وجندي ومزارع، وهم مستلقون على الأرض ويحدّقون في جذع شجرة ضخمة عليها آنية ملأى بالأطعمة. الجندي "الأوّل إلى اليمين" يُرى وهو يفتح فمه بانتظار دجاجة مشويّة تطير باتجاهه في طبق.
وإلى يمين اللوحة رسم الفنان خنزيرا تمّ إلصاق سكّين في ظهره لتسهيل عملية ذبحه وأكله. وإلى يسار اللوحة نرى رجلا جالسا في حانوت، وفوق سطح الحانوت وعلى جانبيه اصطفّت أنواع الأكل والمؤن المعروضة بالمجّان لمن يريدها.
بيتر بريغل يتمتّع في الرسم الأوربّي بمكانة خاصة ورائدة. فهو أوّل فنان أوربّي يرسم الثلج المتساقط في لوحاته. وهو أشهر رسّام تحتشد لوحاته بأعداد ضخمة من البشر. وفي إحدى تلك اللوحات، يمكن إحصاء أكثر من مائتي طفل حشرهم جميعا على رقعة الرسم.
وأعمال بريغل إجمالا تتميّز بواقعيتها الشديدة. وقد وصف في بعضها تعاقب الفصول وصوّر الإنسان فيها كجزء من الطبيعة. كما رسم الفلاحين في أوقات صفوهم ولهوهم. ولوحاته الأخرى تصوّر الشياطين والموت. وهناك من يقدّر عدد لوحاته المعروفة اليوم بأكثر من أربعين لوحة.

لوحات عالميـة – 272

2010-12-15T03:30:00.000-08:00

وسَط أبيض "اصفر ووردي ولافندر على زهري"
للفنان الأمريكي مـارك روثـكـو، 1950

هذه اللوحة تُعتبر احد أشهر الأعمال الفنّية ونموذجا للفنّ الأمريكي الحديث. وقد سجّلت رقما قياسيا عالميا عندما بيعت في مايو عام 2007 في مزاد في لندن بأكثر من 72 مليون دولار أمريكي. وتبيّن في ما بعد أن المشتري المجهول كان أمير دولة قطر. وقد اشترى الأمير وزوجته أيضا في نفس المزاد لوحة فرانسيس بيكون دراسة للبابا اينوسنت العاشر بمبلغ 53 مليون دولار.
مارك روثكو، واسمه الحقيقي ماركوس روثكوفيتش، هو احد أهمّ الرسّامين في القرن العشرين. كما انه رائد ما يُسمّى بأسلوب المجالات اللونية في التعبير التجريدي.
وقد ولد الرسّام في لاتفيا في منطقة بحر البلطيق عام 1902م. وبعد عشر سنوات من ولادته، هاجرت عائلته إلى الولايات المتحدة.
كان روثكو معجبا بـ دوستويفسكي. كما كان مطّلعا على أفكار نيتشه وعلى الميثولوجيا الإغريقية. وفنّه يتسم بالمضامين الانفعالية التي راكمها من خلال تجريبه للعديد من الأساليب الفنّية، من السوريالية إلى الفنّ الميثي إلى البدائي، إلى أن توصّل إلى أسلوبه الخاصّ والمسمّى بالتعبير التجريدي.
وكان أوّل من استخدم هذا المصطلح، أي التعبير التجريدي، الناقد الأمريكي روبرت كوتس عام 1945م. وقد وصف احد النقّاد أتباع هذه المدرسة أو الأسلوب بأنهم يفضّلون التعبير على الإتقان، والمجهول على المعلوم، والغامض على الواضح، والفرد على المجموع، والداخلي على الخارجي.
هذه اللوحة هي أوّل عمل كبير في أسلوب روثكو المشهور والذي ابتكره في شتاء عام 1948م. وفيه نرى كتلا من الألوان المتكاملة مرتّبة أفقيا على رقعة قماش. وقد اعتمد الرسّام على إضافة طبقة فوق طبقة من الطلاء السميك لإنتاج مجال كثيف من الألوان والأشكال المتشابكة.
وقسّم اللوحة من فوق إلى تحت إلى مستطيلات أفقية قوامها الألوان الأصفر والأبيض والوردي واللافندر والزهري. وحاول خلق توازن متناغم بين اللون والشكل من خلال الأشكال المستطيلة الطافية الممثّلة بألوان ذات حوافّ ناعمة. اللون الأبيض المضيء يهيمن على وسط اللوحة. ويبدو كما لو انه يفيض على خلفية من اللون الأحمر الفاتح.
روثكو كان مفتونا على وجه الخصوص باللون الأحمر. وقد اهتمّ به لقوّته وحركيّته ولقدرته على إثارة الارتباطات الانفعالية والعاطفية.
أعمال الرسّام يغلب عليها التأمّل، كما أنها توحي بأجواء وأمزجة مختلفة. وبعضها يقتضي من المتلقّي وقتا أطول في النظر والتأمّل كي يكون مشاركا فيها بفاعلية. أي أن الأفكار والخبرات الفردية عن اللون والضوء تصبح جزءا من العمل.
تتّسم لوحات روثكو أيضا بمساحاتها الكبيرة وبألوانها وتقسيماتها المتعدّدة. وقد أحبّ لوحاته الكثيرون حول العالم وبيع بعضها بعشرات الملايين. لكن بعض منتقديه يذهبون إلى القول إن مساعيه في التعبير عن الأفكار المتسامية كانت طموحة أكثر ممّا ينبغي. بينما يعتبر آخرون أعماله مملّة أو خالية من المضمون.
ورغم أن روثكو بدأ بتجريب الألوان الحيوية والغنيّة في لوحاته المبكّرة، إلا انه انتقل بعد ذلك إلى ألوان أكثر خفّة وبرودة. وكانت تلك في رأي البعض علامة على اكتئابه المتزايد.
في الأعوام الأخيرة من حياته، أصبح روثكو يتناول الكحول بإفراط ويدخّن بشراهة، كما أسلم نفسه لنوبات طويلة من الاكتئاب.
وفي احد أيّام شهر فبراير من عام 1970 أقدم مارك روثكو على الانتحار وهو في سنّ السادسة والستّين. وتبيّن انه كان قد تناول جرعة زائدة من الحبوب المنوّمة ثم عمد إلى قطع شريان يده بموس حلاقة.
وقبيل وفاته بوقت قصير، تعاقد معه مطعم في نيويورك ترتاده النخب الرفيعة عادة على أن يرسم ستّ لوحات كي تزيّن القاعات الداخلية للمطعم. وعندما فرغ روثكو من رسمها، تراجع عن الاتفاق. وقيل وقتها انه رفض أن تصبح لوحاته مادّة لتسلية الأغنياء وأفراد الطبقة الحاكمة. وفي ما بعد، تبرّع باللوحات لمتحف تيت البريطاني.
والمفارقة انه في يوم وصولها إلى لندن، وُجد الرسّام ميّتا في منزله بـ نيويورك.
يمكن القول إن لوحات مارك روثكو ليست للتسلية أو الاسترخاء. كما أنها لا تحمل أيّ رسائل. والبعض يراها كالنوافذ التي تسمح للناظر أن يطلّ على عوالم الروح. وهذه الأيّام أصبح اقتناء لوحة من لوحاته يُعتبر حلما بالنسبة للمتاحف وأصحاب المجموعات الفنّية الخاصّة.

لوحات عالميـة – 271

2010-12-08T22:22:00.000-08:00

تذكير آثاري بـ صلاة ميلليه
للفنان الإسباني سلفـادور دالــي، 1935

كان دالي مفتونا كثيرا بلوحة الرسّام الفرنسي جان فرانسوا ميلليه بعنوان صلاة. وكان قد رأى اللوحة لأوّل مرّة في المدرسة عندما كان طفلا. وتطوّر ذلك الإعجاب بعد ذلك لدرجة أن دالي قرّر رسم تلك اللوحة بعد إضافة رؤيته الخاصّة إليها.
اللوحة الأصلية تصوّر مزارعا وزوجته يقفان في حقل ويؤدّيان صلاة خاصّة وقت الظهيرة. ويظهر الزوجان وهما يصلّيان بخشوع وإلى جوارهما عربة بداخلها جثمان طفل مسجّى.
لوحة دالي هي تنويع على نفس الفكرة مع بعض التحوير. فالحقل في هذه اللوحة يستحيل إلى طبيعة صحراوية قاحلة. والمزارع وزوجته يتحوّلان إلى عامودين أثريين شاهقين. بينما يختفي أيّ اثر للطفل. لكن دالي يضيف إلى المشهد صورة رجل يمشي ممسكا بيد طفل. وعلى الأرض تتناثر قطع من العمودين اللذين ما يزالان يحتفظان بهيئة وقوف الرجل والمرأة في اللوحة الأصلية.
ويقال أن دالي استلهم طبيعة اللوحة من بعض الآثار الرومانية التي اعتاد رؤيتها بالقرب من بيت العائلة. وهناك في اللوحة ثيمة مألوفة في رسومات دالي في تلك الفترة تتمثّل في الرجل الذي يمسك بيد طفل. ومن المعروف أن دالي كانت تربطه بوالده علاقة كان يشوبها الكثير من التوتّر والنفور.
كان دالي يمرّ بفترة عصيبة آنذاك نتيجة لتردّي علاقته مع والده. كان الأب يشعر بخيبة أمل بسبب اختيار ابنه لمهنة الرسم وبسبب سلوك الابن الغريب واحتقاره للأعراف والقيم التقليدية. نفورهما المتزايد من بعضهما دفع دالي للإحساس بأن والده بدأ يتخلّى عنه في مرحلة البحث عن الذات. وفكرة استبعاد دالي للطفل الميّت من لوحته وتعمّده رسم نفسه برفقة والده ربّما تكشف عن هواجسه وخوفه من الموت. وهناك احتمال بأن هذه الجزئية ربّما تمثل رغبة دالي في جسر الهوّة التي تفصله عن والده.
منظر السماء الحزينة وتكوينات السحب الغامضة والتماثيل المتصدّعة والطيور المحلّقة في الأفق، كلّ هذه العناصر يمتزج فيها الحلم بالذاكرة وتسهم في تعميق الجوّ السوريالي المخيف للوحة وتترك شعورا بأن شيئا ما على وشك أن يحدث.
ورغم أن مضمون اللوحة سوريالي بوضوح، إلا أن جميع عناصرها وتفاصيلها منفّذة بأسلوب واقعي.
لوحة ميلليه تركت أثرا عميقا على دالي وظلّت تؤرّقه منذ صغره. لكنه هنا يتجاهل معناها الواضح. وهو لم يكن مهتمّا من الأساس بمضمونها الديني أو الأخلاقي. وكلّ ما كان يثير اهتمامه انه رآها مرّات كثيرة وظلت ماثلة في وعيه منذ أن كان طفلا. لكن الشخصين فيها اختفيا وتحوّلا مع مرور الزمن إلى جزء من معمار الرسّام العقلي والذهني.
اقتباس دالي لأعمال رسّامين آخرين بدأ مع وصوله إلى الولايات المتّحدة. ولكي يؤجّج حماس وتعاطف جمهوره الأمريكي مع فنّ عصر النهضة، رسم أعمالا من وحي كبار رسّامي ذلك العصر مثل رافائيل وديورر وغيرهما.
أما بالنسبة لـ جان فرانسوا ميلليه، فقد كان جزءا من الحركة الواقعية في الرسم. وقد رسم لوحته عام 1858م. وهي تعتبر من بين أكثر الأعمال الفنّية شهرة واحتفاءً.

لوحات عالميـة – 270

2010-12-01T21:12:00.000-08:00

بورتـريـه شخصـي
للفنانة الروسية زينـيدا سيـريبـريكـوفا، 1910

تنحدر زينيدا سيريبريكوفا من عائلة ارستقراطية جاءت إلى روسيا من اوكرانيا. وقد مرّت عائلتها بظروف صعبة زمن الثورة الروسية ففقدت عددا من أقاربها كما عانت من التشرّد والفقر. وفي منتصف عشرينات القرن الماضي تمكّنت الفنّانة من الهرب إلى فرنسا حيث عاشت في باريس إلى حين وفاتها.
والد سيريبريكوفا كان نحّاتا مشهورا وأمّها كانت رسّامة. وفي بداياتها تلقّت دروسا في الرسم على يد الرسّام الكبير ايليا ريبين قبل أن تذهب إلى ايطاليا ومن ثمّ إلى فرنسا حيث درست في كليّة الفنون الجميلة.
وبعض النقّاد يعتبرونها أوّل رسّامة روسية كبيرة. فقد كانت تتمتّع بموهبة فائقة وغير عادية. وكان من عادتها أن توقّع لوحاتها بالحرف الأوّل من اسمها. وفي كافّة أعمالها كانت سيريبريكوفا تحاول إظهار جمال العالم والتعبير عن نفسها ومشاعرها الخاصّة.
وهذا البورتريه الذي رسمته لنفسها يمكن اعتباره تأكيدا لموهبتها وبداية لاعتراف الجمهور والنقاّد بها كرسّامة. وفيه رسمت نفسها في غرفة زينتها الصباحية.
في الغرفة المليئة بظلال اللون الأبيض تبدو الفنّانة بعينين مشعّتين ونظرات دافئة وودودة. وهناك شموع وطاولة لتصفيف الشعر وأدوات زينة أخرى. الصورة فيها بساطة وحميمية. كما أنها تعطي انطباعا بأن البورتريه رُسم لدائرة صغيرة من العائلة. جوّ اللوحة مبهج أيضا، ويقال إنها السبب في ذيوع شهرتها في روسيا عندما تمّ عرضها هناك عام 1910م.
ويبدو أن اللوحة رُسمت في ذروة الأزمة الروحية التي مرّ بها المثقّفون الروس بسبب فشل ثورة عام 1905، أي الفترة التي شهدت انكسار الأحلام والتحرّر من الوهم وفقدان الثقة بالروح الإنسانية.
وقد بلغت الرسّامة أوج شهرتها في عشرينات القرن الماضي عندما رسمت سلسلة من اللوحات التي تصوّر الريف الروسي والحياة الزراعية التي كانت تحبّها كثيرا.
لكن عندما اندلعت الثورة البلشفية عام 1917 تغيّرت حياتها فجأة. فبعد الثورة بعامين مات زوجها في السجن تاركا لها أربعة أطفال بعد أن نُهبت أو صودرت جميع ممتلكاتهم وتُركوا فريسة للجوع والفقر.
وبعد ذلك بسنوات ذهبت سيريبريكوفا الى باريس حيث درست فيها فنّ عصر النهضة، وكانت تتردّد على اللوفر لمعاينة أعمال كبار رسّامي عصري النهضة والباروك.
ولوحاتها عن الطبيعة تمثّل انعكاسا لشخصيتّها المحبّة للجمال في الطبيعة وفي البشر. وليس في تلك اللوحات ما يشير إلى الحرمان الاقتصادي والاضطراب السياسي الذي شهده بلدها في ذلك الوقت.
لكن تلك اللوحات كانت تفتقر إلى عنصر مهمّ، هو ارتباط الرسّامة بالشيء الأعزّ على قلبها، أي وطنها وأبنائها. وقد حاولت العودة إلى روسيا حيث والدتها وأبناؤها الأربعة فلم تستطع.
وبعد ستّ وثلاثين سنة في فرنسا، استطاع اثنان من أبنائها زيارتها في باريس لأوّل مرّة. وأرادت إحضار الباقين فلم تستطع. لكنها حصلت على الجنسية الفرنسية في ما بعد.
وقد سافرت زينيدا سيريبريكوفا إلى شمال أفريقيا وأعجبت بطبيعة المغرب ورسمت جبال الأطلس ونساءً عربيّات بأزيائهن التقليدية.
ويقال إن أهمّ أعمالها هي لوحاتها العارية التي مزجت فيها بين الجمال الكلاسيكي والحداثة.
وقد توفّيت سيريبريكوفا عام 1966 في منزلها بـ باريس عن عمر ناهز الثمانين ودُفنت في المقبرة الروسية في باريس.
وقبل رحيلها بعام واحد احتُفل بها في روسيا كأحد أعظم الرسّامين الروس.
وتنفيذا لوصيّتها اُعيد عدد كبير من لوحاتها إلى روسيا واستقرّ جزء مهمّ منها في متحف تريتياكوف.

لوحات عالميـة – 269

2010-11-24T09:12:00.000-08:00

وقـت للموسيقـى
للفنان الفرنسي لـوي جوستـان ايكـارت، 1934

في لوحات ايكارت نلمس بوضوح تأثيرات من مونيه وديغا وأحيانا غوستاف مورو. غير أن من الصعب تصنيفه ضمن الحركات الفنّية الحديثة التي كانت سائدة في ذلك الوقت، إذ لم يُعرف عنه تعاطفه أو انجذابه إلى أيّ منها.
وأعماله بشكل عام تقدّم صورة لما كانت عليه باريس ونيويورك في عشرينات وثلاثينات القرن الماضي. ومشاهده الباريسية، خاصّة، يمكن اعتبارها توثيقا لطبيعة وأسلوب الحياة في فرنسا في ذلك الوقت.
كان ايكارت متخصّصا في رسم النساء الارستقراطيات. ومن خلال ذلك كان يحاول الإمساك بجوهر الأنوثة. والنساء يظهرن في لوحاته مرتديات ملابس فخمة واكسسوارات أنيقة وهنّ يتّكئن على أرائك وثيرة أو يخطين خارج عرباتهنّ أو يهمسن في أذن صديق على العشاء أو يمشين برفقة كلابهنّ، بينما تفيض وجوههنّ بالصحّة والنضارة .
في هذه اللوحة يرسم ايكارت أربع نساء يتدرّبن على عزف الموسيقى داخل غرفة. ألوان ملابس النساء ناعمة ومتناغمة مع ألوان ديكور المكان الذي يجلسن فيه. توزيع الضوء والظلّ في اللوحة يضيف إلى المشهد إحساسا بالرومانسية والرقّة. وملامح الوجوه هنا تذكّر إلى حدّ ما بملامح النساء اللاتي يظهرن في لوحات تمارا دي ليمبتسكا.
وعندما تتمعّن في هذه الصورة لا بدّ وأن تستنتج أن هؤلاء النساء يعشن في عالم بلا أطفال ولا ينشغلن بأداء أعمال منزلية روتينية من قبيل ما تفعله معظم النساء عادة.
كان ايكارت يعرف كيف ينظر إلى المرأة، ومن ثم يوصل فكرته أو انطباعه إلى الورق. كما انه لم يكن يستغلّ النساء كما فعل رسّامو القرن العشرين عندما جردّوها من ملابسها.
ولد لوي جوستان ايكارت في تولوز بجنوب فرنسا التي كانت حاضنة للكثير من الأدباء والفنّانين في ذلك الوقت. وكانت اهتماماته عديدة ومتنوّعة. فمنذ صغره أبدى اهتماما بالموضة والأزياء. كما كان يعرف في الكيمياء وفي تقنيّات الصقل. وقد وظّف هذه المعرفة في رسم لوحاته ومن ثمّ معالجتها كيميائيا ثمّ نقلها إلى أطباق النحاس كي ينتج النوعية التي يريدها.
كانت لوحاته مشهورة جدّا في زمانه وكان الطلب عليها كبيرا، خاصّة من قبل جامعي التحف الفنّية. وفي أمريكا ألهمت رسوماته قصائد شعر وروايات وكانت تروق للباحثين عن تحف فنّية نادرة من الأمريكيين. لذا عرف الرسّام الغنى في حياته وكوّن ثروة كبيرة. وفي عام 1914 التقى إحدى أجمل العارضات في باريس ثم أصبحت زوجته وملهمته خلال ما تبقّى من حياته.
في تلك الفترة، أي في مطلع عشرينات القرن الماضي، ظهر لأوّل مرّة مصطلح الفنّ الديكوري الذي أصبح ايكارت احد رموزه المهمّة.
وقد خدم الرسّام في جيش بلاده أثناء الحرب العالمية الأولى، لكنّه كان يركّز على الرسم، لا على فنون الحرب. وبعد انتهاء الحرب افتتح له محترفا في باريس وبدأ يبيع لوحاته على أفراد ينتمون غالبا إلى طبقة النخبة.
تصوير ايكارت للنساء حسّي لكنه لم يكن يخلو من روح المرح والدعابة أحيانا.
كما أن بعض لوحاته حالمة جدّا وبعضها الآخر مستفزّة نوعا ما.
بعد عام 1940 تحوّل الرسّام إلى مواضيع أكثر جدّية فرسم لوحات تصوّر فظائع الاحتلال النازي لـ باريس.
وما تزال أعماله من بين أكثر ما يطلبه جامعو التحف الفنّية. لكن المشكلة أن أكثر لوحاته المتوفّرة اليوم مزيّفة وليست أصيلة.
ومع تجدّد الاهتمام بالفنّ الديكوري، انتعش الطلب على أعماله كما ألّف كتاب عن حياته وفنّه.

لوحات عالميـة – 268

2010-11-17T15:14:00.000-08:00

منظـر للغسَـق مع ضـوء قمـر واهـن
للفنان الروسي إيـسـاك ليفـيتـان، 1899

يعتبر ايساك ليفيتان احد أعظم رسّامي الطبيعة الروس. ولوحاته تتميّز بسحرها وشاعريّتها. كما أنها تثير الحزن أو التأمّل من خلال تصويرها للطبيعة الرعوية التي تخلو غالبا من حضور الإنسان.
كان ليفيتان يحبّ الطبيعة ويقدّرها كثيرا. ولوحاته لا تخلو من صور لجسور وأديرة وقوارب وممرّات تقود الناظر إلى شطآن ذهبية بعيدة.
وقد اكتشف الفنّان سحر الطبيعة الروسية ورسمها وصوّر جمال الأنهار والشواطئ وأحزان الخريف ونداءات الربيع الغامضة. وسجّل كلّ هذا بطريقة لا تختلف كثيرا عمّا كتبه شعراء وكتّاب روسيا الكبار أمثال بوشكين وتورغينيف وغوغول، وهو ما اكسب لوحاته جاذبيّة عالمية.
في هذه اللوحة الجميلة يرسم ايساك ليفيتان صورة للطبيعة وقت الغسق وتحت ضوء قمر خافت. وفي اللوحة يظهر بوضوح تأثّر الرسّام بالأسلوب الانطباعي من خلال الفرشاة الديناميكية والألوان الساطعة والمتوهّجة. وقد رسم اللوحة بعد عودته من باريس التي اكتشف فيها عالم الانطباعيين.
أضواء المساء، وأحيانا أضواء الصباح الباكر، هي احد الموتيفات التي ظلّ ليفيتان يرسمها باستمرار. وكثرة الأضواء في لوحاته ربّما تشي بأنه كان إنسانا سعيدا بالرغم من حياته القصيرة.
كان ليفيتان يؤمن بأن الإنسان خُلق من اجل الطبيعة، وليس العكس. وقد كان ميّالا إلى مزج جمال الطبيعة بالمشاعر المتناقضة التي تعتري روح الإنسان.
وبعض لوحاته لا تخلو من مناظر لقرى مبعثرة وسط التلال وحقول محروثة وغيوم بيضاء منخفضة تثير إحساسا بالسلام والطمأنينة وتشعِر الناظر برحابة الطبيعة وضآلة الإنسان وسط مساحات الماء الأزرق الذي يغمر كلّ شيء.
كان ليفيتان دائم البحث عن إجابات لتأمّلاته وتساؤلاته الفلسفية العميقة حول معنى الوجود الإنساني والقدَر ومكان الإنسان في العالم. وبعض لوحاته تنطوي على رمزية ما. في إحداها، يرسم جزيرة صغيرة بين السماء والماء تتعرّض للرياح من جميع الاتجاهات، بينما تظهر مقبرة مهجورة وكنيسة تبدو في نافذتها شمعة تجاهد للبقاء مشتعلة.
كان الرسّام دائم التردّد على منطقة الفولغا التي اعتاد أن يقضي فيها فصلي الربيع والصيف من كلّ عام. هناك أمكن لموهبته أن تنمو بسبب الفراغات الكبيرة التي يفيض فيها النهر، ما ألهمه رسم مناظر معبّرة ومملوءة بمشاعر الضوء والفرح. تنظر إلى بعض تلك الصور فتشعر بقوّة الريح التي تدفع الغيوم في السماء وتعبث بماء النهر.
عانى الفنّان من الفقر والحرمان معظم حياته. وجرّب مرارة اليُتم عندما توفّي والده وأمّه وهو بعد في سنّ صغيرة. لكنه اظهر منذ الصغر ميلا قويّا للرسم فدخل كلّية موسكو للفنون الجميلة ودرس على يد فاسيلي بيروف. وفي ما بعد طوّر أسلوبه الخاصّ في الرسم. وقد ربطته بالكاتب انطوان تشيكوف علاقة صداقة استمرّت حتى وفاة الثاني.
عانى ليفيتان من مرض القلب ومات قبل أن يكمل عامه الأربعين ولم يترك وراءه زوجة أو أطفالا. وإنفاذا لوصيّته، دُفن إلى جوار ضريح تشيكوف. وكان قد مُنح قبيل وفاته لقب أستاذ من أكاديمية سانت بيترسبيرغ.
وبعض لوحاته هي اليوم من ضمن مقتنيات متحف تريتياكوف، بينما يستقرّ عدد من لوحاته الأخرى في منزله على ضفاف نهر الفولغا والذي تمّ تحويله في ما بعد إلى متحف يحمل اسمه.

لوحات عالميـة – 267

2010-11-10T17:55:00.000-08:00

آنيـة الخـزف
للفنّان الصيني تشـي تشـويـو، 1979

بلغ من شهرة هذه اللوحة وانتشارها انه بيع منها داخل الصين وخارجها أكثر من عشرة ملايين نسخة.
وبسبب انتشارها الكبير دخلت اللوحة تاريخ الفنّ الصيني من أوسع أبوابه. وهي مألوفة جدّا، مع أن الكثيرين لا يعرفون اسم الفنّان الذي رسمها.
وإلى هذه اللوحة بالذات يعود الفضل في شهرة الرسام تشي تشويو. لكنّها في نفس الوقت سبّبت له العديد من المشاكل، بسبب تعرّضها للقرصنة والتزوير واستنساخها بكمّيات كبيرة وبشكل غير قانوني، في ظلّ عدم وجود قانون في الصين يحمي الحقوق الفكرية في ذلك الوقت.
لوحات تشويو تستمدّ مواضيعها وأفكارها من أساليب الرسم الصين الكلاسيكي مع مزجها ببعض الأساليب الغربية.
ومعظم لوحات الرسّام تصوّر نساءً صينيات حديثات، مع خلفيات من مناظر الطبيعة. والنساء في لوحاته يبدين على قدر من الجمال والبساطة والنبل والأناقة، وأحيانا البراءة.
وغالبا ما يضيف الرسّام إلى مناظره عناصر غربية كي يجعلها أكثر تقبّلا لدى المتلقّي الغربي.
ومن الواضح انه يولي عناية فائقة للألوان والتباينات، بالإضافة إلى اهتمامه بإعادة تشكيل الشعر والملابس والاكسسوارات التي يضمّنها لوحاته في محاولة للمزاوجة بين الأذواق الكلاسيكية والحديثة. لكنّه في جميع الأحوال يُبقي على الملامح الصينية الصميمة لنسائه.
ولد تشي تشويو عام 1961 في مدينة غواندونغ وتخرّج من كلّية الفنون الجميلة في غوانزو. وفي ما بعد، درس على يد أشهر الرسّامين في هونغ كونغ والصين. كما عرض لوحاته في تايوان وسنغافورا وأمريكا وفرنسا وعمل محاضرا وأستاذا جامعيا في العديد من الجامعات الصينية والأمريكية.
وتشويو نموذج للفنّان الذي لا تنفصل حياته عن فنّه. وهناك من يشبّه لوحاته بالشعر الكلاسيكيّ الصيني. وقد حاز شهرة عالمية هي نتاج سنوات طويلة من الاكتشاف والممارسة والبحث الدائم عن الكمال.
في هذه اللوحة يرسم تشويو فتاة عارية جزئيا وذات شعر اسود وهي تحمل آنيّة فخّارية وتنظر إلى البعيد، بينما يبدو خلفها منظر لبحر وصخور.
اهتمام الرسّام بتعبيرات الوجه وتفاصيل الملابس والألوان واضح. وهناك أيضا طريقته البارعة في تمثيل الماء والأمواج والصخور. ملامح الفتاة نفسها لا تخلو من براءة. وما يعمّق هذا الإحساس نظراتها التي لا تخلو من تأمّل وحزن.
استُخدمت هذه اللوحة في العديد من الإعلانات كما وُضعت في الفنادق والبارات وصالونات التجميل والمطاعم. وفي بعض الأحيان أخضعت الصورة لعمليات مونتاج استُبدلت فيها الجرّة بلوازم كهربائية أو بثمار فاكهة وألبست المرأة حمّالات صدر.
تشي تشويو لا يرسم جمال المرأة فحسب، بل يستحضر عالمها الداخلي إلى لوحاته. وبشكل عام، يمكن اعتبار لوحاته دراسة بصرية للتحوّلات الاجتماعية التي مرّت بها المراكز الحضرية في الصين منذ الثورة الثقافية التي كان الرسّام معاصرا لها.
كما يمكن القول إن هذه اللوحات تحكي عن قوة وسيرورة الزمن. فالمنظر الصحراوي الذي يختاره خلفيّة للوحة ربّما كان ذات يوم مرجا أو سهلا اخضر، أو العكس.
تشي تشويو، على الرغم من شهرته، شخص عُرف ببساطته وتواضعه. فهو لا يدخّن ولا يشرب الكحول ولا يقتني سيّارة ولا منزلا فارها. وهاجسه الوحيد ظلّ على الدوام غموض المرأة ومحاولة رسمها بصورة قريبة من الكمال.
وممّا يلفت الانتباه حبّ الرسّام الجارف للشعر والموسيقى. ربّما لهذا السبب يتعمّد اختيار أسماء شاعرية للوحاته مثل مسافرة، حلم، الإوزّة الصغيرة، طريق الحرير، وفتاة من الجنوب.

موضوع ذو صلة: الصين الجميلة

لوحات عالميـة – 266

2010-11-03T14:08:00.000-07:00

عمّال يقشرون أرضيّة خشبية لغرفة
للفنان الفرنسي غوستـاف كايـّيـبـوت، 1875

لم يدم اشتغال غوستاف كايّيبوت بالرسم سوى فترة قصيرة نسبيّا. ومع ذلك فقد ترك عددا لا بأس به من اللوحات الرائعة ما بين بورتريهات ومناظر للطبيعة، بالإضافة إلى صوره الشاعرية الجميلة عن مظاهر الحياة في المدينة.
اهتمام هذا الرسّام بتصوير الأمكنة والأنشطة الاجتماعية دفع كثيرا من النقّاد إلى مقارنته بمعاصريه من الكتّاب الواقعيين أمثال اميل زولا وديورانتي.
لكن هناك من يتساءل عن مكانته بين الانطباعيين. البعض يقول انه لم يكن يملك مهارة إدغار ديغا في الرسم ولا براعة كلود مونيه في توظيف واستخدام الألوان.
لكن اعتمادا على القيم الجمالية، فإن الكثيرين يقدّرون أعماله ويرون فيها أصالة وتميّزا لا يقلان عمّا بلغه أقرانه من الرسّامين في ذلك الوقت. هذه اللوحة رسمها الفنّان بطريقة محكمة ومثالية. وهي نموذج لتقدير العمل الجادّ وروح العزيمة والإصرار. كما أنها من أوائل الأعمال التشكيلية التي صوّرت بروليتاريا المدينة. وفيها يرسم كايّيبوت ثلاثة رجال وهم يجثون على أيديهم ورُكَبهم ويعملون بجدّ ونشاط في تقشير الأرضية الخشبية لإحدى الغرف.
من الواضح أن الرجال الثلاثة يعرفون أن لديهم مهمّة، وهم يعملون بجدّ ودأب لتقشير وتمليس الأرضيّة الخشبية وإضافة التشطيبات الأخيرة عليها. الغرفة مظلمة والرجال متخفّفون من قمصانهم كي يحتفظوا ببرودة أجسامهم، وهناك زجاجة شراب موضوعة في الجوار لإطفاء عطشهم.
الفنّان رسم أجزاء اللوحة طبقا للأساليب الأكاديمية. والأجساد العارية للعمّال تشبه بُنية الأبطال القدماء، وهو شيء لم يكن من الممكن تصوّره عن عمّال باريس في ذلك الوقت.
كان غوستاف كايّيبوت منتميا لعائلة ثريّة. لذا لم يكن محتاجا لبيع لوحاته كي يعتاش من ريعها، بل كان يعهد بها إلى شقيقه الذي كان بدوره يوصي بأن تذهب إلى ورثته. وقد توقّف عن عرض لوحاته وهو في سنّ الرابعة والثلاثين. وعندما توفّي بعد ذلك باثني عشر عاما، أصبح من النادر رؤية لوحاته. بل انه عندما كُتب تاريخ الانطباعية، فإن اسم كايّيبوت تمّ نسيانه، أو على الأقلّ عُومل بالتجاهل إلى درجة كبيرة.
لكن في خمسينات وستّينات القرن الماضي، أعيد له الاعتبار مرّة أخرى وتجدّد الاهتمام بلوحاته. وترافق ذلك مع إقدام معهد شيكاغو للفنون على شراء لوحته الجميلة والمشهورة "شارع باريسي في يوم ممطر".
عرض الرسّام لوحته هذه في صالون باريس، إلا أن المحكّمين رفضوها لشدّة واقعيّتها. لذا قرّر الانضمام إلى الانطباعيين وعرض اللوحة في معرضهم الثاني. وقد أعجب بها الروائي زولا، إلا انه اخذ عليها دقّة تفاصيلها، ما يجعلها لوحة بورجوازية، من وجهة نظره.
ومع ذلك ظلّت اللوحة تروق لأصحاب الأفكار الاشتراكية والبروليتارية. فهؤلاء الرجال، من وجهة نظرهم، يعملون من اجل إعالة عائلاتهم. وهم موجودون في عالم من الثروة التي ليس لهم نصيب فيها. كما أنهم يعملون في منزل رجل غنيّ، أي أنهم في النهاية يكدّون ويكدحون كي يستمتع شخص آخر بثمرة جهدهم وتعبهم.
كان رسم الطبقة العاملة تقليدا شائعا في نهايات القرن التاسع عشر. فقد رسم ميليه الفلاحين، ورسم كوربيه كسّاري الحجارة. لكن نادرا ما كان يظهر عمّال المدينة في الرسم.
وعلى عكس كوربيه وميليه، كان من عادة كايّيبوت أن لا يضمّن لوحاته أيّ دروس أو مضامين اجتماعية أو سياسية أو أخلاقية.
كان يركّز أكثر على دراسة شخصيّاته وتصوير حركاتهم وأدواتهم، وهو ما حفظ اسمه كأحد مشاهير الرسّامين الواقعيين.

لوحات عالميـة – 265

2010-10-27T16:40:00.000-07:00

قصيـدة رعـويـة
للفنان الأمريكي كينـيون كـوكـس، 1890

ظلّت الطبيعة الرعوية موضوعا مفضّلا في الأدب والفنّ على مرّ قرون. وقد تكرّس هذا الاهتمام مع التركيز المتزايد على فكرة أركاديا كمكان مثالي وشاعري ما يزال يتردّد كثيرا في الآداب والفنون البصرية الغربية.
وبعض أشهر الصور الرعوية رسمها نيكولا بوسان الذي كان يملأ لوحاته بصور الرعاة والطبيعة، لكن دون حيوانات أو ماشية.
كما رسم هذا النوع من الصور كلود لوران الذي كان يركّز على مناظر الطبيعة ويكتفي بوضع القطعان والرعاة في خلفيّة اللوحة.
ويُعزى الفضل في إرساء تقاليد الشعر والفنّ الرعوي إلى الشاعر الروماني فيرجيل من خلال ديوانه "قصائد رعوية" الذي كان مصدر إلهام لأجيال عديدة من الشعراء والرسّامين الذين أتوا بعده.
وقد ضمّن فيرجيل ديوانه عشر قصائد تتحدّث عن قصص حبّ محبطة وتتضمّن صورا عن الشوق والرغبة والحنين في قالب يجمع بين الايروتيكية والحزن والمواعظ الأخلاقية. وفي القرون التالية تحوّل هذا الشاعر في أذهان الناس إلى متنبّئ أو قارئ للغيب. ويقال إن قصائده تلك لها معنى ظاهر وباطن. وفي العصور الوسطى نُسبت له قوى تنبّؤية خارقة. كما اتّخذ منه دانتي مرشدا له في رحلته إلى الجحيم التي أوردها في كتاب الكوميديا الإلهية.
هذه اللوحة رسمها كينيون كوكس من وحي إحدى قصائد فيرجيل الرعوية والتي تتحدّث عن حوار بين مجموعة من النساء يجري وسط طبيعة خضراء في اليونان القديمة.
واللوحة جزء من سلسلة من اللوحات الشاعرية التي رسمها لنساء عاريات. وقد أدرك كوكس شعبية هذه النوعية من اللوحات عندما كان يقيم في باريس.
غير أن لوحاته تلك لم تلاقِ التقدير الذي تستحقّه من لدن الجمهور الأمريكي في وقت لم تكن القيم الليبرالية قد انتشرت وتجذّرت.
تفاصيل هذه اللوحة، من قبيل الخطوط الدقيقة والألوان المحكمة ودقّة تصوير الجسد، كلّها تذكّر بالرسم الأكاديمي وتشير إلى تأثّر الرسّام بأسلوب تصوير التماثيل الرومانية والإغريقية.
درس كوكس الرسم في باريس على يد جان ليون جيروم. وتأثّره واضح بأسلوب الأخير في رسم الأشخاص.
كان كينيون كوكس مخلصا للفنّ كما كان ناجحا وذا نفوذ كبير في زمانه. كما عُرف بدفاعه القويّ عن قيم الرسم التقليدي وببراعته في رسم الجداريات الضخمة. وكانت المرأة العارية موضوعه المفضّل في الرسم.
وبالإضافة إلى اشتغاله بالرسم، كان كوكس شخصا مثقّفا ومتعدّد الاهتمامات. وقد كتب العديد من المقالات في الصحف والمجالات، كما ألّف أكثر من كتاب عن تاريخ الفنّ.
ورغم انه كان رسّاما متميّزا، إلا انه لاقى كثيرا من الإهمال والتجاهل في عصره.
في إحدى قصائده الرعوية، يتحدّث فيرجيل عن ولادة طفل خارق للعادة. وقد فسّر الكثيرون ذلك على أنه نبوءة بمجيء المسيح.
ويقال إن الشاعر مات مقتولا على يد احد أتباع القائد اوكتافيان بعد انتهائه من كتابة ملحمة الإنيادا.

لوحات عالميـة – 264

2010-10-20T03:10:00.000-07:00

شُرفـة علـى شاطـئ البحـر
للفنان الروسي باتـو دوغـارجـابـوف، 2007

لولا أن هذه اللوحة تحمل اسم رسّام آخر، لظنّ الناظر أنها لوحة غير معروفة لـ كلود مونيه. فأوجه الشبه بين الاثنين كثيرة.
ولو صحّ أن الرسّامين يمكن أن يُستنسخوا في أزمنة مختلفة، لكان هذا الرسّام الروسي الشابّ أحقّ من غيره بنيل لقب مونيه الجديد.
بل إن في خصائص ألوان دوغارجابوف ما يشي بأنه قد يكون تجاوز المستوى الذي بلغه سيّد الانطباعية القديم.
مناظر دوغارجابوف مدهشة، تأسرك بألوانها وأضوائها الساحرة. والطبيعة في لوحاته تنطق بالكثير من آيات السحر والجمال. كما أن لمعان ألوانه يشهد بموهبته الفائقة وفهمه العميق للعلاقة بين الألوان والفراغات والخطوط.
وصور الرسّام عموما تعكس جمال الطبيعة الروسية: أمسيات الصيف الهادئة، الضباب الذي يلفّ الطبيعة وقت الفجر ولحظات الغسق بهدوئها وغموضها المهيب.
في هذه اللوحة يرسم دوغارجابوف منظرا لشرفة تطلّ على شاطئ البحر. تفاصيل المشهد عامرة بالإيقاعات الموسيقية التي تتشكّل من امتزاج الخطوط والألوان. وكلّ شيء فيها يلمع في وهج الشمس، حتى انعكاسات الظلال. الرسّام يضع جمال العالم تحت نظر المتلقّي من خلال هذا التناغم المدهش للألوان التي ينبثق منها الضوء بنعومة لينعكس على الطاولة والمزهرية والكراسي والسياج المعدني والستارة وعلى كلّ شيء.
دوغارجابوف رسّام متميّز ومختلف. تنظر إلى لوحاته فتظلّ في ذاكرتك لزمن طويل. وستلاحظ أن كلّ شيء فيها مغطّى بطبقة ناعمة من الضوء. الانعكاسات الناعمة والمتوهّجة تطبع كلّ شيء، بدءاً من أزهار الليلك إلى الطاولات والكراسي والمظلات والبيوت والقوارب والأشجار المحتشدة على ضفاف الأنهار.
والسماء والماء عنده يندمجان ويذوبان معا ليتحوّلا إلى وحدة واحدة ومتناغمة.
عشق الرسّام للطبيعة واضح وجليّ في كلّ ضربة من ضربات فرشاته. وكلّ لوحة تخلق عالمها الخاصّ الذي هو مزيج من الروحانية والرومانسية والشعر.
بعض مناظر دوغارجابوف تبدو تجريدية إلى حدّ ما. لكن ما أن تبتعد عنها قليلا حتى تكشف عن إيقاعاتها وتفاصيلها. وكلّما قضيت وقتا أطول في النظر إلى لوحة، كلّما أفصحت لك عن المزيد من مظاهر جمالها المخبوء.
ولد باتو دوغارجابوف في قرية روسية تقع على الحدود مع منغوليا. ومنذ طفولته كان يضع عينه على السهوب الواسعة والمروج الخضراء التي تتخللّها الأنهار والغابات والحقول. المنطقة المجاورة للبحر الأسود أو الريفيرا الروسية كما تُسمّى، كانت وما تزال البقعة المفضّلة التي يستمدّ منها إلهامه. وبعض النقّاد يعتبرونه امتدادا لجيل الانطباعيين الروس الكبار أمثال كونستانتين كوروفين وفيودور زاكاروف وابرام اركيبوف.
درس باتو دوغارجابوف الرسم في موسكو وشارك في معارض في موسكو وباريس. وخلال السنوات الأخيرة وجدت بعض أعماله طريقها إلى المجموعات الفنّية الخاصّة في روسيا وفرنسا وايطاليا وبريطانيا واليابان.

لوحات عالميـة – 263

2010-10-13T16:18:00.000-07:00

طبيعـة كـلاسيكيـة
للفنان الأمريكي تشـارلـز شيلـر، 1931

في لوحة تحمل عنوانا كهذا، يتوقّع الإنسان أن يرى صورة لأشجار وارفة الظلال وأنهار رقراقة وجبال شاهقة على نحو ما نراه عادة في لوحات رسّامي الطبيعة الكلاسيكيين الغربيين، من أمثال توماس كول وجون كونستابل والبيرت بيرشتادت ووليام هنت وغيرهم.
غير أن تشارلز شيلر لا يرسم شيئا من هذا كلّه. وما يظهر في اللوحة هو احد مصانع شركة فورد للسيّارات في ميشيغان بعد افتتاحه مباشرة. في عشرينات وثلاثينات القرن الماضي كان مصنع فورد أضخم مجمّع صناعي في العالم. كان مشروعا ضخما للغاية. وبدا انه يجسّد القوى الاجتماعية للعصر الجديد.
والرسّام هنا يعبّر عن نظرته لعصر التصنيع الذي زحف على مظاهر الطبيعة. واللوحة تُظهر أن كلّ ما بقي من العالم الطبيعي هو السماء التي تمتزج فيها الغيوم بدخان المصانع.
المنظر ساكن تماما ويشبه صمت أجواء دور العبادة. لكن الطبيعة غائبة تماما عن اللوحة بعد أن حلّت مكانها مباني المصانع الباردة والكئيبة. وعندما تتمعّن في تفاصيل اللوحة سيُخيّل إليك كما لو أنها رُسمت بالمسطرة لفرط دقّة وإحكام الخطوط والتفاصيل الهندسية.
هذه اللوحة كانت أحد أفضل الأعمال الفنّية في زمانها ثم أصبحت تحفة من تحف الفنّ الأمريكي في القرن العشرين.
كان شيلر يستخدم في لوحاته أسلوبا ظهر في بدايات القرن الماضي كان يُعرف بالواقعية التكعيبية. وهي حركة فنّية بدأت بوادرها في أمريكا بعد الحرب العالمية الأولى، وكانت فكرتها الأساسية التصنيع والتحديث وأثرهما على الطبيعة الأمريكية.
وكان معتنقو هذا الأسلوب يركّزون على تصوير العمارة الصناعية ويرسمون مواضيع صناعية وميكانيكية مثل المداخن وآلات سبك المعادن ومخازن الحبوب. كان يجري تصغير الأشياء وتحويلها إلى أشكال هندسية يتمّ تمثيلها بالضوء الساطع وبطريقة تمزج ما بين التجريد والواقعية.
اهتمام شيلر بالأشياء الصناعية كان ينبع من حبّه المتجذّر للأشكال المعمارية. وكان قد تصالح مع ملامح التصنيع ورسم ما يراه كأشكال أساسية.
ومن الواضح أنه كان يسجّل في اللوحة آثار الزحف الصناعي الذي تسبّب في عملية إزاحة تدريجية للطبيعة وما ترمز إليه من سموّ وجلال.
ويمكن القول إن اللوحة تختزن في تفاصيلها قيم عصر الميكنة والآلة. تنظر إلى هذه اللوحة فتحسّ أنها جافّة إلى حدّ كبير. يمكن للإنسان أن يرى هذا المنظر في متحف، لكن وضعه على الجدار والنظر إليه فترة طويلة قد يجلب الإحساس بالإحباط والاكتئاب. وربّما يكون عنصر الكلاسيكية الوحيد في اللوحة هو أن شكلها العام يذكّر بالكاثدرائيات في أوربّا القرون الوسطى.
العنوان اختير كي يوحي بأن اللوحة نفسها كلاسيكية، من حيث شكل المسارات والمداخن. المبنى الوحيد فيها له حدود ومعالم واضحة ويمكن مقارنته بعناصر المعمار الكلاسيكي الذي كان سائدا في اليونان القديمة.
خطّ السكّة الحديدية يوحي بالحركة. ومع ذلك تبدو السكّة مهجورة ولا شيء فيها يتحرّك. فقط يمكن رؤية السماء التي تتصاعد باتجاهها أدخنة المصنع كي تختلط بالغيوم ومن ثمّ تتحوّل إلى منتج ثانوي لعصر التصنيع والتكنولوجيا.
المصنع يبدو فارغا ووحيدا في ضوء الشمس كما لو انه هو الذي اوجد نفسه بنفسه وهو الذي يوجّه العالم من حوله بناءً على خططه الخاصة.
الفكرة هنا هي أن المصنع هو الذي يحرّك الأشياء ويتحكّم فيها وليس جزءا من عالم مترابط العناصر.
في اللوحة أيضا لا يوجد بشر أو حيوانات. وانعدام وجود بشر في اللوحة قد يكون دعوة من الرسّام للناظر كي يتصوّر نفسه جزءا من الفراغات المفتوحة والخاوية.
المشهد مسطّح والألوان مزيج من الزرقاء والبيضاء والبنّية. وبين الفراغات والمباني ثمّة ظلال حادّة وممتدّة. تصميم المصنع يبدو جميلا بالنسبة لرسّام كان يحبّ الأشكال النظيفة والتصميم المجرّد.
الضوء في اللوحة ساطع جدّا مع أن الطبيعة ليست بمثل هذا الهدوء واللمعان والجمال. وواضح انه جرى رسم كل ممرّ كي يبدو شديد التناسق مع الممرّات الأخرى.
كان هنري فورد هو الذي صاغ مصطلح الإنتاج بكميّات كبيرة والذي تحوّل فيه العمال إلى مجرّد جزء من الآلة. صحيح أن هذا أدّى إلى اختزال أهميّة دور الإنسان، لكنه أيضا أتاح إنتاج السلع بجودة معقولة وبأسعار تناسب معظم الناس.
بالنسبة لإنسان القرن الحادي والعشرين، قد تبدو هذه اللوحة بمثابة محاكمة لعصر الآلة. لكنّها بالنسبة لمن عاش في ثلاثينات القرن الماضي ترمز لقدرة أمريكا وعبقرية الأمريكيين.
كان الأمريكيون في ذلك الوقت فخورين بالنهضة الصناعية التي حقّقها بلدهم والتي أسهمت في تسهيل الحياة ورفع مستوى المعيشة عند غالبيتهم. لكن هناك اليوم من يبدون قدرا كبيرا من الأسف عندما يتبيّنون آثار التصنيع المدمّرة على البيئة.
درس تشارلز شيلر الرسم على يد وليام تشيس وحقّق نجاحا مبكّرا كرسّام. ثم ذهب إلى باريس في ذروة شهرة التكعيبية وعمل بالتصوير التجاري لبعض الوقت. وفي باريس أيضا تعرّف على أعمال بيكاسو وماتيس وغيرهما من رموز الحداثة الأوربّية.

لوحات عالميـة – 262

2010-10-05T20:10:00.000-07:00

أزهـار خشخـاش شـرقـي
للفنانة الأمريكية جـورجـيـا اوكِـيـف، 1928

كانت جورجيا اوكيف رسّامة حداثية رائدة. وقد عُرفت بأسلوبها المتفرّد الذي يتحدّى كلّ قواعد الرسم المعروفة.
كما أنها أعطت تعريفا جديدا لمعنى الرسم الأمريكي الحديث. وبسبب مقدرتها، اكتسب الرسم الأمريكي الشهرة والاعتراف في أوربّا وفي غيرها من الأماكن.
كانت الأزهار بالنسبة لـ اوكيف مصدر فتنة خاصّة، كما كانت موضوعا مفضّلا في الكثير من لوحاتها. وعندما رسمت هذه اللوحة، اعتبرها الكثيرون عملا ثوريا وتحفة فنّية. وبكلماتها هي، كانت هذه اللوحة نتاجا لما أدركته بعقلها وأحسّته بقلبها.
وقد رسمت الفنّانة في اللوحة زهرتي خشخاش كبيرتين تتفجّر منهما الألوان البرّاقة والساطعة معطية تأثيرا جميلا ومذهلا. واستخدمت في اللوحة اللونين الأحمر والبرتقالي كلونين رئيسيين للبتلات، بينما اختارت للأطراف والحواشي اللون الأرجواني الداكن.
التظليل البارع واللمسات المخملية على البتلات تضفي على الأزهار حيوية وواقعية. واللوحة تبدو أشبه ما تكون بصورة فوتوغرافية. ومن الواضح أن اوكيف اختارت أن ترسم الأزهار في لقطة مقرّبة ومن دون خلفية كي تركّز انتباه الناظر على الأزهار نفسها.
كانت جورجيا اوكيف تعتقد أن الوتيرة المتسارعة لحياة الناس تجعلهم يكتفون بإلقاء نظرة سريعة على الأزهار دون أن يتمعّنوا فيها بما يكفي لتأمّل خصائصها الطبيعية والجمالية.
وكانت تتمنّى أن تمنح الناس الذين يتوقّفون عند المظاهر السطحية الخبرة والإحساس بالجمال الحقيقي للأزهار.
وقد نُقل عنها قولها ذات مرّة: لو رسمت الأزهار بحجمها الطبيعي، أي مثلما تبدو عليه في الطبيعة، لما رأى احد ما أراه فيها. لذا قرّرت أن ارسمها بطريقة مكبّرة. وسيندهش الناس عندما ينظرون إليها بتمعّن، إذ قد يرون في الأزهار ما أراه أنا فيها".
استخدام اوكيف للألوان الفاقعة كانت تريد منه إذهال الناس وتعريفهم بعجائب وسحر الطبيعة. وقد تمكّنت من خلال هذه اللوحة من الإمساك بجوهر الخشخاش بطريقة بارعة ومقنعة.
وهناك اليوم من النقاد من يعتقد أن الأزهار التي رسمتها اوكيف تلخّص ردّ فعلها على تكنولوجيا الصور المقرّبة التي تبنّاها زوجها المصوّر الفوتوغرافي المشهور الفريد ستيغليتز. غير أن هناك من يقول إن الرسّامة وظفت تقنيّات التصوير في لوحاتها مثل القطع والتقريب والتكبير حتى قبل ظهور تكنولوجيا الأفلام الملوّنة التي نعرفها اليوم.
التمثيل الجميل للزهرتين أثار في حينه موجة إعجاب واسعة واعتُبرت اللوحة واحدة من لوحات اوكيف الخالدة.
وإجمالا فإن صور اوكيف عن الأزهار تُعتبر من أشهر لوحاتها. وقد تحدّث النقّاد في العديد من المناسبات عن الأفكار التي كانت تضمّنها أعمالها مثل دورة الميلاد والحياة والموت وقابلية الأشياء للفناء. لكن كان هناك من رأوا في تلك الأزهار رموزا للجنس والأعضاء الأنثوية. كانت جورجيا اوكيف تراقب وترسم الطبيعة بطريقتها الخاصّة. وكان أسلوبها الفنّي نابعا من رؤيتها الشخصيّة. كما كان لقراءتها كتاب كاندينسكي "الروحانية في الفنّ" اثر كبير في تعزيز قناعتها في ضرورة أن تفعل شيئا شخصيّا ومختلفا عمّا يفعله الآخرون.
الأزهار ظلّت مثار افتتان البشر منذ القدم. واستُخدمت لأغراض الزينة والزخرفة ولروائحها وألوانها وجمالها. كما كانت دائما موضوعا للقصائد والأساطير وكانت النساء يتسمّين على أسماء بعضها. وللأزهار ارتباطاتها ورموزها الدينية والروحية كما هو معروف. بعضها يرمز للحبّ أو الزواج والبعض الآخر للنقاء أو الطهر، إلى آخره.
ولأزهار الخشخاش الحمراء، بشكل خاصّ، رمزيّتها في الحياة والفنّ. فقد أصبحت شعارا شعبيّا للحياة الريفية ولفصل الصيف. ولوقت طويل، استُخدمت للأغراض الطبّية والدوائية. وبسبب خواصّها المخدّرة والمنوّمة فإنها تُستخدم كرمز للنوم والنسيان أو اللامبالاة.
وفي الأساطير الرومانية فإن إله النوم يظهر متوّجاً بأزهار الخشخاش أو محاطا بها. وفي الفنّ المسيحي يُستخدم الخشخاش في تصوير آلام المسيح ورمزا للنوم أو الموت.
زهرة الخشخاش معروفة بهشاشتها وضعفها الطبيعي. لذا تستعصي على التنسيق لأنها تجفّ وتذبل بسرعة. غير أن أحدا لا ينكر جاذبية وجمال ألوانها المتناسقة والبديعة.
ولهذا السبب أصبحت حقول الخشخاش موتيفاً مفضّلا عند الرسّام الفرنسي كلود مونيه. وبفضل مونيه، أصبح الخشخاش فكرة رائجة في الرسم منذ ظهور المدرسة الانطباعية. وهناك من يعتبر لوحتيه اللتين رسمهما لأزهار الخشخاش من أعظم الأعمال الفنّية الكلاسيكية. وقد رسم فيهما زوجته وابنيه الكبيرين وهم يجلسون في حقل جميل مملوء بأزهار الخشخاش الحمراء الفاقعة.
ومن أشهر من رسم أزهار الخشخاش أيضا كلّ من فان غوخ وإميل فيرنون وروبرتو لومباردي وغيرهم.

لوحات عالميـة – 261

2010-09-28T18:28:00.000-07:00

كسـل لـذيـذ
للفنان الاسترالي روبـرت بَنِـي، 1897

روبرت بني إسم لا يتردّد الآن كثيرا في الثقافة وفي الفنّ الاسترالي. لكنه كان قد صنع لنفسه مكانة مميّزة في أوربّا التي عاش فيها أكثر من أربعين عاما قضى معظمها في فرنسا.
وبَنِي مشهور، بشكل خاصّ، بمناظره الباذخة التي صوّر فيها نساءً ينتمين إلى الطبقة الرفيعة ويرتدين ملابس منسدلة ورقيقة تذكّر بالقصائد الرعوية والمشاهد الأسطورية القديمة.
وفي لوحاته تبدو النساء وهنّ يرفلن في ثياب الدانتيل أو يرتحن في المخادع أو غرف النوم أو يسبحن في مياه البحيرات على مقربة من طيور البجع أو البطّ.
من أجمل أعمال روبرت بني هذه اللوحة التي يمزج فيها الرومانسية بقدر من المتعة الحسّية وقوّة الخيال. وفيها تظهر أربع نساء يقفن على شاطئ البحر بينما تكتسي ملامحهن بمسحة من الكسل والخمول. وما يعزّز هذا الإحساس شحوب وبرودة الألوان التي استخدمها الرسّام في اللوحة. الألوان الحمراء بخاصّة تضفي على المنظر هالة من الرّقة والغموض. والمرأة الأكثر إثارة للانتباه في اللوحة هي الثانية من اليمين، بوجهها ذي التقاطيع الجميلة وبنظراتها الهادئة والمتأمّلة.
هذه المرأة كانت زوجة الرسّام وملهمته وموديله المفضّلة. وهي التي ستظهر في العديد من لوحاته في ما بعد. وقد أصبحت المرأة، واسمها جين موريل، جزءا لا يتجزّأ من رؤية روبرت بَنِي عن النساء وكان يعتبرها مصدر إلهامه الأوّل والأخير.
جمال موريل الأنيق وشخصيّتها الآسرة حاضران في كلّ مكان من لوحاته بنظراتها الغامضة وتعابير وجهها التي يصعب قراءتها أو فهمها. لكن في أواخر عشرينات القرن الماضي، تعرّضت موريل لسكتة دماغية حادّة أدّت إلى انسحابها شيئا فشيئا من الحياة العامّة. وعندما أتاه نبأ وفاتها في ما بعد، وهو في استراليا، أصابه حزن شديد ووجد بعض السلوان في الكتابة التي شغل بها نفسه حتى وفاته.
حسّية روبرت بني وفلسفته كانتا محكومتين بنوعية التدريب الذي تلقّاه وبالبيئة التي كانت تحيط به. وقد عمل جاهدا من اجل خلق توازن وانسجام بين طبيعة أسلوبه وتقاليد الرسم الأوربّية. كما استفاد من جماليات الفنّ الحديث وما قبل الرافائيلي وأولى أهمّية فائقة لدراسة أعمال الرسّامين الكبار في عصره.
في البداية، ذهب الرسّام للدراسة في انجلترا. غير أن تجربته هناك كانت مخيّبة للآمال. فقرّر الانتقال إلى باريس، حيث درس على يد الرسّام جان بول لوران ووجد له مكانا في الأوساط الأدبية والفنّية للمجتمع الباريسي. وكانت تربطه علاقة صداقة مع بعض الرموز الثقافية المهمّة آنذاك مثل النحّات رودان والممثّلة سارا برنار والموسيقيّ كلود ديبوسي.
اندماج بني السهل في جماليات الحياة الباريسية أدّى إلى ازدياد قبوله كجزء من فعاليات الحياة الفنّية والثقافية. وكان أوّل رسّام استرالي ينال لقبا تشريفيا من صالون باريس، وهو انجاز غير مسبوق بالنسبة لفنّان مغترب.
كان بَنِي بارعا في رسم البورتريه والحياة الساكنة ومناظر الطبيعة. كما كان مفتونا على الأخصّ بالطبيعة الريفية في فرنسا. لكنه عُرف أكثر من أيّ شيء آخر بلوحاته النسائية المثيرة.
كان موتيف المرأة التي تستحمّ في الماء أو تقف تحت ضوء الشمس يروق كثيرا لـ روبرت بني كما ظلّ يهمن على لوحاته.
ومن الأشياء التي كان يتميّز بها تعامله مع ألوان البشرة التي كان يرسمها بأسلوب حسّاس ومبتكر، بالإضافة إلى البريق الذي يشعّ من لوحاته نتيجة للتفاعل الحميم بين الأضواء والألوان الغامقة.
نجاح بني العالمي على امتداد العقود الخمسة التي قضاها في باريس مكّنه من عرض أعماله في جميع أنحاء أوربّا، كما بادر عدد من المتاحف الرئيسية إلى اقتناء بعضها.
لوحات روبرت بني تتميّز بأناقتها الجميلة، ما دفع بعض النقّاد إلى إعطائها أوصافا أكثر حداثة تتراوح ما بين الانطباعية وما بعد الانطباعية. وهناك من وصف مناظره بأنها دراسات تفصيلية في اللون والضوء وقيل إن مبدعها لا بدّ وأن يكون شاعرا خبيرا بعالم الأحلام.
وفي معظم تلك اللوحات كان الرسّام يحاول الإمساك بلحظات من "الخمول الجميل"، وهو احد التعبيرات التي كان يفضّلها ويستخدمها كثيرا والذي ارتبط بنساء الطبقات المخملية اللاتي كنّ يبالغن في أمور اللباس ويرفضن الأعمال المفيدة كعلامة على تميّزهنّ وتفوّقهنّ.

لوحات عالميـة – 260

2010-09-21T13:35:00.000-07:00

طبـيب التشـريـح
للفنان الألماني غابرييـل فـون ماكـس، 1869

الانطباع الأوّلي الذي تثيره هذه اللوحة قد يكون غير مطمئن وغير مريح. وقد يساور الناظر شعور خادع أو مبالغ فيه بأنه يرى منظرا مزعجا أو كريها. ولولا عنوان اللوحة لما أمكننا أن نعرف أننا أمام طبيب يستعدّ لمعاينة وتشريح جسد إنسان ميّت.
في اللوحة يرسم غابرييل فون ماكس نفسه على هيئة طبيب تشريح يجلس أمام جسد امرأة شاحبة من أثر الموت. من الواضح أن المرأة ماتت قبل الأوان، وملامحها تشير إلى أنها ما تزال شابّة وجميلة. الجثّة تظهر كاملة في مقدّمة اللوحة وهي مغطاّة برداء ابيض. وحركة يد الطبيب تشير إلى انه قام للتوّ بإزاحة الرداء عن الجزء العلويّ من صدرها.
ملامح الطبيب تبدو مسترخية ونظراته متأمّلة كما لو انه ينظر إلى شيء غامض ومثير للمشاعر. هذه هي اللحظة التي يمسك بها الرسّام في اللوحة؛ اللحظة التي يصبح فيها الجمال نقيضا للزوال والذبول.
صحيح أن المشهد صادم ومؤثّر. لكنّ طريقة تصويره لا تخلو من رومانسية خفيفة وعلى نحو يذكّر بقول إدغار آلان بو أن لا شيء أكثر شاعرية في العالم من موت امرأة جميلة. فهناك تفاعل خاصّ بين الطبيب والجثّة؛ بين شخصية الذكر وجسد الأنثى.
وصحيح أيضا أن روح المرأة غادرت جسدها. لكنّ جمالها لم يبدأ بالاختفاء بعد بفعل التحلّل الطبيعي الذي يمرّ به الجسد الميّت عادة.
الصورة مظلمة جدّا. النور الوحيد في الغرفة هو ذلك المنعكس على جثمان المرأة المسجّى. وهناك جمجمتان تستقرّان على الطاولة إلى الخلف وحشرة تزحف على طرف حامل الجثّة الخشبي.
المشرّح أو الطبيب لم يبدأ مهمّته بعد ولم يباشر عملية تدمير خطوط وتفاصيل الجسد الذي ما يزال جميلا لكنّه غير كامل لأنه جسد ميّت.
من الحقائق المعروفة اليوم، أن العلم، من خلال التشريح، أصبح قادرا على أن يعبر الخطّ الفاصل بين الحياة والموت. لكن التشريح لا يتعلّق بالحياة نفسها، لأن الجثّة لم تعد فيها حياة.
إذن فيمَ يفكر الطبيب؟ هل يريد أن يعرف عن الموت أكثر؟ هل يفكّر في مدى صعوبة قهر عدوّ قاس وعنيد كالموت؟ هل يفكّر في العلاقة بين الموت والأسرار التي تتكشّف لحظة حدوثه؟
هناك في الصورة عدّة عناصر لا تخلو من دلالة. فالناس عادة لا يرتاحون لرؤية صورة عن الموت، لأنهم يخشونه بطريقة غريزية ولأنه يذكّرهم بمصيرهم في النهاية.
كما أن الميّت هنا امرأة ما تزال شابّة. وهذا يتناقض مع الفكرة السائدة بأن الموت مرتبط بالشيخوخة والهرم. وعقل الإنسان ينفر بطبعه من حقيقة أن الشخص يمكن أن يموت وهو ما يزال شابّا وجميلا. لذا فإن احد المعاني التي تتضمّنها اللوحة هو أن الموت أمر مؤكّد وأوانه غير معروف، كما انه يتحدّى تصوّراتنا وأفكارنا عنه.
ويمكن القول أيضا أن اللوحة تثير الإحساس بعالم السرّية والخوف والغموض الذي يكتنف عمليات وطقوس تشريح الجثث.
ولد غابرييل فون ماكس في براغ عام 1840م. كان والده نحّاتا معروفا. وفي بداياته تعلّم ماكس الرسم في فيينا، وفي ما بعد عمل أستاذا لتاريخ الرسم في أكاديمية ميونيخ للفنون.
تغلب على لوحات الرسّام الطبيعة الرمزية والغامضة بسبب اهتمامه بالفلسفة والتصوّف وعلم النفس والتنويم المغناطيسي ونظريات الطبيعة. وقد عُرف عنه انه كان يحيط نفسه بأعداد كثيرة من القرود. وقد رسمها مرارا في لوحاته وأعطاها سمات البشر. ومن أشهر أعماله الأخرى لوحة بعنوان "القرد ناقداً"، حاول فيها أن يسخر من النقّاد ويستخفّ بأحكامهم وما تتّصف به أحيانا من مزاجية وتسرّع.
بعض الرسّامين الكبار درسوا التشريح وحضروا عمليات تشريح الجثث من أجل تقوية مهارتهم في تمثيل جسم الإنسان في رسوماتهم. ومن أشهر من رسموا التشريح رمبراندت في لوحته درس التشريح وتوماس ايكنز في عيادة الدكتور غروس.

موضوع ذو صلة: طبيعة الأشياء

لوحات عالميـة – 259

2010-09-18T23:54:00.000-07:00

ضـوء القـمـر
للفنان البولندي إيغـور ميتـوراج، 1986

ظلّ القمر حاضرا في وعي وذاكرة الإنسان منذ أقدم الأزمنة. وكان وما يزال يقوم بدور المرآة التي تعكس كلّ الأشياء الجميلة على الأرض. وقد تغنّى الشعراء والكتّاب والفلاسفة بالقمر منذ الأزل. وكان دائما مصدر إلهام لأشهر اللوحات والقصائد والأغاني.
في مقطع من قصيدة "الأرض اليباب" يقول تي إس إليوت: في هذه الحفرة المتغضّنة وسط الجبال، في ضوء القمر الخافت، يغنّي العشب فوق القبور الدارسة". ويقول شاعر آخر: الضوء الأخير غادر العالم. وحده ضوء القمر ينام فوق العشب وخلف ظلال الأشجار الطويلة".
وهناك حكمة قديمة تقول إن أجمل الوجوه هي تلك التي تُرى في ضوء القمر عندما يرى الإنسان نصف الأشياء بعينه ونصفها الآخر بخياله".
النحّات إيغور ميتوراج اختار أن يمثّل ضوء القمر بطريقة سوريالية عندما صوّره على هيئة وجه مكسور وساقط على العشب. الوجه يحمل ملامح الشخوص التي تصوّرها التماثيل الكلاسيكية القديمة من العصرين الروماني واليوناني.
في هذا العمل هناك إحساس واضح بالحداثة. لكنه يتضمّن أيضا إشارات إلى الجماليات الكلاسيكية التي أصبحت اليوم جزءا من الماضي.
يمكن أيضا ملاحظة أن أطراف وجه التمثال مكسورة أو متآكلة. وهي سمة تغلب على أعمال ميتوراج النحتية، وكأنه يذكّر بالتلف الذي لحق بالكثير من التماثيل الكلاسيكية بفعل مرور الزمن.
لكن لماذا هذه التسمية الغريبة، أي ضوء القمر؟ هناك أكثر من احتمال. وجه التمثال قد يكون وجه هيرميس إله النور في الأساطير القديمة الذي كان يلجأ إليه الناس عندما يحلّ الظلام كي يعيد لهم الضوء، الذي هو رمز للطريق أو الوجهة الصحيحة.
ويمكن أن يكون الفنّان أراد من خلال التمثال انتقاد الحضارة الحديثة والتحذير من أدوات الدمار التي أصبح أثرها لا يقتصر على الأرض فقط وإنما امتدّ ليشمل الفضاء والكواكب البعيدة.
وربّما أراد الإشارة إلى تضاؤل اهتمام الناس اليوم بالأساطير القديمة التي تتحدّث عن الظواهر الطبيعية ومن ثمّ ضعف ارتباطهم بالقوى العلوية أو الغيبية.
بعض الشعوب القديمة كانت تعبد القمر وترى في ضوئه الأنيس الذي يخفّف الإحساس بالخوف من الليل والظلام والمجهول. والشعوب الشرقية القديمة كالصينيين واليابانيين كانوا يرون في اكتمال ضوء القمر متعة جمالية وروحية تستحقّ أن تُقام من اجلها الطقوس والاحتفالات. ولم يكن مستغربا أن تُنسب أجمل قصيدة عن القمر لشاعر صيني، وأن يكون أشهر من رسم ضوء القمر رسّام ياباني.
اُقيم هذا التمثال على أرضية احد المنتزهات في ولاية ميشيغان الأمريكية. والمنتزه يضمّ مجموعة من الأعمال النحتية، بعضها لنحّاتين مشهورين مثل هنري مور ورودان واولدنبيرغ. وقد انشيء المنتزه في القرن التاسع عشر، وهو يضمّ جداول وشلالات ومروجا بالإضافة إلى عدد لا يُحصى من النباتات والأشجار.
في العصر الحديث أصبح منظر ضوء القمر يرمز للفقد أو الغياب وأحيانا للتأمّل والحنين. وهذه الأفكار والمشاعر نجد لها صدى في موسيقى بيتهوفن وشوبان وديبوسي وفي لوحات بعض الرسّامين المعاصرين مثل ويسلر وفان غوخ وإدفارد مونك.
إيغور ميتوراج ولد في ألمانيا لعائلة من أصول بولندية. وقد درس الرسم في وارسو وباريس. وفي ما بعد، وتحت تأثير افتتانه بالفنّ والثقافة اللاتينية، ذهب إلى ايطاليا. وهناك قرّر أن يترك الرسم ويمتهن النحت. وميتوراج يُعتبر اليوم من أبرز وأشهر الفنّانين البولنديين المعاصرين. ومنحوتاته موجودة في العديد من المتاحف والمؤسّسات الفنّية وصالات ومكاتب بعض أشهر الشركات العالمية.
وهو يصنع منحوتاته من الرخام والبرونز غالبا. ودائما ما تظهر على شخوصه آثار التلف أو الدمار، فيبدو بعضها برؤوس مكسورة أو وجوه تلّفها الضمادات أو جذوع متصدّعة، بينما يظهر البعض الآخر بلا أيد أو أطراف.
منحوتات ميتوراج، بأطرافها المبتورة وقطعها المتشظّية، قد تكون أكثر من مجرّد محاولة لتشريح الماضي. وربّما يكون لها ارتباط بالتجارب والانفعالات الشخصية للفنّان. وهناك احتمال آخر بأن تكون مظاهر التآكل والتلف فيها تعبيرا عن زمن وجودي أكثر منه تاريخي.
ومن أشهر أعماله الأخرى تمثال لـ ايروس إله الحبّ يظهر فيه معصوب العينين ولا يحمل سهماً كما جرت العادة، في إشارة إلى أن الحبّ أعمى ويختار ضحاياه بطريقة عشوائية.

لوحات عالميـة – 258

2010-09-17T19:29:00.000-07:00

انتظــار
للفنان البلغاري فاليـري تسيـنـوف، 2007

بعض الأعمال التشكيلية تنظر إليها فتجذب انتباهك وتأسرك من اللحظة الأولى. وعندما تتأمّلها عن قرب تدرك أنها مختلفة وأنها تتضمّن قدرا كبيرا من الأصالة والابتكار.
وهذا الوصف ينطبق على لوحات فاليري تسينوف.
يكفي أن ترى إحدى لوحاته مرّة، ثم سيسهل عليك بعدها التعرّف على لوحاته الأخرى تلقائيا حتى عندما لا تكون ممهورة باسمه.
والحقيقة انه يصعب كثيرا وصف أعمال هذا الفنّان أو تصنيفها ضمن مدرسة أو تيّار أو أسلوب فنّي بذاته.
صحيح أنها تتضمّن سمات تجريدية وتعبيرية. غير أنها بنفس الوقت لا تخلو من مضامين رمزية.
كأن هذا الفنّان وهو يرسم يريد منك أن تأتي إليه ومعك تجاربك الشخصية والخاصّة. والطبيعة بالنسبة لـ فاليري تسينوف هي أعظم مصادر الإلهام. كما انه يعشق التنوّع في كلّ شيء. وهذا ليس بالأمر المستغرب. فقد ولد في بلغاريا منذ خمسين عاما. والثقافة البلغارية معروفة منذ القدم بتنوّعها وامتزاجها بالعديد من المؤثّرات الحضارية من الشرق والغرب.
لذا تبدو أعماله وكأنها تحمل رسالة حضارية عن أهمّية وثراء امتزاج الثقافات وتفاعلها في ما بينها.
فاليري تسينوف يعتبره الكثيرون اليوم ظاهرة في الرسم البلغاري. وقد درس الرسم في أكاديمية صوفيا للفنون وأقام معارض للوحاته في ألمانيا وسويسرا وفرنسا وغيرها من البلدان الأوربية. وقد أهّله تميّزه الفنّي لنيل أكثر من جائزة.
لوحات تسينوف إجمالا تتميّز بهدوئها وسكونها الغريب الذي ينعكس على ملامح نسائه الخالدات بوجوههنّ التي تشبه الايقونات. أحيانا يبدين مبتسمات. وأحيانا أخرى حزينات أو متأمّلات، بينما يأخذن الناظر إلى عالم من السحر والغموض يقع على الحدّ الفاصل ما بين الواقع والحلم، وبين الماديّ والروحي.
في هذه اللوحة يرسم تسينوف امرأة تمسك بكأس وتجلس متأمّلة على أريكة.
الألوان ساحرة. اللون الأحمر هو المهيمن هنا. الخلفية مليئة بالأنماط والنقوش والأشكال. طيور، أباريق، أزهار وأشجار.
في الجهة العلوية فواكه حمراء تشبه الكرز. وهناك حصان.
الخيول تتكرّر كثيرا في لوحات تسينوف. هل يكون الحصان رمزا للرجل الذي لا نجد له وجودا في جميع لوحات هذا الرسّام؟
الرموز الطافية والأشكال النقيّة والمجالات اللونية المتراقصة على امتداد مساحة اللوحة تخلق ارتباطات شاعرية وروحية في ما بينها. والمزج ما بين الشكل والمضمون فيه تناغم ومثالية.
من الواضح أن الرسّام يطوّع الإمكانيات التعبيرية للرموز من اسماك ومفاتيح وطيور وقواقع وأوان فخارية وفواكه وأزهار وخيول كي يشير إلى ما هو ابعد من الواقع الملموس.
هل نحن إزاء كشوفات روحية؟ محاولة للبحث عن الجمال في العالم؟
هل تكون لوحات فاليري تسينوف انعكاسا لنظرة الرسّام الفلسفية إلى العالم والتي يحاول من خلالها استكناه أسرار الوجود والبحث عن معنى باطني للأشياء واكتشاف العلاقة بين العوالم المنظورة والخفيّة؟
ثمّة طقوسية وبدائية ورمزية واضحة في لوحات تسينوف. وهي ولا شك تشيع السعادة وتبعث على التفاؤل والأمل. كما أنها تذكّرنا بأن الرسم، مثل الموسيقى، يمكن أن يأخذنا إلى عالم من الأحلام والفتنة.

لوحات عالميـة – 257

2010-09-16T12:27:00.000-07:00

ايفـان الرهيـب يقتـل ابنـه
للفنان الروسي إيـليـا ريـبـيـن، 1873

كان ايفان أوّل حاكم لروسيا يُلقّب بالقيصر. وقد أتى إلى الحكم وعمره ثلاث سنوات. كانت والدته هي الحاكم الفعلي. ولم يتوّج هو حاكما إلا عندما أتمّ السادسة عشرة من عمره.
في بدايات حكمه تبنّى ايفان نهجا إصلاحيا وتحديثيا وأسّس جيشا قويّا واخضع الكنيسة بالكامل لسلطة الدولة.
لكنه لم يلبث أن انشغل بالحروب، فغزا أراضي السويد وليتوانيا وبولندا. ودامت حروبه تلك أكثر من عشرين عاما، ما أدّى إلى إضعاف البلاد وتدمير اقتصادها.
ولكي يعزّز سلطته، أنشأ ايفان البوليس السرّي ووضع على رأسه مجموعة من السفّاحين والمجرمين. وقد بطش هؤلاء بالناس ولم يكونوا يفرّقون بين مذنب أو بريء.
كان ايفان يفرط في الشراب وحياة التخلّع والمجون. وشيئا فشيئا، أصبحت انفعالاته غير متّزنة وأصبح يُظهر ميلا متزايدا إلى العنف.
وعندما ثارت عليه إحدى المدن قام بقتل جميع سكّانها في مذبحة رهيبة ذهب ضحيّتها أكثر من ثلاثين ألف إنسان.
زوجته الأولى كانت قد أنجبت له ستّة أطفال. غير أنها ماتت وهي دون الثلاثين بسبب قسوته وإهاناته المتكرّرة.
وعندما احتجّ رجال الكنيسة على تصرّفاته، قام بقتل بعضهم وتعذيب البعض الآخر. كان هو نفسه منتسبا للكنيسة الاورثوذوكسية. والغريب انه لم يكن يتأخّر عن الصلاة على أرواح ضحاياه من الكهنة والرهبان.
كانت الكنيسة تسمح للرجل بالزواج ثلاث مرّات. لكن ايفان الرهيب استثنى نفسه من ذلك القانون واتخذ له في الكرملين أكثر من ألف محظيّة، رغم انه كان متزوّجا من ستّ نساء. وكان مصير كلّ من يطلّقها من زوجاته إما القتل أو النفي إلى دير ناء ومنعزل.
ويقال انه بعد أن أكمل بناء كاثدرائية باسيل استدعى المهندسين الذين شيّدوها ثم أمر بسمل عيونهم كي لا يبنوا لأحد آخر مثلها.
وكان ايفان يصرّ على أن يشهد أعداؤه عذابهم الأخروي في الدنيا. وكان يُطبّق بحقّهم ما ورد في الإنجيل من أساليب التعذيب والبطش التي تنتظر الخاطئين في الجحيم، من خنق وإغراق وضرب حتى الموت وإعدام على الخازوق وغمر في الماء المغليّ وهم أحياء.
في هذه اللوحة، يصوّر ايليا ريبين حادثة قتل ايفان لابنه الأكبر الذي كان مرشّحا لخلافته على العرش. ففي احد الأيّام سمع الابن زوجته تصرخ. وعندما أتى لاستطلاع الأمر وجد والده يضربها بالسوط. كان ايفان منفعلا بسبب ارتداء المرأة ملابس غير محتشمة. وكانت هي حاملا في شهرها السابع. وقد حاول الابن إيقاف والده وتهدئته. لكنه كان ثائرا. وفي ذروة غضبه تناول آلة معدنية حادّة وضرب بها ابنه على رأسه، الأمر الذي تسبّب في موته عن غير قصد.
وقد رسم ريبين تلك الحادثة بشكل دقيق ومعبّر. علامات الرعب المرتسمة على وجه العجوز تُظهر إحساسه بالصدمة والندم جرّاء ما فعله. واختيار الرسّام لطبيعة المكان الذي تجري فيه الحادثة وكذلك للإضاءة والظلال ولألوان الديكور الداكنة في الخلفية، كلّها عناصر تعبيرية أضافت إلى المشهد الدرامي المزيد من العمق والواقعية.
في اللوحة لا نرى ايفان الساديّ والمتوحّش، بل رجلا مجنونا يبدو وكأنه يرثي نفسه ويتحسّر على ضياع آخر أحلامه.
وقعت هذه الحادثة في السنوات الأخيرة من حياة ايفان الرهيب ولم يعش بعدها أكثر من أربع سنوات. في ذلك الوقت كان قد أصبح عجوزا ضعيفا ومريضا وكانت إصلاحاته قد فشلت. وتحت تأثير أعراض البارانويا، كان يرى نفسه محاطا بالمتآمرين والخونة.
كان الروس، ومن بينهم ريبين، يرون في تلك الحادثة كارثة، لأنها آذنت ببداية حقبة جديدة من المشاكل. فقد أعقبها غزو الجيوش الأجنبية لبلدهم قبل أن تمزّقها الحرب الأهلية.
ربّما لا يتفوّق على ايفان الرهيب في وحشيّته وقسوته سوى جوزيف ستالين الذي يقال بأنه قتل خلال سنوات حكمه أكثر من عشرين مليون شخص وكان يرى في ايفان مثله الأعلى.
وعندما شرع سيرغي ايزنستاين في إخراج فيلمه المشهور عن حياة ايفان الرهيب قال له ستالين: كان حاكما مثيرا للإعجاب، لكنه كان ضعيفا لأن الله وقف في طريقه". كان ستالين يشير إلى نوبات الندم التي كانت تعتري ايفان وصلواته على ضحاياه.
حَكَم ايفان الرهيب روسيا خمسين عاما. وقد بدأ كملاك وانتهى كشرّير. ويشاع انه مات مسموما. وبعد موته دُفن في ثياب كاهن أملا بأن يحصل على عفو وأن تُغفر خطاياه.
وكانت سيرته موضوعا لأكثر من فيلم وبرنامج وثائقي. كما ألّف الكاتب والروائي الفرنسي من أصل روسي هنري ترويا كتابا يقال انه أفضل مرجع يؤرّخ لحياة ايفان وفترة حكمه.

لوحات عالميـة – 256

2010-09-14T16:19:00.000-07:00

ملكـة الطـوارق
للفنان الجزائري حسيـن زيّـانـي، 2007

في كتب التاريخ والأدب، كثيرا ما يُوصف الطوارق "أو الأمازيغ" بالرجال الزُرق بسبب ميلهم لارتداء ملابس يغلب عليها اللون الأزرق.
وفي تقاليد الطوارق فإن الرجال هم من يرتدي الخمار بينما تكشف النساء عن وجوههن.
والكثير من الأعمال الأدبية ترسم للطوارق صورة لا تخلو من رومانسية بالنظر إلى ارتباط تاريخهم منذ القدم بالصحراء وما ترمز له من جلال وغموض وخطر.
غير أنهم أيضا مشهورون بشجاعتهم وشدّة بأسهم في الحروب والمعارك. وكانت نساؤهم وما زلن يتمتّعن بالكثير من مظاهر المساواة مع الرجال. وفي حالات كثيرة كانت النساء هنّ من يتدرّبن على القتال وخوض المعارك بينما يُعهد للرجال بتولّي الأعمال المنزلية ورعاية الأطفال.
وبعد دخول الأمازيغ في الإسلام، فقدت نساؤهم بعضا من قوّتهن. لكنّهن ما يزلن يلعبن الكثير من الأدوار الاجتماعية والاقتصادية فيتزوّجن بإرادتهن ويُحترم رأيهنّ في المجالس التي تناقش مسائل القبيلة والمجتمع. كما أن تقاليد الأمازيغ ما تزال تحرّم تعدّد الزوجات وتعتبر ذلك انتهاكا للعرف العشائري.
في هذه اللوحة يرسم حسين زيّاني "تين هينان" أشهر امرأة في تاريخ الأمازيغ. وقد أشار إلى هذه المرأة العديد من المؤرّخين ومن بينهم ابن خلدون في بعض كتبه. ويعود الفضل إلى تين هينان في توحيد قبائل الأمازيغ وتأسيس أوّل مملكة لهم في الجبال تحت زعامتها خلال القرن السابع الميلادي.
وتُروى عن هذه المرأة قصص غريبة تشبه الأساطير وتتحدّث عن حكمتها ودهائها وقدراتها الخارقة. بعض المصادر تذكر انه عندما وصلت جيوش الأمويين إلى المنطقة في بدايات الفتح الإسلامي، خاض الطوارق بقيادة تين هينان حرب مقاومة ضارية ضدّ الجيوش المهاجمة.
وبسبب استماتة الأمازيغ في القتال، اضطرّت الجيوش العربية إلى التراجع والمرابطة في الصحراء لسنوات. لكن مع وصول المدد من مصر، تمّ إلحاق الهزيمة النهائية بالأمازيغ ولم يمض وقت طويل حتى اعتنقوا الإسلام.
في اللوحة تجلس تين هينان على كرسيّ من الخشب المزخرف وتمسك بريش طاووس بينما يحرسها مجموعة من الرجال الملثّمين الذين يحملون تروسا ورماحا طويلة. نظرات المرأة وتعابير وجهها تشي بالجسارة والنبل والاعتداد بالنفس.
بعض التفاصيل في اللوحة مثل الملابس التقليدية والحليّ والمجوهرات الأنيقة التي ترتديها المرأة توحي بأنها هنا لحضور احتفال ما أو مناسبة اجتماعية. جمالها وأناقتها اللافتة تعيد إلى الأذهان ما قيل من أنها استطاعت توظيف جمالها سياسيا لإخضاع قبائل الأمازيغ ودمجهم في كيان واحد.
خلفية اللوحة باهتة وليس فيها تفاصيل كثيرة، ما يدفع الناظر إلى التركيز على موضوع اللوحة الأساسي، أي المرأة.
كان للنساء الأمازيغيات حضور مهمّ زمن الخلافة الإسلامية في بغداد واسبانيا ومصر. وكنّ مشهورات بذكائهن وبجمالهنّ الخاصّ. وكانت والدة احد الخلفاء العباسيين امرأة أمازيغية تُدعى سلامة.
وتاريخ الأمازيغ عموما يحفل بالعديد من النساء المقاتلات. إحداهنّ، واسمها بارشاكو، اشتهرت بارتدائها ملابس الرجال وغاراتها المتكرّرة على القبائل الأخرى. وهناك امرأة مشهورة أخرى اسمها "الكاهنة" عُرفت بشجاعتها ودهائها. وعندما تعرّضت ارض قومها للاحتلال عرضت على قائد الجيش الغازي أن يقترن بها ثم قامت بذبحه ليلة الزواج.
ويقال إن هؤلاء النساء ينحدرن من سلالة النساء الأمازونيات اللاتي تذكر بعض المصادر التاريخية أن موطنهنّ الأصلي كان غرب ليبيا حيث عاش الأمازيغ وما زالوا.
ولد الرسّام حسين زيّاني في الجزائر قبل خمسين عاما لعائلة متوسطة الحال. ومنذ صغره كان يظهر ميلا خاصّا للرسم. كان أوّل ما رسمه بعض مظاهر الحياة اليومية في قريته الصغيرة. ثم أصبح يرسم الطبيعة والمواضيع التاريخية وأحيانا الفانتازية.
كما رسم صورا من تاريخ الجزائر، من أهمّها لوحة للأمير عبدالقادر الذي يوصف بأنه مؤسّس الجزائر الحديثة.
ولوحات زيّاني يغلب عليها الأسلوب الواقعي. وبعضها تذكّر بالرسم الاستشراقي ولوحات ديلاكروا على وجه الخصوص.
ومن الواضح انه يولي أهمّية خاصّة بالتفاصيل والألوان وتفاعلات الضوء والظل.
في بدايات القرن الماضي عثرت بعثة أثرية فرنسية على قبر تين هينان في احد المواقع القديمة في جنوب الجزائر. واكتُشفت داخل القبر عملات وأوان خزفية تعود إلى ذلك العصر. وفي ما بعد نُقلت رفاتها إلى احد متاحف الجزائر العاصمة حيث وضعت داخل صندوق زجاجي مع ثوبها وحليّها.

موضوع ذو صلة: محاربات الأمازون

لوحات عالميـة – 255

2010-09-05T18:20:00.000-07:00

باولـو وفرانشيـسكا
للفنان الفرنسي جـان دومينيك آنغـر، 1816

هذه اللوحة تصور قصّة واقعية حدثت في ايطاليا حوالي نهاية القرن الثالث عشر وأتى على ذكرها دانتي في الكوميديا الإلهية.
في ذلك الوقت، كان التنافس على السلطة والنفوذ على أشدّه بين عائلتي مالاتيستا ودي ريميني. وقد استقرّ رأي كبيري العائلتين على أن تتزوّج ابنة احدهما واسمها فرانشيسكا من ابن الآخر واسمه جانشوتو.
كان الغرض من الزواج تخفيف حدّة الخصومة وزيادة أواصر القربى بين الطرفين. كانت فرانشيسكا على قدر كبير من الجمال والأدب والأخلاق. وكان العريس جانشوتو مرشّحا لخلافة والده في الحكم. غير أن المشكلة انه كان على درجة من دمامة الشكل وجلافة الطباع.
وقد قيل لوالد الفتاة أنها لن تتزوّجه إذا رأته قبل الزواج. لذا من الأفضل أن يُرسَل شقيقه الأصغر باولو كي يلعب دور العريس في ليلة الزواج نيابة عن أخيه جانشوتو.
كان باولو، بعكس أخيه، شابّا وسيما كريم الخلق. لذا عندما رأته فرانشيسكا وقعت في حبّه من النظرة الأولى.
لكنّها أدركت حجم الخديعة عندما استيقظت صباح اليوم التالي ورأت جانشوتو نائما إلى جوارها في السرير. وأحسّت الفتاة بالغضب الشديد بعد أن تبيّن لها انه جرى استغلالها وأنها كانت ضحيّة حيلة ماكرة دبّرها والدها وأهل زوجها.
ومع ذلك قرّرت أن تعتصم بالصبر وتترفّع عمّا حدث كي لا تتسبّب في توتير العلاقة بين عائلتها وعائلة زوجها.
حاولت فرانشيسكا أن تعوّد نفسها على جانشوتو فلم تستطع. وما عقّد المشاكل أكثر أنها كانت ما تزال تحبّ باولو.
بعد فترة كُلف جانشوتو بإنجاز بعض المهامّ في إحدى البلدات البعيدة. وأثناء غيابه قويت علاقة الحبّ بين فرانشيسكا وباولو وأصبح الأخير لا يفارق البيت إلا نادرا. وذات يوم ذهب احد الخدم إلى حيث يقيم جانشوتو وأسرّ له بخبر العلاقة العاطفية بين زوجته وأخيه. فقرّر على الفور أن يعود إلى البيت ليستطلع الأمر ويتثبّت من القصّة بنفسه.
المنظر الذي تصوّره اللوحة هو لحظة وصول جانشوتو إلى البيت. كانت فرانشيسكا تقرأ على باولو مقاطع من كتاب يُفترض انه يحكي قصّة الحبّ غير الشرعي الذي نشأ ما بين لانسيلوت والملكة جينيفر في الأساطير الآرثرية.
وأثناء القراءة يبدو أن باولو تفاعل مع أجواء القصّة فتحرّك من على كرسيّه ليحتضن فرانشيسكا ويقبّلها. كان الاثنان يعتقدان أنهما لوحدهما في الغرفة. غير أن جانشوتو كان قد كمن لهما وراء الستارة وسمع ورأى بنفسه ما حدث وتيقّن من صحّة ما نُقل له. واللوحة تصوّره وقد تملّكه الغضب وهو يهمّ بدخول الغرفة ويستلّ سيفه. الكتاب يسقط من يد فرانشيسكا التي أحسّت بوجوده بينما لا يبدو باولو على علم بما يحدث.
هذه هي ذروة القصّة التي اختار جان دومينيك آنغر أن يرسمها: حالة الإحساس بالخطر والشعور المتبلّد الذي يعتري فرانشيسكا وهي تشيح برأسها إلى الجهة الأخرى بسبب المفاجأة ولأنها تعرف ما سيحصل تاليا. الألوان الساطعة والثقيلة في اللوحة تعمّق الإحساس بدراماتيكية اللحظة وخطورة الموقف. والحيّز الضيّق للغرفة يوحي بالحصار وانعدام أيّ أمل في الهرب أو النجاة.
تقول القصّة إن جانشوتو عندما همّ بقتل أخيه ألقت فرانشيسكا بنفسها عليه، في محاولة لحمايته، فقتلها. ثم تحوّل إلى أخيه فقتله.
اللوحة تحكي عن قوّة الحبّ. لكنّها أيضا تتحدّث عن القوّة المدمّرة للرغبة عندما يتصرّف الإنسان تحت تأثير نزواته العابرة دون التفكير في العواقب. كما أنها تصوّر سطوة الغضب والرغبة في الانتقام عندما يسيطر الانفعال ويغيب العقل.
ذكر دانتي هذه القصّة في كتابه وحكم على باولو وفرانشيسكا بالخلود في الجحيم لارتكابهما الخطيئة واستسلامهما لسلطان الشهوة. وعندما يتجوّل دانتي وفرجيل في الجحيم يظهر لهما فجأة طيف فرانشيسكا وهي تقول إن زوجها أيضا يستحقّ العقاب لأن فعله لا يختلف عن فعل قابيل الذي قتل أخاه هابيل.
المؤرّخون الذين أتوا في ما بعد نظروا إلى فرانشيسكا بعطف وبعضهم اعتبرها بطلة مأساوية. وقد عاب بعضهم على دانتي حكمه القاسي عليها. فهي كانت امرأة عفيفة، وكانت جريمتها أنها أحبّت شقيق زوجها بعد أن خُدعت بالزواج من رجل لم تكن تريده ولا تحبّه. ثم إن زوجها قتلها غيلة ولم تُمنح وقتا لإظهار توبتها.
يقال إن دانتي كان مقرّبا من عائلة المرأة. وعندما طُرد من فلورنسا لم يجد مكانا يلوذ به سوى بيت ابن شقيق فرانشيسكا، وهو نفس البيت الذي ولدت وترعرت فيه. في ذلك المنزل أتمّ دانتي كتابة الكوميديا الإلهية وفيه يصف فرانشيسكا وصفا جميلا ومتعاطفا رغم حكمه القاسي عليها.
قصّة باولو وفرانشيسكا مشهورة كثيرا في الأدب والرسم والموسيقى. الشعراء الانجليز الرومانسيون، مثل كيتس وبايرون، ذكروها في قصائدهم. وبعض النقّاد يرون أن القصّة تمثّل الجانب الخفيف والناعم من الكوميديا الإلهية بما تثيره من إحساس بالشفقة والندم. والبعض الآخر رأى فيها رمزا للتمرّد على السلطة الأبوية والاستبداد الزوجي والمنزلي.
الرسّامون أيضا فُتنوا بالقصّة، ومن أشهر من رسمها كلّ من رودان وجورج فريدريك واتس وروسيتي وفرانك ديكسي وغوستاف دوري.
وفي ما بعد أصبحت هذه القصّة موضوعا لأوبرا ألّفها الموسيقيّ الروسي سيرغي رحمانينوف بعنوان "فرانشيسكا دي ريميني".

لوحات عالميـة – 254

2010-09-02T12:05:00.000-07:00

نقطـة التـقـاء
للفنان الأمريكي جاكسـون بـولـوك، 1952

يقال أن الفنّ يأتي أحيانا من أماكن بعيدة وخفيّة في أعماق النفس. لذا تصبح الكلمات والأفكار التي تحاول تفسيره أو فهمه غير ذات قيمة أو أهمّية. بل إن محاولات التفسير والفهم يمكن أحيانا أن تثقل العمل الفنّي وتجرّده من جماله وخصوصيّته وغموضه.
هذا الكلام ينطبق تماما على لوحات جاكسون بولوك وما تثيره في النفس من دهشة وحيرة. ومبعث الحيرة هنا يكمن في انك لا تستطيع وصف لوحاته ولا اكتشاف ما أودعه فيها من معانٍ ورسائل ورموز. حركات مشوّشة؟ طاقة فيزيائية زائدة؟ رسائل خفيّة؟ لا شيء واضح على وجه التحديد.
البعض لا يجد لوحات بولوك باعثة على السرور أو المتعة. والبعض الآخر يراها تجلب الدوار وتربك الذهن. وهناك من يقول، على سبيل السخرية والمبالغة، أن أيّ طفل بمقدوره أن يرسم مثلها.
ومع ذلك، فـ جاكسون بولوك يُعتبر اليوم احد أشهر الرسّامين في العالم ومن أكثرهم أصالة وتأثيرا. إحدى لوحاته ابتاعها عام 2006 رجل أعمال مكسيكي بمبلغ مائة وأربعين مليون دولار أمريكي، ما جعلها تتصدّر قائمة اللوحات الأغلى في العالم في ذلك الوقت.
ودائما، كان هناك من ينظر إلى لوحاته محاولا اكتشاف أنماطها وزخارفها الجميلة والمشاعر الدفينة التي قد تكون مخبّأة بين ثنايا خيوطها وأشكالها وألوانها الكثيرة.
كان جاكسون بولوك واحدا من مجموعة من الرسّامين الذين ابتكروا أسلوبا جديدا في الرسم يمزج ما بين التجريد والتعبيرية.
لم يكن هؤلاء يرسمون أشياء مألوفة في لوحاتهم كالطبيعة والأشخاص أو الحياة الصامتة، بل فضّلوا بدلا من ذلك التعبير عن انفعالاتهم من خلال توظيف عناصر الرسم نفسها كالألوان والأشكال والأضواء والظلال والخطوط وما إلى ذلك.
وقد تأثّر بولوك وزملاؤه بأنماط الفنّ الأفريقي وبرسومات الكهوف وفنون سكّان أمريكا الأصليين.
كانت الظروف التي نتجت عن الحرب العالمية الثانية، بما في ذلك استخدام الأسلحة النووية لأوّل مرّة في تاريخ البشرية، سببا في انتشار حالة من الحيرة والتشاؤم والشكّ بشأن مستقبل ومصير البشر. وكان هذا من بين العوامل المهمّة التي دفعت بولوك وأقرانه إلى التامّل في الواقع والنظر إلى الأشياء بشكل مختلف.
كان هؤلاء يؤمنون بأن الفنّ التقليدي لم يعد قادرا على توصيل انفعالاتهم ومشاعرهم بما فيه الكفاية. لذا بدءوا في البحث عن شكل فنّي أفضل يمكنهم من خلاله أن يعبّروا عمّا بدواخلهم من مشاعر مضطربة وهواجس مؤرّقة.
وقد فتح التجريد أمام الناس آفاقا واسعة وعلّمهم أن يؤمنوا بحرّية الفنّ دون أن يركنوا إلى الأفكار والأساليب الجاهزة مسبقا.
على أن إحدى أهمّ مميّزات الرسم التجريدي هو انه يمكن أن يوجد في كل زمن وجيل كشكل معاصر من أشكال الرسم. بمعنى انه لا يتقادم مع مرور الزمن ولا يبلى بفعل توالي الأساليب والأنساق الفنية والمدارس التشكيلية.
لوحة بولوك هنا عبارة عن فوضى عارمة من الألوان الصفراء والبرتقالية والبيضاء. هذه الألوان يبدو كما لو أنها تنبثق من الخلفية المظلمة للوحة وتتلاقى أو تتقاطع من خلال الضربات التي تكوّن سلسلة من الخطوط والأشكال والظلال التي يعلو بعضها بعضا.
بعض النقّاد وعلماء النفس يقولون عن حالات الانفعال التي يتعذّر تفسيرها أو فهمها أنها أعراض تشوّش وحيرة وارتباك.
هذا الكلام يكتسب مصداقية خاصّة عند النظر إلى السياق الزماني والمكاني الذي أنتج ظاهرة جاكسون بولوك. فعندما رسم الفنّان أعماله، ومن بينها هذه اللوحة، كانت أمريكا ما تزال تعاني من آثار ونتائج الحرب العالمية الثانية وإرهاصات الحرب الباردة وما رافقها من حملات هستيرية ضدّ الشيوعية والمعسكر الاشتراكي.
كان الفنّانون في ذلك الوقت يراقبون ما يحدث بوجوم وغضب، خاصّة بعد أن تبيّن لهم أن آمالهم وأحلامهم بمستقبل أفضل للبشرية قد تدمّرت ووئدت بفعل جنون الحرب وتهوّر القادة السياسيين. لذا أرادوا من خلال التجريد استبدال العالم القديم الآيل للسقوط بعالم آخر جديد يمكن أن يحتضن تطلّعاتهم ويحقّق أحلامهم بغد أكثر سلاما وأقلّ عنفا.
هذه اللوحة يمكن أن يكون لها معنى ما في واقع الحياة. وربّما يكون معناها كامنا تحت الطبقات المتعدّدة والكثيفة من الألوان والأشكال التي يُفترض أنها انعكاس لإسقاطات قويّة وانفعالات جامحة.
وبرغم غموض اللوحة، إلا أنها تجذب العين بألوانها البديعة والمتناغمة. يبدو خيال الفنان هنا متحرّرا ومنطلقا بلا حدود. ويمكننا أن نتخيّل بولوك وهو يصبّ الطلاء أو يرشّه عشوائيا، ثم يرسم دائرة إثر دائرة ويبني حولها طبقات فوق طبقات من اللون بينما يستخدم أصابعه لتذويب ونشر الطلاء فوق مساحة اللوحة الكبيرة.
ويقال إن الرسّام كان يستخدم السكاكين والعصيّ ويمزج الرمل بقطع الخشب والزجاج المكسور وغيرها من الأشياء الغريبة كي يمنح مناظره نسيجا ثقيلا ومتماسكا.
في بداياته، تعرّف جاكسون بولوك على الفلسفات الشرقية والأفكار الثيوصوفية. وكان قبل ذلك شخصا لا دينيا. لكن علاقته بالمعلّم الروحاني الهنديّ المشهور جيدو كريشنامورتي فتحت أمامه الباب واسعا لتعلّم الأفكار والمفاهيم الروحية المعاصرة.
في أربعينات وخمسينات القرن الماضي، توقّف بولوك عن اختيار عناوين للوحاته واستبدلها بأرقام، في محاولة لتحريض المتلقّي للدخول مباشرة إلى أجواء اللوحة وصرف انتباهه عن أيّ ارتباطات أو تصوّرات مسبقة قد يوحي بها العنوان.
كان جاكسون بولوك يؤمن بأن الرسّام لا يلزمه أن يتمتّع بمهارات تقنية خاصّة وأن كل إنسان مهيّأ لأن يصبح رسّاما على طريقته.
والمعروف أنه جرّب في بداياته حياة التشرّد والفقر. ولم تحقّق لوحاته النجاح والشهرة إلا في المراحل الأخيرة من حياته.
وقد دعمه بعض النقّاد بينما سخر منه آخرون. وفي الستّينات اختير كأهمّ رسّام لأهمّ حركة فنّية أمريكية ظهرت في القرن الماضي.
ويقال إنه بفضل بولوك وزميله الآخر مارك روثكو وغيرهما من رموز التجريدية الأمريكية، أصبحت نيويورك تحتلّ مكانة باريس في كونها الحاضنة الأولى للفنّ الطليعي في العالم.
غير أن حياته الخاصّة لم تكن سعيدة أو سهلة. فقد عانى كثيرا من نوبات الاكتئاب والإدمان على الكحول والتدخين بشراهة.
وفي آخر سنواته أصبح عاجزا ومشوّش الذهن، وبدا كما لو انه غير قادر على مواجهة أعباء وضغوط الحياة.
وفي صيف عام 1956 قُتل جاكسون بولوك في حادث سيّارة عن عمر لا يتجاوز الرابعة والأربعين.
وقد أسهم موته المأساوي وهو في سنّ مبكّرة في إضفاء طابع أسطوري على شخصيّته وفنّه.

لوحات عالميـة – 253

2010-08-31T13:49:00.000-07:00

بارسيفـال أو فـارس الأزهـار
للفنان الفرنسي جـورج روشغـروس، 1894

تعتمد أوبرا بارسيفال لـ ريتشارد فاغنر على نصّ أسطورة ملحمية مسيحية تعود إلى القرن الثالث عشر الميلادي وتحكي عن مغامرات فارس آرثري بهذا الاسم.
والقصّة تمتلئ بالمعاني والرموز وتجسّد الصراع بين المسيحية والوثنية، وبين الخير والشرّ، والنور والظلام.
عندما ظهرت هذه الأوبرا لأوّل مرّة عام 1857 لاقت إعجابا كبيرا، خاصّة من الرسّامين الانطباعيين الذين كانوا يجدون في أعمال فاغنر عناصر إلهام للوحاتهم.
كان الرسّامون آنذاك متعطّشين للأفكار والمواضيع الجديدة. وقد فتنتهم براعة هذا الموسيقيّ الألماني الذي أعاد الأساطير العظيمة والحكايات القديمة إلى الحياة من جديد.
وعندما فكّر الفنّان جورج روشغروس في رسم هذه اللوحة، فإنه كان يطمح لأن يقترب من الجماليات النخبوية للرمزيين وأن يستغلّ الشعبية الكبيرة التي كان يتمتّع بها في ذلك العصر الرسّامون الانجليز ما قبل الرافائيليين.
في أحد مشاهد أوبرا فاغنر، عندما يصل البطل بارسيفال إلى قلعة الساحرة كلينغسور يقوم الملك بإصدار تعليماته إلى فرسانه بالتصدّي له ومقاتلته. لكن بارسيفال يتغّلب عليهم جميعا ويلوذون بالفرار.
ثم يتابع الملك بارسيفال وهو يتّجه إلى داخل حديقة قصره باحثا عن الكأس المقدّسة، فيستدعي الساحرة كوندري كي تقوم بإغرائه ومن ثمّ إبعاده عن الحديقة.
الرسّام يصوّر اللحظة التي يجد بارسيفال فيها نفسه داخل حديقة رائعة تحيط به مجموعة من النساء الفاتنات اللاتي يتخفّين في هيئة أزهار. وبعد ذلك ينشب نزاع بين النساء حول أيّهن أحقّ أن تظفر بالفارس.
غير أن بارسيفال لا يكترث لنداءات النساء اللاتي تغطّي أجسادهنّ أزهار النرجس والزنبق والبنفسج.
الطبيعة الخفيفة والمريحة لهذه اللوحة من حيث الشكل والمضمون تجعل منها استثناءً عن بقيّة اللوحات المقتبسة عن أعمال لـ فاغنر الذي تغلب على مسرحيّاته الأفكار المظلمة والمأساوية.
ومن الواضح أن روشغروس تعمّد أن يبتعد عن نصّ الأوبرا كي يبرز الفكرة الرئيسية التي يقدّمها المشهد، وهي أن بارسيفال كان إنسانا محصّنا ضدّ الإغراء لأنه كان عميق الإيمان بالأفكار المثالية والأخلاقية.
عندما عرض الرسّام اللوحة في صالون باريس نال الكثير من ثناء واستحسان النقّاد. كما بادرت الدولة الفرنسية إلى شراء اللوحة لصالح متحف لوكسمبورغ قبل أن تنتقل في ما بعد إلى متحف اورساي.
وقد كيّف روشغروس هذا العمل بشكل محكم كي يتناسب مع الذوق السائد في ذلك العصر. ومع ذلك تبدو اللوحة حديثة إلى حدّ كبير.
ورغم انه استخدم لرسمها الأسلوب الواقعي، إلا انه أضاف إليها لمسة انطباعية تبدو واضحة من خلال تعامله مع الطبيعة والخضرة ومزجه الرائع والمتناغم للألوان.
نيتشه الذي كان صديقا لـ فاغنر أثنى على الموسيقى، لكنه انتقد الأوبرا واعتبرها عملا رديئا ومحاولة لانتهاك الأخلاقيات الأساسية.
وقد قيل وقتها أن الأوبرا تروّج لفكرة النقاء العرقي وتتبنّى موقفا معاديا لليهود.
غير أنها وجدت لها أنصارا كثيرين في الوسط الموسيقي. فقد أثنى عليها كلّ من الموسيقي الفرنسي كلود ديبوسيه والألماني غوستاف ماهلر. العلاقة بين الأوبرا والموسيقى من ناحية والرسم من ناحية أخرى وثيقة وقديمة. الكسندر فراغونار، مثلا، رسم أوبرا "دون جوان" لـ موزارت. وغوستاف دوري رسم أوبرا "شمشون ودليلة" لـ كميل سان سونس. بينما رسم كلّ من ادموند ليتون وجون ووترهاوس أوبرا "تريستان وايزولدا" لـ فاغنر.
الرسّام جورج روشغروس ولد في باريس ودرس الرسم فيها. وقد تخلّى عنه والده وهو صغير فعاش في كنف زوج أمّه. وفي ما بعد تنقّل بين ايطاليا وهولندا وألمانيا وبلجيكا كدارس وسائح. كان مهتمّا في الأساس برسم الأحداث التاريخية. لكنه أيضا رسم الميثولوجيا والطبيعة ومشاهد من الحياة اليومية.
المعروف أن روشغروس عاش هو وزوجته آخر سنوات حياتهما في الجزائر. وقد أحبّ الرسّام الثقافة المحلية الجزائرية وأعجب كثيرا بالزخارف المعمارية الشرقية.
تجربته في الجزائر يظهر تأثيرها واضحا في العديد من لوحاته التي صوّر فيها الحريم وبعض مظاهر الحياة اليومية. وقد مكث الفنّان في الجزائر إلى أن أحسّ بتقدّمه في السنّ، فعاد إلى باريس ليموت ويُدفن فيها عام 1938م.
ومن أشهر لوحاته الأخرى السلطانة وموت في بابل والمحظيّة وبورتريه سارة برنارد.

لوحات عالميـة – 252

2010-08-29T11:37:00.000-07:00

قريـة عرائـس البحـر
للفنان البلجيكي بـول ديلفـو، 1942

يعتبر بول ديلفو احد الرموز المهمّة في حركة الفنّ الحديث في القرن العشرين. وقد اشتهر بلوحاته السوريالية التي تكثر فيها صور لنساء ذوات عيون كبيرة ومتوتّرة يتحرّكن ويتصرّفن كما لو أنهنّ واقعات تحت تأثير منوّم مغناطيسي. وكثيرا ما يظهرن في محطّات القطار أو يتمشّين داخل مبان كلاسيكية الطابع برفقة رجال غامضين يرتدون القبّعات.
القطارات أيضا من الموتيفات التي تظهر في لوحات ديلفو بشكل متكرّر. ويبدو أن الدهشة لم تفارقه منذ رأى أوّل قطار في حياته في باريس وهو ما يزال طفلا.
ومثل غيره من الرسّامين السورياليين، كان ديلفو يستمدّ مواضيع لوحاته من الأحلام والرؤى. وقد رسم هذه اللوحة اعتمادا على حلم روته له زوجته في احد الأيّام. فقد حلمت أنها رأت مجموعة من عرائس البحر على هيئة نساء يرتدين ملابس طويلة بألوان رمادية وخضراء وهنّ يجلسن قبالة بعضهنّ على كراسٍ مذهّبة في زقاق طويل يقوم على جانبيه صفّان من البيوت الرمادية.
النساء في هذه اللوحة يبدين بلا حراك، بينما يضعن أيديهن فوق ركبهنّ ويحدّقن في المجهول.
الزقاق بدوره يمتدّ إلى آخر اللوحة ويفتح على منظر لشاطئ تحيطه جبال بيضاء. في اللوحة أيضا يظهر رجل وحيد يبدو واقفا قرب جدار في الزاوية التي ينعطف عندها الشارع إلى اليمين. وفي الجانب الآخر من الجدار تظهر عن بعد مجموعة من عرائس البحر وهنّ يقفزن في الماء بعد أن تحرّرن من ملابسهنّّ.
المعنى هنا ليس واضحا تماما. ربّما كان كامنا في العقل الباطن للرسّام وزوجته. واللوحة في النهاية هي محاولة لتصوير حلم يصعب فهمه أو تفسيره.
ولد بول ديلفو في بلجيكا ودرس المعمار والديكور في أكاديمية بروكسل للفنون التي عُيّن في ما بعد مديرا لها.
ويُعرف عنه انه كان مغرما بـ جورجيو دي تشيريكو الذي كان معاصرا له. وكان مثله يعشق مناظر الشوارع الصامتة حيث ظلال البشر الذين لا يمكن رؤيتهم.
كما كان معجبا بمواطنه الرسّام رينيه ماغريت وبأسلوب مزجه الواقع بالخيال في لوحاته. ويقال إن ديلفو كان متأثّرا كثيرا بـ ماغريت. في حين يذهب بعض النقّاد إلى أن ديلفو لم يكن في واقع الحال سوى نسخة باهتة عن ماغريت.
بعض لوحات ديلفو تتّسم بغموضها، وفي بعضها الآخر مشاهد من حنين وإحساس بالصمت والأبدية.
وقد زار الرسّام ايطاليا في وقت مبكّر من حياته وأعجب بمبانيها التاريخية وعكَس حبّه للعمارة في العديد من صوره.
لكن لم يكن أحبّ إلى نفسه من رسم النساء العاريات ذوات الصدور الضخمة وهن يتجوّلن على الشواطئ أو في الطرق المزدحمة أو في الأطلال القديمة تحت ضوء القمر، وأحيانا وهنّ يقطفن الأزهار.
في إحدى لوحاته المشهورة بعنوان فينوس النائمة والموجودة في التيت غاليري بـ لندن، يرسم ديلفو امرأة تنام عارية في ساحة قصر مبنيّ على الطراز الإغريقي. وعند رأس المرأة النائمة تقف امرأة عارية وهي تؤشّر بيدها لامرأة أخرى محتشمة تمرّ عند نهاية السرير بمحاذاة هيكل عظمي لإنسان. وعلى الأرضيّة الرخامية نساء عاريات يؤدّين طقوسا غريبة وأخريات يحلّقن في السماء، بينما يضيء المشهد الليلي نور قمر يشعّ من بعيد.
ديلفو قال انه رسم هذه اللوحة في إحدى الليالي التي كانت تتعرّض فيها بروكسل لوابل من قذائف الطائرات أثناء الحرب العالمية الثانية. تلك اللحظات كانت استثنائية في سايكولوجيّتها وفي كمّية التوتّر والدراما التي صاحبتها. ويبدو أن الرسّام أراد من خلال اللوحة الموازنة بين نقيضين: الهدوء الذي يمثّله منظر المرأة النائمة من ناحية والإحساس بالألم والفجيعة الذي تجلبه الحروب من ناحية أخرى. صحيح أن اللوحة مزعجة إلى حدّ ما، لكنها تتضمّن أيضا نوعا من التعبير الشاعري.
كان بول ديلفو شخصا حالما، ولم يكن يحبّ القراءة كثيرا. كما لم يُعرف عنه تديّنه أو انتماؤه إلى أيّ تيّار أو حزب سياسي. وكان يحتفظ في محترفه بمجموعة من الجماجم البشرية التي كان يرسمها في لوحاته. كما كان معروفا بحرصه الشديد على أن يختار بنفسه، وحسب مواصفاته هو، موادّ وعدّة الرسم التي كان يستخدمها.
زوجته التي ألهمته رسم هذه اللوحة ظهرت في العديد من لوحاته بعينيها الواسعتين ووجهها الكلاسيكي. أما نساؤه العاريات فكان يصوغ ملامحهن على ملامح امرأتين أخريين، إحداهما روسية والأخرى سويدية.
ويمكن القول إجمالا إن مناظر ديلفو السوريالية تخلو من أيّ اثر للعنف أو الكوابيس المخيفة. كان عالمه غريبا، لكنّه مسالم نسبيا.
ومن الواضح انه كان يفهم النساء ويتعاطف معهنّ كثيرا. إحدى القصص التي تُروى عنه تقول إنه أحبّ امرأة وهو في سنّ الثلاثين، لكن والديه رفضا ارتباطه بها. وعندما قابلها بالصدفة بعد أكثر من ربع قرن لم يتردّد في الزواج منها على الرغم من انه كان يشارف على الستّين.
توفّي بول ديلفو عام 1994 عن سبعة وتسعين عاما. ومنذ بضع سنوات احتفلت بلجيكا بذكرى مرور مائة عام على مولده.

لوحات عالميـة – 251

2010-08-25T11:48:00.000-07:00

غزالان يعدوان خائفيَن في ضوء القمر
للفنان الأمريكي كـارل كْنـاتـز، 1932

لكلّ رسّام فردوسه الخاصّ. وبالنسبة للرسّام كارل كناتز، كانت الطبيعة والحيوانات والأزهار جزءا لا يتجزّأ من جنّته الأرضية.
في هذه اللوحة يرسم كناتز غزالين شاردَين في ليل غابة مسكونة بالصمت والثلج ومضاءة بنور قمر شاحب.
المنظر شاعري بامتياز. الألوان باردة، والحركة والمزاج اللذان تثيرهما اللوحة يكمّلان بعضهما. كما أن موضوع اللوحة يتضمّن عناصر يمكن أن تُبنى عليها قصّة ذات نهايات مفتوحة.
في الغابة لا توجد أسوار تحدّ من حركة الحيوان. وضوء القمر يوفّر فرصة للغزلان كي تتجوّل في الغابة ليلا باحثة عن طعام. لكن هذا هو الوقت المناسب أيضا بالنسبة للصيّادين الذين يقتفون أثرها والحيوانات الكاسرة التي تبحث عادة عن فرائس سهلة في الليل.
رسم الفنّان أوّلا أشكالا داخل الفراغات وأقام معمار اللوحة اعتمادا على الخطوط السوداء السميكة. هناك أيضا الخطوط المتعرّجة والمتوتّرة للفرشاة والتي توحي بانكسار الصمت، لدرجة أن الناظر يكاد يسمع أصوات الفرقعة التي أزعجت هذين الحيوانين وأثارت خوفهما.
هذه اللوحة تعكس أسلوب الرسّام في تصميم مناظره واختيار الألوان المناسبة لها. ومن الواضح انه رسم في البداية اسكتشات للوحة ثم قاس المسافات بين عناصرها وحدّد النسب بين هذه المسافات والقيم المختلفة للألوان.
ورغم التنفيذ الهندسي الصارم للوحة، إلا أن خصائصها الشاعرية والروحية تظلّ الأكثر أهمّية.
المعروف أن كناتز رسم سلسلة من اللوحات التي تصوّر غزلانا في الغابة في أوقات مختلفة من اليوم.
وقد واتته فكرة رسم غزلان في الطبيعة في أوائل عشرينات القرن الماضي. كانت طبيعة الحياة في الريف عنصر إلهام له في ذلك. وما كتبه في ملاحظاته يشي بحماسه الكبير للبرّية وحبّه لكائناتها.
ولوحات الرسّام تلك يمكن اعتبارها رمزا لافتنانه بالفكرة. وقد ظلّ منجذبا إلى الطبيعة وغموضها طوال حياته. كان يؤمن بأن الطبيعة مصدر كلّ الفنون وأن للغابات والأنهار والحياة البرّية عموما خصائص روحية وباطنية. وقد عُرف عن كناتز تأثّره بكتابات فلاسفة الطبيعة من أمثال ايمرسون وثورو وبليك.
علاقة الغزال بالرسم قديمة جدّا. إذ يظهر كثيرا في رسومات الكهوف التي يعود بعضها إلى عصور موغلة في القدم. وطبقا لبعض الحضارات الوثنية، يُعتبر الغزال أحد أقدم الحيوانات التي وُجدت على الأرض. وهو يرمز عند الأقدمين إلى الخصوبة وتجدّد الحياة والوفرة. كما أنه معروف بصبره وأناته وبقدرته الفائقة في معرفة الاتجاهات وبكونه حيوانا معمّرا، لذا يعتبره الصينيون رمزا لطول العمر والحياة السعيدة. وفي الأساطير فإن ظهور غزال قد يكون مؤشّرا على وقوع حدث كبير أو مهمّ.
في العصر الحديث، ما يزال الغزال موضوعا مفضّلا عند رسّامي الطبيعة والحياة الفطرية. وقد تكون أشهر لوحة عن غزال هي تلك التي رسمتها الفنّانة المكسيكية فريدا كالو عندما صوّرت نفسها على هيئة غزال صغير تخترق جسده السهام.
درس كارل كناتز الرسم في معهد شيكاغو للفنّ. وقد كان متأثّرا كثيرا بـ سيزان. كما استفاد من أسلوب الرسم الياباني والصيني في رسم وتمثيل الحيوانات والطبيعة.
وكان دائما ما يستشهد بآراء كاندينسكي وموندريان وماليفيتش وغيرهم من رموز الرسم الحديث. كما كان يشاطر كاندينسكي رأيه القائل بأن ثمّة توافقا بين الصوت في الموسيقى واللون والفراغ في اللوحة. لكن من الواضح أن كناتز لم يحبس نفسه في التنظيرات والأمور الفلسفية، بل كرّس كلّ اهتمامه لإنتاج العديد من اللوحات الشاعرية والمعبّرة.
الجدير بالذكر أن كناتز كان مغرما، بشكل خاص، برسم أزهار الليلك التي ظلّ يصوّرها طيلة حياته. كان انجذابه إلى تلك الأزهار غريبا وغامضا، كما لو انه كان يتوق أثناء وجوده على الأرض أن يحصل على ما يكفيه من عبيرها وألوانها. ولم تعطه تلك الأزهار موضوعا للوحاته فقط، وإنما منحته أيضا بعض أرقّ وأجمل ألوانه مثل اللافندر والليلكي والأرجواني.

لوحات عالميـة – 250

2010-08-23T10:37:00.000-07:00

سيّـدة بـ جاكيـت اخضـر
للفنان الألماني اوغسـت مـاكـا، 1913

لا يمكن أن تنظر إلى هذه اللوحة الجميلة دون أن تتذكّر ألوان هنري ماتيس أو أجواء لوحات إدفارد مونك. نقاء ولمعان الألوان فيها غريب ومدهش رغم قتامة موضوعها.
كان اوغست ماكا واحدا من أشهر الرسّامين الألمان الذين ظهروا في القرن العشرين. وقد كان معاصرا لـ كاندينسكي، الأب الروحي للمدرسة التجريدية. وكانت تربط الاثنين علاقة وثيقة.
لكن ماكا لم يكن يشارك كاندينسكي وجهة نظره التي تقول بإخضاع الرسم للتفسيرات الغامضة والأفكار الغيبية.
كما لم يكن يهتمّ كثيرا بالقيم والدلالات التجريدية للألوان. كان ينظر إلى اللون باعتباره وسيلة للتعبير عن المشاعر والأفكار الخاصّة فحسب. وقد قيل عن ماكا ذات مرّة انه الرسّام الذي أعطى للألوان سطوعها ونقاءها. وكانت الشفافية والترتيب والتناغم هي الأفكار التي تميّزت بها لوحاته.
ومن الواضح أن اوغست ماكا لم يكن يهتمّ بإضفاء سمة روحية على الطبيعة بقدر ما كان يحاول أن يعكس الطبيعة في أعماله بطريقة حيّة ومبهجة. ومثل ماتيس، كان يحبّ الأشكال البسيطة والألوان اللامعة.
في هذه اللوحة يرسم الفنّان خمسة أشخاص، ثلاث نساء ورجلين، في وضع وقوف.
الأشخاص يبدون بهيئة تشبه التماثيل الساكنة وكلّهم يرتدون الملابس الرسمية والقبّعات. الرجلان والمرأتان إلى اليمين واليسار يمسكون بأيدي بعضهم بعضا.
غير أن نقطة الارتكاز في اللوحة هي المرأة التي تظهر في الوسط مرتدية جاكيتا اخضر وقبعة حمراء. الجاكيت الأخضر الغامق هو ما يجعلها بارزة أكثر من الآخرين.
ولد اوغست ماكا في ألمانيا لأب كان يعمل كمتعهّد بناء وأمّ تنحدر من عائلة من الفلاحين.
وقد عاش معظم حياته في ألمانيا. لكنه تنقّل ما بين باريس وروما وسويسرا وهولندا.
في بداياته، درس ماكا في برلين على يد الرسّام لوفس كورينث. ثم لم يلبث أن تعرّف على التكعيبية وعلى فنّ إدفارد مونك.
وأثناء إقامته في باريس، تعرّف على كلّ من ديغا ومانيه وتأثّر بأسلوبهما كما اطّلع على نظريات دافنشي عن الرسم.
ويمكن القول انه يغلب على لوحاته الأسلوب الانطباعي. مع أن بعض النقاد يصنّفون أعماله بالتعبيرية.
طبيعة المكان في هذه اللوحة قد تساعد في معرفة المزاج الذي تصوّره. اللون الأصفر على الأشجار يوحي بأن الوقت خريف. وفي خلفية اللوحة هناك بحر تتوسّطه بعض البيوت.
المرأة بالملابس الخضراء تبدو وحيدة وحزينة. طريقة وقوفها ونظراتها المصوّبة إلى الأرض ترجّح هذا الانطباع.
ترى هل هذه مقبرة؟ مراسم عزاء؟ هل فقدت المرأة شريكها؟ من الملاحظ أيضا أن ألوان ملابس المرأتين الأخريين أكثر نعومة وإشراقا. الأشكال والتفاصيل في اللوحة مرتّبة بعناية والألوان متناغمة بطريقة جذّابة.
في أواخر حياته، زار اوغست ماكا تونس بصحبة صديقه الرسّام المشهور بول كْلي، حيث عملا هناك معا ورسما لوحات تتضمّن موتيفات عن رحلتهما التونسية.
الأجواء الغريبة لشمال أفريقيا كانت عاملا مهمّا في ظهور أسلوب الفنان في توظيف الألوان الساطعة. وفي تلك الفترة بالذات أنجز بعضا من أشهر أعماله التي أصبحت في ما بعد تحفا فنّية مشهورة ومنها هذه اللوحة.
عندما انطلقت شرارة الحرب العالمية الأولى، استُدعى الفنّان اوغست ماكا للخدمة في جيش بلاده واُرسل إلى الجبهة. وبعد أسبوعين، قُتل في ميدان المعركة إثر إصابته بقذيفة مدفع. كان ذلك في احد أيّام شهر سبتمبر من عام 1914 ولم يكن بعد قد أكمل عامه السابع والعشرين.
وقد رثاه صديقه ورفيق عمره الرسّام الألماني فرانز مارك بكلمات مؤثّرة وحزينة. المفارقة هي أن مارك نفسه قُتل هو أيضا في تلك الحرب بعد اقلّ من عامين على رحيل ماكا.
وكانت آخر لوحة رسمها الفنان اوغست ماكا قبل وفاته بعنوان "وداع". وقد صوّر فيها حالة الإحساس بالشكّ والانزعاج التي كانت تؤرّقه وهو يرى مظاهر القلق وعدم اليقين التي كانت تطبع حياة الناس وهم يرقبون نذر الحرب الوشيكة.

لوحات عالميـة – 249

2010-08-18T13:16:00.000-07:00

الجـواد الأبيـض
للفنان الأمريكي جـورج بيـلـوز، 1922

عندما يُذكر اسم جورج بيلوز فإن أوّل ما يخطر بالذهن هو سلسلة لوحاته الضخمة التي تصوّر مباريات الملاكمة التي تتسّم بأجوائها المظلمة وبما تثيره من إحساس قويّ بالحيوية والقوّة والحركة.
هذه اللوحات أصبحت علامة فارقة في تاريخ الرسم. لكن بيلوز مشهور أيضا بلوحاته التي تصوّر جوانب من حياة الطبقة العاملة في نيويورك والتي يسخر في بعضها من أسلوب عيش الطبقات الثريّة والمرفّهة.
وفي إحدى الفترات، رسم مجموعة من اللوحات التي يصوّر فيها نيويورك وهي مكلّلة بالثلوج والبرَد. وقد اثبت من خلال تلك اللوحات براعته في التعامل مع تأثيرات الضوء وتباين الألوان الناتج عن امتدادات الثلج فوق الأسطح الداكنة لمباني المدينة.
الجواد الأبيض هي إحدى لوحات بيلوز الجميلة والمتميّزة. وقد رسمها قبل عامين من موته المأساوي وهو ما يزال في سنّ الثانية والأربعين. واللوحة تصوّر جانبا من مزرعة في نيويورك كان الفنّان يقضي فيها أشهر الصيف مع عائلته. وكان قد شيّد في تلك البقعة بيتا ومحترفا.
المنظر يمنح إحساسا غامضا بالخريف من خلال استخدام الألوان القويّة والتأثيرات الدراماتيكية لمنظر السحب الكثيفة. ومع ذلك لا يخلو هذا المنظر من لمسة شاعرية تعمّقها السمات شبه التعبيرية والتجريدية للوحة.
ولد جورج بيلوز في اوهايو ودرس في جامعتها ثم أصبح لاعب كرة سلّة محترفا. لكنّه كان يظهر ميلا للفنون والرسم. ومن اجل هذه الغاية انتقل إلى نيويورك حيث انتظم في رابطة طلبة الفنّ فيها.
موهبة بيلوز المبكّرة أدّت إلى تنامي مكانته وشهرته في أمريكا. كما أحدثت تغييرات مهمّة في حياته وعمله. وبدأ يعرف طريقه إلى الطبقات الاجتماعية الميسورة التي كانت تكلّفه برسم بوروتريهات لأفرادها.
بعض النقّاد اليوم يشيرون إلى بيلوز باعتباره احد أكثر الرسّامين الأمريكيين موهبة في الربع الأول من القرن الماضي. وبالإضافة إلى مناظره القويّة والمعبّرة عن نيويورك وتلك التي رسمها لأشخاص يتصارعون، تميّز بيلوز أيضا برسم الطبيعة والبورتريه.
كان الرسّام يعشق الرياضة كثيرا ولطالما اظهر حرصه على مشاهدة مباريات الملاكمة وسجّل أحداثها في العديد من لوحاته. ويمكن القول إن لوحاته بشكل عام توصل إحساسا رياضيا، من خلال ميله لوضع الطلاء السميك والاستخدام التعبيري للون والضوء بطريقة تضفي على مشاهده جوّا من الحيويّة والحركة.
ومن أجمل أعماله الأخرى اللوحة المسمّاة حبّ الشتاء والتي رسم فيها مجموعة من الرجال والنساء والأطفال وهم يلهون في طبيعة ثلجية على أطراف إحدى التلال.
في نهايات حياته انضمّ الرسّام إلى جماعة من الفنّانين الراديكاليين الذين كانوا يميلون إلى الفوضوية في دعوتهم المتطرّفة للحقوق الفردية.
كان بيلوز يؤمن بأن الحرّية الفنّية تسمو فوق الايدولوجيا. وقد أخذ عليه الكثيرون دعمه للتدخّل الأمريكي في الحرب العالمية الأولى عندما رسم مجموعة من اللوحات التي صوّر فيها الفظائع التي ارتكبها الألمان أثناء غزوهم للأراضي البلجيكية.
في لوحاته الأخيرة أصبح الفنّان يركّز على رسم مشاهد من الحياة اليومية. كما وجد من الوقت ما يكفي لرسم زوجته وبناته ومزاولة التدريس في معهد شيكاغو للفنّ.
وقد توفّي جورج بيلوز عام 1925 بسبب مضاعفات عملية إزالة الزائدة الدودية.
ولوحاته تتوزّع اليوم على بعض المتاحف والمجموعات الفنّية الخاصّة في الولايات المتّحدة.

لوحات عالميـة – 248

2010-08-15T18:29:00.000-07:00

الحـلــم
للفنان الفرنسي هنـري روسـو، 1910

الدخول إلى عالم هنري روسو الغريب والحالم يشبه الدخول إلى أعماق غابة. حيث تتكشّف أنواع القصص والدراما المختلفة من وراء الأوراق والأشجار والنباتات.
كان يعبّر عن خياله عن العالم كما يراه وكان دائما يقول: لا شيء يجلب لي السعادة أكثر من تأمّل الطبيعة ورسمها".
والنقاد والمعجبون بفنّه يعتبرون هذه اللوحة أفضل أعماله. الشاعر والناقد الفرنسي غِيوم ابولينير امتدحها هو أيضا وأثنى على جمالها وسماتها الفنّية.
يرسم روسو هنا امرأة عارية تستلقي على مقعد من المخمل وسط غابة مليئة بالنباتات والأشجار الكثيفة. في اللوحة أيضا نرى أسدين يرمق احدهما المرأة بنظرات هي اقرب للخوف منها إلى نيّة مبيّتة بالهجوم. وهناك أيضا طائران وفيل بالإضافة إلى شخص يعزف على آلة ناي أو بوق. ووسط كلّ هذه التفاصيل، تبدو المرأة المرسومة بواقعية شديدة هادئة ومسترخية وهي تجيل نظرها في أفق الغابة البعيد.
الرسّام فسّر اللوحة بقوله إن المرأة نائمة وتحلم بأنها جالسة في إحدى الغابات.
قد تكون هذه اللوحة تعبيرا عن حلم. وربّما تكون تصويرا لنظرية التطوّر وقصّة آدم وحوّاء في الجنّة، كما يذهب البعض.
كان هنري روسو مفتونا بالغابات الاستوائية الغريبة التي تظهر موتيفاتها كثيرا في لوحاته على الرغم مما قيل من انه لم يغادر باريس طيلة حياته.
وقد أحبّ الرسّام حدائق الحيوان والحدائق النباتية وكان يحرص على اقتناء كتب الأطفال التي تحتوي على رسومات للحيوان والنبات.
وعُرف عن روسو أيضا ميله للرسم والشعر والموسيقى. وفي بعض الأوقات عمل صحفيا كما كان يجيد العزف على آلة الكمان.
وقد تعلّم الرسم بجهده الخاصّ ولم يتلقّ تدريبا متخصّصا على يد أيّ فنّان. وفي بدايات تعلقه بالرسم، كان يذهب إلى اللوفر ليقضي هناك ساعات طوالا في تقليد لوحات كبار الرسّامين.
غير أن كثيرا من النقاد والجمهور لم يكونوا يحبّون لوحاته. كانت تبدو لهم بدائية وساذجة وطفولية لأن الحيوانات والناس فيها لا تبدو حقيقة ولإغراقها في التفاصيل.
وقد استمرّ النقاد في هجومهم على روسو حتى بعد مماته. لكن كان له دائما أنصاره ومعجبوه وعلى رأسهم بيكاسو وماتيس وتولوز لوتريك والشاعر ابولينير.
كان هنري روسو يحلم بأن يرى لوحاته معلقة إلى جوار لوحات وليام بوغورو الذي كان معجبا به طوال حياته.
ويبدو أن أسلوبه كان اكبر من قدرة الأكاديميين والمحافظين على استيعاب وفهمه. لذا لجئوا إلى منع عرض لوحاته في صالون باريس. غير انه وجد فرصته في النجاح الذي كان يتوق إليه عندما قبل معرض المستقلّين عرض لوحاته فيه، الأمر الذي ضمن له العديد من الأصدقاء والداعمين الذين كان معظمهم من أوساط الأدب والفنّ الطليعي.
تتميّز هذه اللوحة بألوانها الثريّة، خصوصا الأخضر وظلاله المتعدّدة. شكل الغابة يوحي بالمتاهة وكأنها تخبّي من الأسرار أكثر مما تكشف. غير أن الألوان الزاهية والعميقة تخفّف من وحشة المكان وقسوته.
أسلوب روسو في رسم الغابة خاصّ ومبتكر. وتكثر في لوحاته صور الحيوانات البرّية مع فرائسها والقرود وهي تلهو وكذلك أزهار الأوركيد واللوتس والبرتقال والشموس الحمراء والأقمار البيضاء.
من أشهر أعمال روسو الأخرى لوحته ساحر الأفاعي التي استلهم فكرتها من قصّة سمعها من امرأة عن أسفارها إلى الهند. وفي اللوحة يظهر ساحر اسود وبلا ملامح وهو يعزف الموسيقى في طرف غابة، بينما تخرج الأفاعي من بين أغصان الشجر مدفوعة بسحر الموسيقى. اليوم يُنظر إلى هنري روسو كأحد أكثر الفنّانين أصالة وتميّزا في تاريخ الرسم العالمي. وكثيرا ما يتمّ توظيف لوحاته لتزيّن دواوين الشعر وكتب القصص والروايات الرومانسية والفانتازية.

لوحات عالميـة – 247

2010-08-12T07:45:00.000-07:00

المـمـرّ
للفنانة الأمريكية كاثـريـن سيـج، 1956

كانت كاثرين سيج شاعرة ورسّامة أمريكية. وقد ولدت لعائلة ثريّة من نيويورك. وبعد انفصال أبويها وهي بعد صغيرة، هاجرت هي ووالدتها إلى أوربا حيث استقرّا أوّلا في ايطاليا.
في روما، درست الرسم ثم لم تلبث أن وقعت في حبّ كونت ايطالي فتزوّجته. ويبدو أن حياة الثراء والدعة لم ترق لها كثيرا فقرّرت الانفصال عنه والتفرّغ لتحقيق طموحاتها الفنية. فذهبت بمعيّة أمّها إلى باريس، وهناك تعرّفت على مجتمع الرسّامين السورياليين وأصبحت عضوا في حركتهم.
وقد اُعجب بموهبتها الرسّام السوريالي الفرنسي إيف تانغي ثم تحوّل ذلك الإعجاب بسرعة إلى انجذاب عاطفي.
كانت السوريالية في الأساس فكرة ظهرت وتبلورت من خلال فنّانين من الرجال. لكن الحركة استقطبت العديد من الفنّانات النساء. لكنّهن إجمالا لم يحظين بشيء من الشهرة التي حقّقها زملاؤهن من الرسّامين الرجال. وكنّ في الغالب يقنعن بوظيفة الملهمة أو العشيقة أو الزوجة.
بعد نشوب الحرب العالمية الثانية قرّرت سيج وأمّها العودة إلى الولايات المتّحدة. وبعد فترة قصيرة لحق بها تانغي إلى هناك حيث تزوّجا وأسّسا لهما بيتا ومحترفا.
كان إيف تانغي أشهر كثيرا من سيج. غير أن بعض النقّاد يقولون إنها كانت موهوبة أكثر منه، لكن مشكلتها أنها تزوّجته وعاشت في ظلّه.
وقد امتدح فنّها اندريه بريتون زعيم السورياليين ومنظّرهم. ويقال انه عندما رأى بعض لوحاتها لم يصدّق أن من رسمها امرأة، بالنظر إلى قدرتها التعبيرية الكبيرة.
وبشكل عام كانت سيج متأثرة بأسلوب زوجها الذي كان معجبا كثيرا بأسلوب جورجيو دي تشيريكو.
بعد وفاة تانغي متأثرا بنزيف في الدماغ عن 54 عاما، حزنت عليه سيج حزنا شديدا وأثّر ذلك بعمق على حياتها وفنّها.
ويمكن اعتبار هذه اللوحة بورتريها رسمته الفنانة لنفسها وعبّرت من خلاله عن حزنها على وفاة زوجها. وفيه تظهر من الخلف وهي عارية جزئيا بينما تحدّق في طبيعة جافّة وقاحلة. المنظر يوفّر نوعا من التأمّل الصامت في حالة العزلة.
التفاصيل البنيوية والمعمارية في اللوحة هي انعكاس لما كانت قد تعلّمته الفنانة في روما. فالطبيعة تتحوّل إلى ما يشبه الصناديق والكتل المكسورة. الألوان باردة ومتناغمة والضوء حادّ والحوافّ قاطعة ونظيفة.
لوحات سيج الأخرى لا تختلف كثيرا عن هذه اللوحة. فعوالمها البديلة مفصّلة جدّا ويمكن تمييزها والتعرّف عليها بسهولة.
ومواضيع الرسّامة وجودية غالبا، إذ تعمد إلى وضع الشخوص فيها داخل هياكل وأقفاص ضيقة وخانقة.
بعد وفاة زوجها، أصبحت سيج تفضّل الانسحاب شيئا فشيئا من العالم الخارجي وتميل إلى حياة الهدوء والعزلة.
وفي سنواتها الأخيرة، صارت تركّز على كتابة الشعر. وقد تركت أربعة دواوين شعرية. وقصائدها لا تختلف كثيرا عن لوحاتها من حيث أنها تتضمّن هي أيضا نفس الرؤى اليائسة والأفكار المظلمة والمتشائمة.
وقد عانت في تلك الأثناء من مشاكل في الإبصار. وبرغم خضوعها للعديد من العمليات الجراحية إلا أن بصرها كان يتدهور باستمرار.
ومع ازدياد معاناتها مع الاكتئاب وضعف الإبصار، أقدمت كاثرين سيج على الانتحار في احد أيّام شهر يناير من عام 1963 وذلك بإطلاق النار على نفسها.
وكانت قبيل وفاتها قد تبرّعت بلوحاتها والعديد من لوحات زوجها إلى عدد من المتاحف الأمريكية.

لوحات عالميـة – 246

2010-08-05T16:05:00.000-07:00

المـلاك الجريـح
للفنان الفنلندي هوغـو سيبمبـيرغ، 1903

ترى هل يمكن أن يُجرح ملاك؟ والى أين يمكن أخذه بعد ذلك؟
هل يصوّر الرسّام هنا حلما أم يعبّر عن حالة شعورية من خلال الرمز؟
في أشهر لوحاته، يرسم هوغو سيبمبيرغ ملاكا بهيئة فتاة صغيرة تحملها عربة يقودها صبيّان يرتديان ملابس داكنة اللون.
عينا الفتاة معصوبتان برباط ابيض وعلى احد جناحيها تبدو آثار دم. نظرات الصبيّ إلى اليمين حادّة وربّما مستفزّة. قد لا تشي هذه النظرات بتعاطف ما وقد توحي بعدم اكتراثه أو لا مبالاته بما حدث.
ملابس الصبيّين تبدوان اكبر من عمرهما. وهيئتهما وهما يمشيان ربّما تدلّل على أنهما غير جادّين في مهمّتهما لإنقاذ الفتاة.
جوّ اللوحة بشكل عام حزين ومقبض. وما يعمّق هذا الإحساس شكل الطبيعة التي لا توفّر سوى قدر يسير من الراحة والعزاء.
ومن الواضح أن الرسّام أبقى على قدمي الملاك بعيدين قليلا عن الأرض، انسجاما مع الطبيعة السماوية للملائكة كما تعكسها القصص والأساطير القديمة. كما أن قدميها تبدوان حافيتين. وفي هذا إشارة ضمنية إلى أن الجروح التي لحقت بها قد لا يكون هناك أمل في شفائها. وممّا يعزّز هذا الافتراض حقيقة اقتران القدمين الحافيتين بالموت، طبقا لبعض الثقافات القديمة.
غير أن ما يلفت الاهتمام أيضا أن الفتاة تمسك بيدها اليمنى غصنا اخضر، قد يكون رمزا لإمكانية الشفاء والولادة من جديد.
يُنظر إلى هوغو سيبمبيرغ باعتباره رسّاما رمزيا. وقد تتلمذ على يد مواطنه الفنّان اكسيلي كاليلا. ومعظم لوحاته تتميّز بجمالها الحزين والمؤرّق. وموضوعه المفضّل كان الموت والظواهر الغيبية. في إحدى لوحاته بعنوان الموت ينصت، يرسم سيبمبيرغ الموت على هيئة هيكل عظمي يرتدي سترة سوداء بينما يستمع إلى عزف على الكمان يؤدّيه موسيقيّ شابّ. وفي خلفية اللوحة تظهر امرأة عجوز بملامح شاحبة وهي تحتضر. الانطباع الذي تعكسه هذه الصورة هو أن الموت جاء إلى هنا لإتمام مهمّة. غير انه مع ذلك يملك من الوقت ما يجعله ينتظر إلى حين يكمل الشابّ، ابن المرأة، عزف موسيقاه.
سيبمبيرغ كان يرفض دائما إعطاء تفسير للوحة الملاك الجريح، تاركا للناظر أن يكوّن استنتاجه الخاصّ بنفسه. لكن من المعروف أنه عانى في احد الأوقات من التهاب السحايا. وقد أصبحت اللوحة بعد أن رسمها مصدر قوّة وأمل له أثناء فترة شفائه.
هذه الجزئية من حياة الرسّام يمكن أن توفّر قراءة مجازية للوحة. إذ أن مرض السحايا يسبّب عادة تيبّس العنق والإحساس بالنوم والحساسية. وبناءً عليه، هناك احتمال أن تكون صورة الملاك انعكاسا لحالة الرسّام نفسه بعد تجربته مع المرض. كما يجوز النظر إلى اللوحة باعتبارها رمزا لانتصار الفنّان على ظروف المعاناة والألم.
كان سيبمبيرغ يحبّ هذه اللوحة كثيرا، كما كان يتمنّى أن يلامس موضوعها المشاعر الداخلية للناس.
وقد بلغ من افتنانه بها انه رسم نسخة كبيرة منها على جدار إحدى الكاثدرائيات في هلسنكي.
ومنذ أربع سنوات اختيرت اللوحة كأيقونة وطنية لـ فنلندا. كما أصبحت موضوعا لأغنية مشهورة لإحدى الفرق الغنائية الفنلندية.

لوحات عالميـة – 245

2010-07-30T14:20:00.000-07:00

ثـلاث نسـاء
للفنان الفرنسي فرنـاند ليـجيـه، 1921

كان فرناند ليجيه واحدا من مجموعة من الرسّامين الذين كانوا يطمحون في أن يتمكّن تزاوج الفنّ وعصر الميكنة من إعادة صياغة العالم وإنهاء حالة الغموض والتشوّش التي أعقبت الحرب العالمية الأولى.
وقد عكس الرسّام هذه الفكرة في العديد من لوحاته. إذ كان يعمد إلى تحوير أطراف الأشخاص في لوحاته بحيث تبدو قريبة الشبه بالأشكال الهندسية والميكانيكية.
في هذه اللوحة يرسم ليجيه بنفس الأسلوب ثلاث نساء عاريات يتناولن القهوة أو الشاي في شقّتهن. وقد استحالت أجساد النساء إلى أشكال دائرية أشبه ما تكون بأجزاء ماكينة صلبة.
التوازن الهندسي في اللوحة وكثرة الأشكال ذات اللونين الأبيض والأسود ربّما توحي بتأثّره بـ بيت موندريان. وهناك أيضا احتمال انه نسج لوحته هذه على منوال لوحة ديلاكروا المشهورة "نساء الجزائر". كما أن المشهد يذكّر بمناظر الحريم التي كانت موضوعا مفضّلا للرسّامين في الحقبة الرومانسية.
غير أن التفاصيل هنا عصرية. فقد استبدل الرسّام النبيذ بالشاي أو القهوة. واختار أن يصوّر النساء في شقّة بسيطة وليس في قصر فخم. كما أن الزخارف الظاهرة على الجدران تبدو حديثة.
ولد فرناند ليجيه في فرنسا لأب كان يعمل بتجارة المواشي. وقد درس في بدايات حياته الهندسة المعمارية وعمل بعد ذلك مهندسا في باريس.
غير انه لم يلبث أن انتظم في مدرسة الفنون الجميلة كي يصبح رسّاما. وتدلّ أعماله المبكّرة على تأثّره بالانطباعية. لكنه أصبح في ما بعد يميل إلى تضمين لوحاته أشكالا هندسية ورياضية، الأمر الذي دفع بعض النقاد إلى وصف أسلوبه بالأنبوبية لكثرة تركيزه على الأشكال والأنماط الاسطوانية والمخروطية وأحيانا المكعّبة.
هذا التحوّل في أسلوب الرسّام ظهر عقب انضمامه إلى جماعة من الرسّامين الذين أسّسوا لأسلوب جديد متفرّع عن التكعيبية.
لكن في مرحلة تالية، أصبحت لوحاته يغلب عليها التجريد بشكل متزايد.
في بدايات الحرب العالمية الثانية أصبح ليجيه جنديا في الجيش الفرنسي حيث قضى سنتين على الجبهة. وقد نجا من الموت أثناء غارة جوّية شنّها الألمان على فيردان.
وبعد الحرب رسم لوحات مخيفة تعكس تجربته العسكرية ورؤيته للحرب.
من الأمور الأخرى المثيرة للانتباه عند النظر إلى هذه اللوحة طريقة الفنّان في رسم شعور النساء المنسدلة على جانب واحد من الوجه، ما يضفي عليهنّ بعضا من وهج وسحر ممثّلات وفنّانات هذه الأيّام.
ومن الملاحظ كذلك خلوّ ملامح النساء من أيّ تعابير حيث تبدو وجوههن مثل الآلات الصمّاء والجامدة.
كان ليجيه معجبا كثيرا بـ هنري روسو كما كان معاصرا لـ شاغال الذي ربطته به علاقة وثيقة.
وفي احد الأوقات اظهر انجذابا شديدا للسينما، فدرس تقنياتها وتلقّى تدريبا على يد مان راي حيث شارك الاثنان في إخراج أكثر من فيلم.
وفي مطلع ثلاثينات القرن الماضي زار نيويورك حيث كُلّف بتزيين منزل نيلسون روكفللر كما أقام متحف الفنّ الحديث معرضا للوحاته. وبعد عودته إلى فرنسا انتسب للحزب الشيوعي وأصبحت لوحاته اقلّ تجريدا، كما أصبح يركّز على رسم مشاهد من الحياة اليومية للفئات الكادحة مثل البنّائين والبهلوانات والغوّاصين ومن في حكمهم.
هذه النزعة لرسم الفقراء والمحرومين كانت فكرة اشتراكية في الأساس وقد لقيت قبولا واسعا في أوساط الفنّانين الطليعيين قبل وبعد الحرب العالمية الثانية. لكن يقال أن ليجيه لم يكن ماركسيا متشدّدا بل كان شخصا عطوفا ومؤمنا بالأفكار الإنسانية.
وفي السنوات القليلة التي سبقت وفاته في العام 1955 عمل كمحاضر في بيرن ثم في كراكاس وساو باولو.
يُذكر انه في عام 2008 اختفت إحدى لوحات ليجيه من متحف ديفيس الأمريكي. وقد تمّ رصد مكافأة بمبلغ مائة ألف دولار لمن يدلي بمعلومات قد تقود إلى اللوحة. لكن لم يُعثر عليها أبدا.

لوحات عالميـة – 244

2010-07-20T14:45:00.000-07:00

الصيـف
للفنان الفنلندي غونـار بيرنـدتسـون، 1893

الطبيعة في اللوحة من شمال أوربّا. والمنظر يصوّر يوما صيفيا مشمسا على شاطئ إحدى البحيرات في فنلندا. جوّ اللوحة قد لا يتطابق تماما مع واقع الحياة الفنلندية في ذلك الحين. فقد كان معظم الناس يعيشون حياة زراعية في الغالب، بينما كان آخرون يعانون من الفقر والحاجة.
المرأة والصبيّ الظاهران في اللوحة ينتميان للطبقة البرجوازية القليلة العدد والواسعة الثراء. والمزاج الشاعري الذي تعكسه اللوحة ينقل صورة لطبيعة حياة تلك الطبقة وطريقة استمتاع أفرادها بأوقات الراحة والعطل.
من الواضح أن الرسّام اهتمّ كثيرا بالتفاصيل في اللوحة، من قبيل الصخور المغمورة تحت الماء وأشعّة الشمس الصيفية المنعكسة على مياه البحيرة.
كانت شقيقة الرسّام زوجة لأحد البارونات وكان يتردّد على منزلها لزيارتهم من وقت لآخر. لكن قبل عامين من رسمه اللوحة، توفّيت شقيقته فجأة تاركة وراءها تسعة أطفال.
كان أكبر الأبناء بنتا اسمها كارين وهي التي تظهر في اللوحة بصحبة اصغر أشقّائها. وقد أراد الرسّام من وراء اللوحة إظهار اهتمام ورعاية ابنة شقيقته ذات الخمسة عشر ربيعا بأشقائها وعظم المسئولية التي أصبحت تضطلع بها بعد رحيل والدتها المفاجئ.
وتظهر كارين في اللوحة وهي تجلس على جسر خشبي صغير بالقرب من طرف البحيرة بينما تمسك بيدها كتابا. وعلى مقربة منها يظهر شقيقها الأصغر جالسا في قارب صغير. حرص المرأة على أخيها واضح من خلال مراقبتها اللصيقة له، فهي تدير وجهها باتجاهه وتقطع القراءة كي تطمئنّ على سلامته وتتأكد انه بعيد عن أيّ خطر محتمل.
مظهر الفتاة وطريقة لباسها تدلّ على مكانتها الاجتماعية. وهناك بالقرب منها وشاح قشيب الألوان وسلة من الخشب.
براعة بيرندتسون وعنايته بالتفاصيل واضحة من خلال أسلوبه في تمثيل الماء والأشجار والأعشاب البحرية والظلال والحجارة بطريقة تجعل اللوحة اقرب ما تكون للصورة الفوتوغرافية.
كان بيرندتسون احد الرسّامين الفنلنديين القلائل الذين حقّقوا شهرة عالمية في زمانه. وقد كان مختلفا عن معظم معاصريه من الفنّانين الفنلنديين الذين كانوا واقعين تحت تأثير مشاعرهم القومية. كان هؤلاء يروّجون لفكرة الأمّة الفنلندية من خلال فنّهم، كما وجدوا في الملحمة الوطنية المسمّاة "كاليفالا" التي جُمعت ونُشرت في القرن التاسع عشر مصدرا استلهموا منه مواضيع أعمالهم الفنّية.
وقد عُرف عن بيرندتسون نفوره من رسم المواضيع السياسية والاجتماعية. وكان يفضّل غالبا رسم المناظر الطبيعية التي تعكس نظرته المتفائلة للحياة. ولا تخلو لوحاته من مشاهد الريف الخضراء ومن الديكورات الأنيقة والملابس الزاهية والجميلة.
درس الفنّان الرسم في باريس التي قضى فيها ستّ سنوات عرض خلالها بعض أعماله في الصالون وفي أكاديمية الفنون الجميلة.
ومن أشهر أبناء جيله الموسيقيّ الفنلندي المشهور جان سبيليوس والرسّام البيرت ايديلفيلت الذي يُعتبر بنظر الكثيرين أفضل رسّام طبيعة فنلندي ظهر في القرن التاسع عشر.

موضوع ذو صلة: حوار الثلج والنار

لوحات عالميـة – 243

2010-07-14T13:38:00.000-07:00

شاطـئ تـروفيـل
للفنان الفرنسي كلـود مونيـه، 1870

في هذه الصورة الرائعة من القرن التاسع عشر، يرسم كلود مونيه منظرا تذوب فيه الأشكال وتُطمس الهويّات. واللوحة هي إحدى خمس لوحات تصوّر طبيعة ساحلية رسمها مونيه في العام 1870م.
وقد رسم الفنّان اللوحة في الهواء الطلق على شاطئ تروفيل بالنورماندي في صيف نفس العام الذي شهد بداية الحرب بين كلّ من فرنسا وبروسيا.
وبعد أشهر قليلة، سيسافر مونيه وزوجته وطفلهما إلى لندن هربا من التجنيد الإلزامي. وهناك سيرسم سلسلة لوحاته المشهورة عن بعض معالم العاصمة البريطانية في ذلك الوقت.
شاطئ تروفيل لوحة يمكن وصفها بأنها تختزل في لحظات عالما كاملا بكلّ مباهجه وأتراحه ذات يوم صيفي قائظ على شاطئ البحر. السماء من بعيد تبدو صافية والشاطئ نفسه مهجورا.
المرأة إلى يمين اللوحة هي كميل زوجة الفنّان، والمرأة إلى اليسار يُرجّح أنها زوجة صديقه الرسّام اوجين بودان.
من الواضح أن في اللوحة قدرا من التوتّر، كما أن تكوينها والتكنيك الذي نفّذت به غير مألوفين كثيرا. وجها الشخصيّتين أيضا غير واضحين بفعل سماكة الطلاء.
كان مونيه الشخصية الرئيسية في حركة الانطباعيين الفرنسيين. وقد اظهر ميلا واضحا للرسم وهو بعدُ في سنّ العاشرة. غير أن والده لم يكن يؤمن بجدوى الرسم وكان يرى أن العمل الجادّ وحده هو أفضل وسيلة لكسب الإنسان رزقه. لكنّ عمّته شجّعته على أن يصبح رسّاما بل وحاولت إقناع والده بأن ابنه يمكن أن يصبح في يوم من الأيام رسّاما ذا شأن.
ومنذ بداياته، كان مونيه يجد متعة كبيرة في رسم الطبيعة وتصوير الأشخاص.
وفي ما بعد، قابل زوجته الأولى كميل وربطت بينهما قصّة حبّ لم تلبث أن توجّت بالزواج.
وقد عاش الزوجان في البداية حياة فقر وعوز، إذ لم يكون مونيه قد ذاع اسمه واشتهرت لوحاته. وعندما حملت زوجته بطفلهما الأوّل، كان مونيه يعاني من الحزن والاكتئاب. وقد ترك البيت وذهب للعيش في بيت عمّته وكان يبعث إلى زوجته ببعض المال كي تنفقه على نفسها وعلى الطفل.
ولوحاته الأولى تشير إلى انه كان يحبّ كميل كثيرا. فهي تبدو في لوحاته التي رسمها لها سيّدة محبوبة وعلى قدر وافر من الجمال.
في هذه اللوحة، تبدو كميل مرتدية فستانا ابيض وممسكة بمظلّة زرقاء بينما تضع على وجهها خمارا خفيفا لاتقاء حرارة الشمس. وعلى وجهها يبدو انعكاس المظلة فيما تنظر إلى البحر أو لعلّها تتابع حركة ابنها من بعيد وهو يلعب. ملامح المرأة تشي ببعض الحزن كما أن عينيها تحوّلتا بفعل قناع الألوان السميك إلى مجرّد بقعتين سوداوين.
المرأة الأخرى، مدام بودان، ترتدي فستانا اسود وتبدو منشغلة بقراءة جريدة. تعبيرات وجهها تعطي انطباعا بأن الأخبار قد لا تبعث على الارتياح.
كان مونيه خير من مثّل الانطباعية من الرسّامين. وقد نهض بهذا الاتجاه الجديد وطوّره وروّج له أكثر من أيّ رسّام آخر. كما كان بارعا في تصوير إدراكه للواقع من خلال تعامله المبهر مع الأضواء الساطعة والمتوتّرة التي تذوب فيها أشكال وألوان العالم. وقد امتدحه سيزان ذات مرّة بقوله: مونيه هو عين فقط. لكن أيّ عين"!
كانت شعبيّة مونيه منسجمة مع عظمته الفنية. وتغلب على لوحاته موتيفات معيّنة مثل أكوام القشّ والكاثدرائيات والأبراج الطويلة وأزهار سوسن الماء.
وبعض النقاد اعتبره إنسانا غريب الأطوار إلى حدّ ما. فقد أصرّ على أن يرسم زوجته في لحظات احتضارها كما رسم أطفالا ونساءً بلا وجوه.
مع مرور السنوات، زاد الاهتمام بـ كلود مونيه وبأعماله التي أثبتت على الدوام فخامتها وتميّزها وجاذبيّتها التي لا تقاوم. ويجمع الكثيرون على اعتبار لوحاته من أفضل الأعمال الفنية الكلاسيكية التي تستحق الاقتناء. وقد بيع بعضها في بعض الأحيان بعشرات ملايين الدولارات.

لوحات عالميـة – 242

2010-07-01T02:41:00.000-07:00

المدرسـة الليـليـة
للفنان الهولندي غيـريت داو، 1665

الذي ينظر إلى هذه اللوحة لأوّل مرّة قد يتخيّل أنها لـ رمبراندت. والحقيقة أن مثل هذا الانطباع له ما يبرّره. فالفنّان الذي رسمها كان احد تلاميذ رمبراندت.
ومثل معلّمه، كان غيريت داو مغرما بلعبة الضوء والظلّ. والكثير من لوحاته عبارة عن مشاهد ليلية تكثر فيها أضواء الشموع التي تثير في النفس شعورا بالحنين إلى الماضي، حيث بساطة الحياة وعفوية البشر.
وصور داو، بالإضافة إلى تقنياتها العالية وخصائصها المبتكرة، يمكن اعتبارها سجلا يؤرّخ لجوانب من حياة الهولنديين في القرن السابع عشر الذي شهد ذروة ازدهار الفنون والتجارة في هولندا.
فبعد انتهاء حرب الثمانين عاما مع اسبانيا، برزت هولندا كقوّة سياسية واقتصادية وثقافية مهمّة، كما عرفت السفن الهولندية طريقها إلى بحار ومحيطات العالم في آسيا وأفريقيا وأمريكا وجزر الهند الشرقية.
وعلى صعيد الرسم، كان القرن السابع عشر عصر الفنّ الذهبي في هولندا الذي يقال انه أنتج حوالي ثمانية ملايين عمل فنّي لم يبق منها اليوم سوى اقلّ من واحد من المائة.
في هذه اللوحة يرسم الفنّان مشهدا ليليا لفصل دراسي يظهر فيه مجموعة قليلة من التلاميذ وهم يلتفّون حول معلّمهم على ضوء الشموع. ويبدو المعلّم ذو الهيئة البسيطة وهو يوجّه أحد التلاميذ بينما يجلس آخرون إلى طاولة وهم منشغلون بالحديث إلى بعضهم البعض.
في ذلك الوقت، كان الطلبة الذين يذهبون إلى المدارس الليلية هم أبناء الطبقة الفقيرة غالبا. وبسبب ظروف ومتطلّبات الحياة، كان أبناء الفقراء يضطرّون للعمل خلال ساعات النهار مع آبائهم لتلبية احتياجات أسرهم بينما يذهبون في المساء إلى المدارس الليلية للتعلّم وطلب المعرفة. وكانت العادة آنذاك أن يحضر التلاميذ معهم الشموع إلى المدرسة في الظلام.
وقد جرى العرف أن يتلقّى الأولاد دروسا في الرياضيات والتاريخ بينما تتدرّب الفتيات على فنون الخياطة. كما كانت تُلقى على التلاميذ دروس في الدين والأخلاق.
كانت لوحات داو التي تضيئها الشموع مشهورة في كلّ مكان. وكانت مهارته مثار إعجاب الكثير من الناس في زمانه. كما كانت لوحاته تباع بأغلى الأسعار.
وبالإضافة إلى تخصّصه في رسم مناظر الشموع، كان أيضا يرسم صورا من الحياة اليومية. وقد درس على يد رمبراندت حيث لازمه في محترفه بضع سنوات تعلّم منه خلالها مهارات التلوين وأساليب استخدام تأثيرات الضوء. ولهذا السبب تبدو بعض لوحاته قريبة الشبه جدّا بلوحات رمبراندت.
لوحات داو الليلية ذات الألوان الناعمة والشفّافة تشي بمهارته الفنية الفائقة والتي لم يكن يتمتّع بها سوى القليل من الرسّامين في عصره. وقد عُرف بأنه كان يرسم بدقّة ودأب. كما كان حريصا على أن يصنع بنفسه أدوات الرسم التي كان يستخدمها في لوحاته.
فكرة رسم الشموع والمشاهد الليلية يُعزى الفضل في ظهورها إلى الفنّانين الهولنديين. ومن أشهر من رسموا هذه الفكرة بالإضافة إلى رمبراندت وغيريت داو كلّ من غيريت هونثورست وماثياس ستوم وغودفريد شالكين، بالاضافة الى الفرنسي جورج دي لا تور والبريطاني جوزيف رايت.
الجدير بالذكر أن غيريت داو لم يتزوّج طوال حياته. وقد عاش بهدوء في منزل كانت تعيش معه فيه ابنة أخته التي كانت تقوم على رعايته وخدمته حتى وفاته.